Чего скрывать! Музыкантом теперь может стать каждый… Вот и парни из Петербурга без всяких задних мыслей предлагают заценить моднейший "garage rock / stoner с русскоязычной лирикой". Играть такую музыку – блестящая, невероятная идея! Как это получилось у Juice Oh Yeah?
С вашего позволения... Нет, ладно, сегодня без мата. По большому счёту Juice Oh Yeah “Sila Vselennoy” одновременно демонстрируют как наличие ряда свежих идей в части сочинения (и даже исполнения!) песен, так и полное, абсолютное состоявшееся нежелание адекватно их проработать и представить слушателю в приличном, законченном виде! Альбом открывается восьмиминутным треком “Kozha”: тут тебе и обещанный в пресс-релизе фузз, и годный качающий ритм, и неплохой, но шершавый как наждак ведущий рифф, более того, вокалист отлично тянет свои партии – его низкий голос действительно отлично ложится на doom-базу. Песня “Spat’” исполнена с заметной ленцой, и если бы дуэт не раскачался на второй половине трека, можно было бы говорить о drone, но тут темп композиции радикально ускоряется и под жидковатый stoner мы слышим любопытный речетатив: "Леприкон мешает / Сверлит дрелью мне вески / Очень хочется попить / Но выпадают мои ноги" (авторская орфография сохранена). Stoner doom несомненно пизже постыдного русского рока – ребзя во дворе подтвердят, но к чему ж пороть такую откровенную безвкусицу? Китч? Да полно вам! Слишком громко сказано. Как бы виртуозно не играл музыкант, слушать такую ахинею не хочется. Вступление к композиции “Krug” исполнено в духе еврейских народных традиций, и эта заводная мелодия у меня никак не вяжется с последующим стильным, умеренно пафосным stoner doom’ом, который последовательно возвращается к всё той же оголтелой пляске, с которой начинался трек. От названия песни “Kozha Slona” коробит не меньше чем от помойного гитарного звука (вот он “garage rock”-элемент!), который для меня стал главной характеристикой релиза, тут уже не хочется слушать ни вокал, ни эти эксперименты с размером, мелодиями и темпом. С нетерпением ждал последнего трека альбома, и композиция с категоричным названием “Poslednaya” не подкачала – тот же записанный в сортире грязный stoner, которым забит релиз, немного флиртует с лёгким беззаботным блюзом… Конец. Рассматривая релиз Juice Oh Yeah “Sila Vselennoy”, мне проще говорить о его недостатках, они бросаются в глаза в первую очередь. Я серьёзно сомневаюсь, что "сырость" и "гаражный саунд" могут быть оправданы в большинстве случаев, когда к ним аппелируют исполнители, намекая – таков творческий замысел! Обложка альбома, логотип группы, аляповатое раздолбайское название, названия песен ("Кожа", "Кожа слона", "Последняя"), их тексты, сама запись – всё отмечено такой запущенной неряшливостью, что, пожалуй, определение "раздолбайство" в этом случае можно расценивать как натянутый игривый комплимент. На искромётный юмор это не похоже, на какой-то хитрый план – тоже, просто парни, заимев записи некоторых ключевых команд направления и вдохновившись ими, наловчились довольно убедительно играть профильную музыку, не обременяя себя ненужными навыками, касающимися непосредственно записи материала. Нет, друзья, интересные элементы в “Sila Vselennoy” есть, но общая картина меня расстраивает ровно настолько, чтобы прекратить этот обзор прямо сейчас. Альбом содержит интересные решения, но они тщательно загажены в результате халатного отношения к записи материала. Кроме того, ребята вряд ли знают, чего хотят… Начинающие группы хвалить преступно, иначе они и дальше будут пороть феерическую чушь, полагаясь на одобрительное похлопыванию по плечу друзей по форуму и коллег из соцсетей. Но, скажем, да – мне понравился посыл одной из песен альбома – "Надо спать". И даже этот трек можно было поставить последним на релизе и закончить всё хорошим густым сонным джэмом, но вместо этого нам обеспечивают зажёванную, ранящую слух концовку. Тем не менее, рекомендую вам послушать живой кавер на хит бессмертного чернокожего романтика Haddaway “What is love”, который Juice Oh Yeah на отлично исполнили в Цоколе. Уж что-что, а инструменты (и микрофон) парни держать в руках умеют, ещё б горячку не пороли, и была бы сказка.
Вышедший в прошлом году дебютный альбом грузинского funeral-дуэта Ennui “Mze Ukunisa” вызвал широкий резонанс в международном doom-сообществе, и тут сыграла роль, чтобы ни говорили, не только страна происхождения группы, но и солидный для первого альбома материал. Музыку Ennui сравнивали и с Longing For Dawn, что спорно, и с Mournful Congregation, а также отмечали отсутствие изюминки (за исключением текстов на грузинском) и хвалили за общее качество работы, великодушно закрывая глаза на отсутствие новаторских решений. Лично мне хотелось услышать чистые вокальные партии, а остальное устраивало.
Год спустя на Moscow Funeral League выходит второй релиз дуэта “The Last Way”. К чему тянуть кота за яйца? Атмосферность работы, как и на “Mze Ukunisa” достигается преимущественно за счёт продолжительных, душевно прописанных гитарных соло, оттеняющих плотный поток неповоротливых риффов, как следствие клавишных практически нет, а те, что есть, скромно отведены на задний план, не отвлекая внимания от основной линии альбома. За что ещё могло бы зацепиться придирчивое ухо? За риффы, пожалуй, но они вполне традиционны, и в контексте funeral мне трудно говорить о "цепляющих риффах". Вокал? Гроул Давида “Unsaved” действительно хорош, и подтверждение тому – популярность такого способа пения в других командах и проектах жанра. И вот эта основная связка "риффы и гроул", как положено, давят, крушат, ввергают в бездну отчаянья, и что там ещё идёт далее по списку в хрестоматии погребальной музыки? Если бы Ennui зациклились только на них, было бы довольно скучно, но не одним этим богат альбом, и я бы хотел отметить несколько песен по ряду упомянутых выше отличительных признаков. Итак, я хочу сказать о великолепной гитарной работе на треке “Ennui”, монументальное соло из которой я бы поставил в пример многим музыкантов, избравшим стезю похоронных дрог, “A Moment In The Void” и “Loss” хороши тонкими акустическими пассажами, благодаря которым так хорошо выстраивается общая картина трагических сценариев этих песен, и, конечно, я рад тому, что на “The Last Way” я наконец услышал хоть и пару строк, но чистого, на церковный манер, пения. Надеюсь, что к следующему релизу таких строк наберётся на целую песню, это бы приятно разнообразило материал Ennui. Впрочем, на шесть песен это неплохой результат, а на шесть песен в стиле funeral doom – весьма хороший. Трагический funeral не оставляет большого простора для вариаций, но у парней всё ещё есть место для роста. “The Last Way” – хорошая, честная работа, шаг вперёд для Ennui и просто запоминающийся в рамках жанра релиз.
Такой сегодня выдался день – сплошной андеграундный экстрим. Как говорили злые польские дэз-думеры Zaraza на своём альбоме 97го года с вызывающим названием “Slavic Blasphemy”: “Everyday is a funeral!” И, слава Богу, это было только литературный приём, хотя, если взглянуть иначе – сущая правда. Поляки давно уже сидят в Канаде и едят оладьи с клюквенным сиропом, а на doom-фронте за них отдуваются другие. Например, Station Dysthymia, они из Новосибирска. Собрались в 2007 году, в 2009 издали дебютную запись, которая не то чтобы осталась незамеченной… ну прошла да и что уж там. К 2011 году накопилось материала на четыре песни, а для funeral’а, как вы знаете, это уже победа, и в 2013 этот материал увидел свет. Мужики нарыли для альбома крутую обложку, взяли для него мощнейшее название по мотивам увлекательного произведения Артура Кларка "Девять миллиардов имён Бога" и, что характерно, подготовили действительно любопытные, качественные композиции. К несчастью для меня, первый же трек “Concrete Wall” имеет чудовищную, в 35 минут, продолжительность. Но это не так плохо – его не скучно слушать. Бас-гитарист Station Dysthymia в своём интервью нашему порталу буквально говорил следующее: "Мы выходцы из холодного, атмосферного и пестрящего институтами и гаражами Новосибирского Академгородка, и атмосфера этого места очень сильно на нас повлияла. Проект задумывался как некий гимн снежным ночным улицам, прокуренным тёмным комнатам и городскому одиночеству". Не спорю, что-то от этого в “Overhead, Without Any Fuss the Stars Were Going Out” есть, но сам альбом далёк от такой местечковой привязанности, он масштабен и, стыдно сказать, эпичен. Первая композиция сходу показывает, что работа над созданием тонких настроений альбома ("атмосферности") проделана серьёзная: делает своё дело и тяжёлое акустическое вступление, инструментальная метафора к одиночеству, тьме, пустоте, и мрачный (а каким ещё ему быть?) чистый вокал, нараспев произносящий как заклинание одну фразу, холодное гитарное звучание и тот "дико крутой основной рифф, на который отлично ложится гитарный лид, уходящий в фидбэк". Сюжетная линия разворачивается долго, но следить за её развитием было не скучно, и по вокальной части есть замечание – в некоторых моментах гроул восхитителен, по-хорошему эмоционален, в то время как у некоторых групп он звучит ровно на протяжении всего альбома. “Concrete Wall” заканчивается в кромешном безумии, свойственном больше Esoteric, но у Station Dysthymia нагрузку по созданию этого настроения скорее несут сэмплы, нежели искажённый вихрь мутировавшего потока гитарного звука, как у британцев. Кстати, сведением альбома занимался Грег Чандлер, лидер банды эзотериков, и вероятно это тоже один из секретов Station Dysthymia. На втором треке “Ichor” мужчины наступают на горло своим принципам и делают успех, сократив продолжительность композиции до 18 минут, и как-то без спешки растекаются скорбной мыслию по древу, продолжая витиевато давить свои "похоронным роком". Из новых идей заметил только очень скромное использование "хэмонда", но, положившись на некоторое композиторское чутьё, авторы не стали им злоупотреблять. Медленно копошась дисторшированным телом в грязи, новосибирский музыкальный монстр ползёт дальше… “Starlit: A Rude Awakening” для меня стал этакой funeral-балладой, но совершенно неожиданно темп мелодии вырос, и вот вам коротенькая, сыгранная на высоком темпе реприза с "лёгкими" ударными и чуть более позитивно звучащей гитарой. Замыкающая альбом инструменталка “Starlit: We Rest At Last” привела меня к тому, что я вывел крамольный, уродливый термин “post funeral doom metal”, очевидно, причина этому в том, что гитары "недозагружены", и эй! – это как раз то, что мне сегодня под конец дня было нужно. Лично мне сегодня Station Dysthymia показали, что funeral бывает разный, а “Overhead, Without Any Fuss the Stars Were Going Out” стал для меня одним из трёх лучших funeral альбомов уходящего года. Ну и вспомним напоследок, что к работе приложил руку Чэндлер, а также… гм, совсем забыл про это. Какая же у нас, тысяча чертей, дружная сцена… а также M.Hater и I.Stellarghost из Abstract Spirit. Отмечу отсутствие лишней агрессивности на альбоме – материал умеренно экстремален, жёсток, мрачен, но без негатива, с долей аналитики, я бы сказал. Не понимаю, почему Свен в своём Doom Metal Front поставил альбому 6 баллов, где-то Свен ошибся, надо будет ему как-нибудь втащить…
Что-то у нас идёт не так – я ожидал, что второй альбом отечественного death doom / funeral проекта A Young Man’s Funeral издадут на Moscow Funeral League, а тут в дело вмешались FONO, что ж, почему бы и нет? Какая разница, за чей счёт мы принимаем участие в похоронах? Главное, чтобы поминки были хорошо обставлены. Церемонией как обычно заведует A.S., написавший музыку для всех трёх композиций, а место вокалиста на этот раз занял E.S., который скоро будет рычать из каждой радиоточки страны, и которого, вероятно, будут помнить не столько по Who Dies In Siberian Slush, сколько по массе других групп, в которых он отметился за микрофонной стойкой.
Начну с того, что у A Young Man’s Funeral есть то, чего не достаёт многим нашим и зарубежным коллективам подобного толка, – это моднейшая выразительная обложка и чёткое видение концепции материала. Тексты альбома, так или иначе, посвящены паразитизму человечества, рассматриваемому как в масштабе одного города, ставшего промышленным адом, так и в масштабе целой планеты, постепенно разрушенной до основания. Что же ещё хорошего или идеологически нового на этом релизе? Это правильный, это своевременный вопрос. Относительно дебютного полноформатника чувствуется серьёзная тенденция в сторону улучшения общего вида материала и чистоты его звучания: все три композиции записаны разборчиво, партии всех инструментов, включая клавишные аранжировки, внятны и по праву занимают отведённые им места. Кроме того, они не только отражают, вложенную в них смысловую нагрузку, но и как положено в таких ситуациях дорисовывают детали картины, сюжет которой задан в текстах песен. A.S., работая над материалом, держал равнение на заветы известной погребальной конторы Thergothon, но композиции A Young Man’s Funeral звучат опрятнее, на мой взгляд, интереснее и объёмнее – соответствуют современным требованиям, одним словом. Тягостные, изматывающие риффы funeral панихиды сами по себе не могут быть новаторскими, гитарные эффекты не выходят за рамки привычных (есть ли здесь простор для экспериментов?), но минималистичные партии синтезированного пианино вносят необходимый тон и иногда задают трагический ритм, подчёркивая общие настроения “Thanatic Unlife” – пустота, отчаянье, крах всего, что тебя окружает, оживают в новых образах. К слову, мне редко в этом году приходил funeral, чему я, впрочем, вполне рад, поэтому клавишные партии вызывают больше ассоциаций с horror-атмосферой каких-нибудь итальянских групп с их клавесинами. Есть совсем немного акустической гитары, было бы глупо ожидать, что её отведётся больше места, но даже то, что есть, добавляет необходимый нюанс финальному девятиминутному треку “Salvation” – пусто, безлюдно, и… это, видимо, неплохо? Если подумать, то у нас и на дискотеках Европы часто попадается халтурный, сырой funeral, а у A Young Man’s Funeral “Thanatic Unlife” получился профессиональный, небезынтересный альбом. “Thanatic Unlife” – это хороший релиз, когда тебе плохо и мысль о том, чтобы двинуть кони, не кажется такой уж глупой.
Группа Чёрные Озёра за 5 лет существования завоевала ощутимую известность в интернетных кругах – правда, известность незавидную. Она записала кучу сидиэрочных альбомов, сплитов и миников с претензиями на идейный языческий метал, культурная ценность которых болтается где-то между фильмами Уве Болла и фанфиками по "Сумеркам". Но дело своё парни не бросали, а любой труд рано или поздно приводит к какому-либо заметному положительному результату. Таким для Чёрных Озёр стал новый альбом "Хандра", сильно выделяющийся на фоне прочих работ. На нём группа представила достаточно зрелый атмосферный метал с элементами думовой меланхолии и приблэкованности по части звучания. С лирикой исключительно на тему разнообразных печалей и внутренней борьбы, кстати. Основная часть музыки – размеренные глубокие темы с сильной поддержкой клавишных в духе Raventale – очевидно, Чёрные Озёра являются поклонниками Астарота, они даже пригласили его исполнить вокальные партии в заглавной композиции. Группа сочинила много отличных мелодий, многие из которых заседают в голове. Разнообразие тоже на уровне – иногда врубается отменная динамика, заставляющая покачивать головой в такт. Правда, бодрые композиции порой выглядят попыткой усидеть одним задом на нескольких стульях. Особенно вещь "Хрусталь" – звучит то ли как Артерия с Булгаковым на вокале, то ли как Ария с Беркутом. Песня сочная, но уж очень выделяется. Ещё одно странноватое решение – включить на диск одновременно русскоязычную и англоязычную версию десятиминутной песни "Когда всё сказанным осталось..." , которые ничем, кроме языка и вокалиста, друг от друга не отличаются. Ещё одна англоязычная вещь под именем "The Witch of Black Lakes" тоже выглядит лишней. По музыке она немного слабее остальной части альбома, а произношение вокалиста заставляет вспомнить о легендарном "лец ми спик фром май харт ин инглиш".
Звук у альбома на удивление хороший, если закрыть глаза на электронную ударку. Гитары мощные и жужжат ровно настолько, насколько нужно. Бас, что нехарактерно, также обладает немалой силой и прекрасно поддерживает ритм. Для Чёрных Озёр, звук которых раньше был притчей во языцех, это победа. Как и весь альбом в целом. Хоть он далеко не лучший в жанре, это сильная работа, которая заслуживает приобретения на СD и нескольких переслушиваний – здесь есть, что открыть для себя. Надеюсь, группа продолжит работать в том же ключе.«
Интернациональный Industrial Black Metal-проект Illness всё-таки довольно интересен. За 12 лет существования дуэт не вышел на уровень, скажем, Aborym, которые явно числятся среди вдохновителей Illness. Но музыканты отлично научились умело скрывать свои недостатки. Зудящие гитары и практически отсутствующий бас дополняются недружелюбно звучащими сумасшедшими клавишными партиями, которые нахально оттягивают внимание от прорех в метал-части. Ударка целиком электронная – но, учитывая стиль, это простительно. Как и на предыдущем альбоме, большую часть времени мы слышим пулемётный бластбит, в этот раз довольно убедительный. Поначалу альбом звучит очень мощно – треки "PsychoPath" и "Death in the Name of Black Metal" вообще настоящие хиты, напоминающие Marduk и Belphegor. Но со второй половины главенствующая роль отдаётся клавишным и сэмплам, после чего музыка превращается в неказистую мешанину диссонансов, воплей и хаотичной долбёжки. Понятно, что это "PsychoPath", а сама группа позиционирует себя как "шизофренический Black Metal", но всё же такой резкий переход от музыки к каше мне кажется неудачным решением. Так что за первую половину альбома твёрдые 4 балла, за вторую – 2. 3 в итоге.«
Год назад этим небольшим релизом о себе заявил московский проект Decay of Reality. Брутальная обложка, брутальное название, брутальный состав – на это нельзя было не обратить внимание. Про обложку с работой Павла Ляхова, которую до Decay of Reality успели использовать их более брутальные коллеги Coprobaptized Cunthunter было сказано достаточно, а состав, который можно назвать звёздным, ввиду наличия в нём участников таких известных в московском андегарунде коллективов как Abstract Spirit, Beheaded Zombie, Who Dies In Siberian Slush и Кранты ("Деньги на бочку, сеньор Буратино!"), подогревал интерес к релизу нешуточно. Даже самая концепция этой творческой единицы, "всецело посвящённая психическим расстройствам, различным маниям и пограничным состояниям психики", тот самый интерес закономерно усиливала. То есть по факту выхода “The First Dementia” перед нами была работа команды профессиональных музыкантов, зарекомендовавших себя в области сочинения и исполнения музыки депрессивных и брутальных направлений и твёрдо знающих, что они хотят услышать на записи своего совместного проекта. Многообещающее начало.
Первая же песня своим названием “Seplophobia” подтверждает серьёзность намерений музыкантов: говорящий заголовок (сеплофобия – боязнь разложения), вступление к песне в виде диалога пациент – доктор, вязкие death doom’овые риффы, гулкий гроул от E.S. (Who Dies In Siberian Slush) и чёрное как смоль отчаянье. Звучание Decay of Reality – агрессивное, чёткое, плотное, с напором, и скажу я вам, не зря на форумах отмечают работу бас-гитариста Gungrind (Forbidden Shape, Кранты) – он отлично знает своё дело, бас прописан просто сверхъестественно. Стоит отметить, что качество записи материала служит исключительно высокой оценке не только самим музыкантам, но и московской Primordial Studio – очевидно, что death там писать уютно и тепло, очевидно, что скоро все от Грега Чэндлера повалят на запись к нам. То, что мы слышим на “Seplophobia” безоговорочно отнести к death doom не получается – по ощущениям это медленный депрессивный death metal, и когда Decay of Reality ускоряются на второй половине композиции, складывается впечатление, что этого момента они ждали с самого начала. Второй трек, семиминутный “Urge To Get Away”, содержит уже не так детально прописанную лирику, текст получился более образный, рваный – под стать музыке. Теперь уже без всяких стеснений Decay Of Reality давят своим танковым death’ом, изредка напоминая о том, что кто-то кому-то на этом релизе обещал doom. Снова тяжкие риффы, характерные для жанра рык, удачно выделенный бас и очень жёсткие живые гитары вырисовывают картину помешательства на фоне безысходности существования социопата в гуще человеческого конгломерата. Но вот второй трек закончился, и что дальше? А дальше остаются две альтернативных версии “Seplophobia” и “Urge To Get Away”. Насколько сильно они отличаются от оригинальных? Давайте посмотрим. В “Seplophobia” убрали сэмплы диагностики пациента, но добавили превосходные жуткие клавишные аранжировки – повторяющиеся снова и снова на протяжении всей композиции. Эта версия звучит болезненнее первой, для которой была больше характерна некоторая сосредоточенная сухость, а тут пожалуйста тебе – натуральные предмет для психиатрической экспертизы! На “Urge To Get Away” группа пользуется схожим приёмом, и пусть клавиши действительно применены эффективно и своевременно, но, если честно, при одинаковой продолжительности обеих версий я не нашёл значительных отличий между треками – оставлю это на разбор фанатам.
Условно релиз делится на две части: первая исполнена в “depressive death” ключе, вторая охарактеризована как “funeral core”. И в первом, и во втором случае Decay of Reality играют разрушительную, качественную музыку, которую поклонники серьёзного death metal не смогут обойти стороной. Меня смущает пока только то, что замах у мужиков был на рубль (масштаб исследования, профессиональный, закалённый состав, высококачественный материал), а удар вышел только на две песни. Запишут полноформатный альбом, обсудим это, а то, что у меня сейчас на руках, хорошо слушать на пластинке, чтобы с полным вниманием и пиететом.
Дебютный альбом проекта некого Trismegisto, участника Defixiones, Teeth and Thorns, Hexentomb. Cult of Vampyrism исполняет довольно атмосферный Black/Doom Metal с налётом готики. Поэтому экстремального мрака и депрессии в стиле Nortt ждать от него не стоит, а вот виолончель и немного женского вокала присутствуют. Но без всякой попсы. Музыка Cult of Vampyrism тёмная, местами действительно злая и совершенно некоммерческая. Виолончель звучит совершенно безрадостно, без малейшй толики пафоса. Не сказать, что "Fenomenologia" поражает воображение, однако недостаток креативности в альбоме немного компенсируется звуком. С одной стороны, он глуховатый и не особо качественный. С другой, этот звук создаёт чувство некой дистанцированности от происходящего, будто ты незаметно наблюдаешь за плывущими по тёмному коридору призраками в щель между досками двери. "Fenomenologia" определённо заинтересует любителей несложного BlackDoom Metal, которые любят углубиться в андеграунд в поисках интересных вещей. Кстати, в отличие от большинства релизов Nihil Art, этот имеет тексты в буклете – безусловный плюс.«
Сейчас никого не удивишь doom-группами, играющими в традиционной манере да с лихими девицами на вокале, но я и не собираюсь никого удивлять, поверьте мне. Канадский NWOBHM / doom metal проект Cauchemar, ни шатко, ни валко существовавший с 2007 года, только в 2010 году обозначил свою активность выпуском ЕР "La Vierge Noir", подразнив заинтересовавшихся было слушателей, а потом притих. Ну… как сказать, притих. Вокалистка Анни Жеро вместе со своим спутником Франсуа (гитара) путешествовала по миру и, например, вместе с двумя сессионными музыкантами они выступали в Индии, а потом – уже с канадскими друзьями играли на фестивалях в Европе. Примерно в то же время Анни написала книгу о кулинарных пристрастиях тяжмет-исполнителей (вот тебе крест!), и ничто не предвещало выхода полноценного альбома, но летом он взял да и вышел! Названия Ер трёхлетней давности и нового альбома вас не обманывают – все песни Cauchemar исполняются на французском, и это далеко не единственный плюс записи. Канадцы записали первосортный мистический heavy doom metal, каким он мог быть в 80ых, сумев сделать песни привлекательными для современного слушателя и сделать то, что многие группы могут себе позволить только на словах – создать уникальную атмосферу тёмного средневековья с этим его неприглядным волшебством, сырыми подземельями, некрасивыми драмами и отвратительными тайнами. Cauchemar звучат очень живо, из девяти песен около половины запоминается буквально с первого раза, и, что важно, они очень, очень правдоподобны. Получается такой резвый, грубоватый, с сырцой и ретро-звучанием Pagan Altar с женским вокалом, и речь даже не идёт о копировании или подражательстве: если "громкие" новинки doom-сцены в последнее время для меня проходили почти незамеченными, "Tenebrario" харизматичен ровно настолько, насколько это вообще сегодня возможно. Я бы не удивился, если бы такой материал появился где-то в Италии, чья метал-сцена известна своей любовью в равной степени к традициям тяжмета и старинных фильмов ужасов, но от Канады я такого не ждал. Альбом, тем не менее, небезупречен – ударным и прямолинейным по своей структуре композициям порой не хватает лёгкого разнообразия в виде одного-двух соло, таковых здесь почти нет, и основной акцент ставится на эффективные, с минимумом изысков, риффы. Но даже такое сочетание в исполнении Cauchemar работает, и это меня устраивает. Ретро-направленность Cauchemar выражается не только в звучании песен – добрые люди издали "Tenebrario" на кассетах, пластинках и компактах, проигнорировав только разве что бобины как формат. Но если резюмировать, этот альбом безоговорочно надо знать.
Сокровищница духовной истины Гималаев, симбиоз алхимии и современной науки в работах поляка Сандивогия, победа над архетипичным Уроборосом и философская поэзия Ницше в символических грёзах смерти маленькой тяжело заболевшей девочки… Философия, алхимия, ambient и немного drone – каков успех такого сочетания элементов? Звучит на первый взгляд непонятно, но в перегонном кубе Франчески Мароньи калейдоскоп этих элементов быстро превращается в очень сильную смесь. Франческа со своим другом Антонио уже несколько лет играет в стилистически схожем с Agarttha проекте Architeuthis Rex, и в "A Water Which Does Not Wet Hands" многое взято из него, но так как Agarttha это сольный проект, Франчески на нём значительно больше. Ритуальность, мрачность, неторопливость, гипнотическая сторона Rex’а в расширенном варианте представлены в этой работе. Гитары играют преимущественно скромную роль второго плана, сплетаясь с искусными клавишными аранжировками и сэмплами в причудливые музыкальные формы, дрожащие плотным и густым туманом на фоне убаюкивающего голоса Франчески. Её голос бывает холоден, бывает гипнотичен, звучит то настойчиво, то отвлечённо, в зависимости от песни он может звучать как болезненным бредом, так и древним заклинанием… Даже скорее не заклинанием, а пророчеством Пифии, зашифрованном в образах пришедших вместе с тяжёлыми, одуряющими парами, поднимающимися из некой метафорической расщелины в древней пещере. Подобно аллегорическому языку древних алхимиков песни "A Water Which Does Not Wet Hands" складываются в боговдохновенный трактат, полный образов и сюжетов, которые нет смысла понимать буквально, тем более, что клещам рационального разума такой орешек вряд ли расколоть будет под силу. В Agarttha сконцентрированы доисторические, хтонические силы, обретшие плоть звука и воскрешённые современными музыкальными средствами. Гитарный гул, как таковой, в альбоме неявно выражен, и общая низкочастотная монотонность композиций во многом достигается за счёт синтезированных фонов и протяжной манеры пения Франчески, но я благодарен ей за то, что она не зацикливается на этом приёме, и в таких песнях как "The Sphynx" и "Chymische Hochzeit" эмоции и ритмика звучат сильнее и отчётливее, отвлекая от общего минимализма треков. Именно с этих композиций, в обход нижеприведённого видео, я бы и предложил вам начать знакомство с проектом. Так или иначе, "A Water Which Does Not Wet Hands" звучит очень сумрачно, болезненно на грани жара лихорадки, абстрактно, иногда сложно, но общая средняя продолжительность всех шести треков – около шести минут, так что альбом слушается без лишнего перенапряжения. По своему замыслу и исполнению это интересная, необычная работа.
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
