"Вот и всё – кончилась наша осень, нет её", – такими словами начал Юрий "Rottor" Кетов последний альбом культовой екатеринбургской doom-формации Autumn "Осень вечна" в 2003 году. Поклонники творчества группы сняли шляпы и синхронно погрузились в траур разной степени продолжительности. И действительно было о чём горевать: Autumn представляли собой квинтэссенцию всего хорошего, что было в этой части отечественной doom-сцены, материал отличался ортодоксальностью и душевностью, песни брали за живое, слушать было приятно. Тем не менее, переехав в Санкт-Петербург, Юрий к 2005 году начал работу над проектом Люди Осени, в некотором смысле продолжившим линию Autumn. В 2008 году тихо, подпольно была сделана первая демо-запись, а в феврале 2012 года при помощи энтузиастов Stygian Crypt вышел полноформатный альбом "Восстание".
Если вы слушали демку 2008 года, то трек-лист "Восстания" вас может порадовать только одной новой песней, хотя тех, кто до сих пор принимает работы Autumn и, как следствие, Людей Осени близко к сердцу это вряд ли сильно расстроит. По словам Юрия Rottor'а, основателя и главного двигателя проекта, проект остаётся студийным, основная цель – запись, а не живые выступления. Кстати, в студийной работе принимали участие парни из состава другого петербургского doom-коллектива Inter Arbores, правда, при их непосредственном участии сочинялась только одна композиция – акустическая кода "Вечер". Для тех, кто не слышал демо-запись Людей Осени, но с творчеством Autumn знаком не понаслышке, материал "Восстания" будет в новинку. Линия Autumn несомненно нашла свой продолжение в новом проекте, но обошлось без повторов, поэтому как такового doom'а (выращенного с приставкой death, но эту же приставку успешно со временем потерявшего) набралось всего где-то на две песни. И, пожалуй, как раз эти doom-упражнения я бы не назвал сильными сторонами альбома. Первая же песня "Восстанем" как раз поддерживает концепцию памятной "Осень вечна", являясь однозначным ответом на риторическое "Может быть, новыми мы восстанем, может быть... болью и грязью станем". Да, выбран положительный вектор развития, почему бы нет – это хорошая новость. Но при неизменно глубоком поэтическом таланте Юрия, при том, что его голос, бывший одной из визитных карточек Autumn, не потерял силу, музыка льётся будто бы нехотя, звучание получается вязкое, и даже когда угадываешь небезынтересные задумки авторов, посредственное качество записи портит впечатление. По словам лидера проекта, "такие понятия как "качество", "стиль", "профессионализм" и прочие атрибуты ремесла и товарного производства многие ценят и превозносят, а что такое Дух, Смысл, вложенные мысли, послания, эмоции и прочие черты творчества – на это обращают намного меньше внимания, как "музыканты", так и многие "потребители музыки", а то и вовсе игнорируют их. В результате "качественную", "стильную" и "профессионально исполненную" музыку найти при желании не сложно, а вот чего-то душевного и осмысленного очень и очень мало". С этим трудно спорить, но сейчас не так уж трудно при желании сделать хорошую запись. А хорошо записанный интересный материал, очевидно, выигрывает в сравнении с нехорошо записанным интересным материалом. Поэтому ни фирменная задумчивость, ни добротная риффовая раскачка под занавес композиции не произвели того положительного впечатления, на которое можно было бы рассчитывать. Основная, акустическая, линия альбома, пожалуй, начинается с песни "Тёмная река" и берёт продолжение в следующей за ней композиции "Серое море". Акустика живая, не электрическая – это было принципиальным решением музыкантов, за счёт этого песни звучат эмоционально глубже, этот эффект усиливают виолончель и приглушённый, иногда близкий к шёпоту чистый вокал. Мелодии далеки от минималистичного бряцания и в сочетании с характерной, поэтичной лирикой создают интересное впечатление; я не являюсь сторонником термина "неоклассика", подразумевающего более насыщенную инструментальную палитру, но при прослушивании "Восстания" мне на ум в последнее время приходит такое определение как "романс", то есть "камерное музыкально-поэтическое произведение для голоса с инструментальным содержанием". Говоря это, я не умаляю талант исполнителей как инструменталистов, но складывается впечатление, что текст в творчестве Людей Осени первичен. Тем более, что на альбоме есть действительно интересные для меня инструментальные находки, такие, например, как песня "Согрей", начинающаяся в мягких вариациях на тему классического doom'а, трансформирующаяся в мелодичный поток меланхолии и плавно переходящая к своей кульминационной, динамичной, части. Самой интригующей песней альбома для меня стала "Белизна": после всего прослушанного я не ожидал такого поворота событий, после плавной меланхоличной линии не ожидал накала эмоций в части их утяжеления до состояния, близкого к депрессивному, почти не ожидал такой живости, предполагая тихий акустический финал. Но тем лучше – на этом треке Люди Осени показали ещё одну грань своего творчества, а значит и более широкие перспективы развития.
Если рассматривать "Восстание" в контексте творчества прародительницы Autumn, то в первую очередь очевиден уход от западно-европейского doom'а, очевидно и то, что основные характеристики концепции проекта, которые полюбились последователям культа Осени, сохранились. Развитие этих же концепций, как в инструментальном, так и в поэтическом аспектах прошло успешно, однако, как я говорил, былые заслуги и по-настоящему высокий потенциал материала с трудом искупают среднее качество записи. Временами один инструмент совсем не к месту вырывается на первый план, да и чистота звучания не на высоте, но снова повторюсь – едва ли это остановит тех, кто симпатизировал проекту на протяжении всех этих лет. Я со своей стороны буду надеяться на то, что творческая активность Людей Осени однажды снова проявится в виде полноформатного альбома, мне интересно, что будет дальше.
Новый альбом любимой группы моего метал-детства я ждал без особого трепета. Ну да, опять будет качественный шматок брутального олдскульного мяса, опять легко прослушается и уйдёт в небытие до следующего приступа ностальгии. Ожидание стало заметно более интересным после появления в Сети первого трека с "Torture" – абсолютно убийственного боевика "Demented Aggression" с обожаемым мною трэш-ритмом. Медленный качовый трек "Scourge of Iron", появившийся чуть позднее, оказался не таким крутым, но не повлиял на размер моего кредита доверия.
Наконец, альбом вышел. И неслабо удивил. Впервые в истории в новый альбом Cannibal Corpse надо въезжать! Он не даётся с первого прослушивания. "Demented Aggression", конечно, вышибает мозг сразу же. Всё остальное далеко не так просто. Каждый трек обладает плотным, разнообразным звучанием, требующим немало внимания. Конечно, это не Suffocation, но разминка для ушей и мозгов тоже получается неплохая. И, что очень здорово, результат оказывается классным. Каннибалы в каждой песне объединили несколько свои фирменных простецких риффовых конструкций в одну кучу, с хирургической точностью поставили вокал, помножили это всё на привычную скорость и дали пинка Полу Мазуркевичу, после чего тот стал играть быстрее, чем пальцы Алекса Вебстера. Получилось жуть как жирно (звук – лучший в новейшей истории группы). "Хитовость" альбома от такого подхода слегка пострадала, зато он стал звучать в разы взрослее, чем всё, что писали Cannibal Corpse доселе. Возможно, это даже лучший альбом в их дискографии. С Джорджем Фишером на вокале, как минимум. Каннибалы действительно вышли на новый музыкальный уровень, что очень радует.
P.S. В полноценной версии альбома наконец-то вновь появился нормальный горовый артворк. Ура, товарищи!«
В конце 90ых бабья группа Spice Girls неубедительно пропищала своё "Girls' power!" В 2010 году, когда я впервые услышал трёхпесенный Ер от Shroud Eater (Майами, штат Флорида), заявление британского поп-бэнда мне показалось просто смехотворным. Power-trio, зародившееся на солнечных американских берегах, на две трети состоит из девушек, который категорически опровергают устоявшийся стереотип о том, что в sludge играют только настоящие (бородатые) мужчины. Без мужика, правда, не обошлось – в барабаны бьёт крепыш Филип Торрес, но основная изюминка команды – это, конечно, не жалеющая связок и гитарных струн Джин Сэйз и её подруга Джаннет Вэлентайн (басс, бэк-вокал).
Так вот вскоре после выхода первого, безымянного Ер, команда серьёзно взялась за написание нового материала и в перерывах между многочисленными концертами сочинила альбом с говорящим названием "ThunderNoise". Альбом в результате вместил в себя одиннадцать sludge-треков, четыре из которых инструментальные, три – взяты с первого релиза и перезаписаны. Как вы понимаете, в отличие от безжалостного поп-мира, в андеграунде хрен выживешь за счёт одного только виляния задницей и перепиха с "нужными" людьми, поэтому спешу заверить, что Shroud Eater – профессиональная команда, и подход музыкантов к своей работе тоже исключительно профессионален. Отличительными чертами новой работы стали заявленные ещё на Ер 2009 года массивность и сырая первобытная тяжесть инструментальных треков, агрессивный хриплый вокал Джин и дикая, примитивная энергетика песен, чуть разбавленная мелодичными соло. Ржавое, качающее sludge-звучание временами срывается на более высокие, близкие к экстремальному панк-року, скорости, этим, к слову, группа себе и завоевала изрядное число поклонников, супер-хит "We Are Beasts" остаётся до сих пор одним из самых характерных номеров Shroud Eater. "Baying of Jackals" – более традиционный в sludge-контексте трек, что характерно – тоже хитовый, как девчонки пишут такие песни – непонятно, однако их метод сочинения, риффовые stoner-атаки и естественный, яростный надрыв создают эффективную связку. Женская половина человечества по умолчанию считается прекрасной, так что нет ничего удивительно, что среди всей анархии, шума и грохота Shroud Eater нашлось место для интересного, талантливо обыгранного progressive stoner rock опыта "Oubliette". Однако музыканты взяли для своей группы такой странное название (Пожиратель Савана) не просто так: считалось, что люди погребённые заживо или же просто вампиры, как полагал суеверный средневековый люд, просыпаясь закопанными в гробу в попытках выбраться на поверхность расцарапывали в кровь ногти о крышку чёртовой деревянной коробки и грызли саван... Вот этот мрак и отчаянье остаются преобладающими мотивами песен Shroud Eater, ну, как преобладающими... Пятьдесят на пятьдесят. Поэтому, опять же, примитивные по существу, но от того не менее качёвые, "High John The Conqueror", "Sinister Hunt" и "Pale Rider" несут в себе исключительно интенсивную агрессию, шершавый грув и мрак. Так что я бы отметил умеренное разнообразие треков, вошедших в "ThunderNoise", и заголовки песен красноречиво описывают их содержимое.
Тем не менее, за красивые глаза высокий балл никто ставить не собирается – у "ThunderNoise" есть свои недостатки. Я подчеркнул профессиональный подход Shroud Eater к работе со своим материалом, этого действительно не отнять. Однако, этот альбом группа выпускала самостоятельно, не пытаясь даже искать поддержки у лейблов, как следствие, недостаток финансирования сказался на качестве звука (но, к примеру, не на качестве оформления – здесь всё безукоризненно, здесь всё в рамках жанра). Я допускаю, что могло иметь место показное sludge-раздолбайство, погоня за "грязью", и я сам считаю, что излишне вылизанный звук не пошёл бы песням на пользу, но, тем не менее, на отдельных треках чувствуются огрехи в студийной работе. Впрочем, общей картины этот минус почти не портит, с интересом буду ждать нового релиза от флоридских анархисток.
Датчане Illdisposed на двадцатом году своего существования как-то так внезапно выдали интересный и, что удивительно, оригинальный релиз, воплотив в нем то, что ныне почитается за разумное, доброе и вечное. И то правда, Illdisposed не только угодили одновременно любителям мелодизма, sci-fi-модерна и просто дэтстерам, но и создали своего рода мелодик-дэтовый релиз без ярко выраженных мелодий! О да, здесь Вы не встретите бесконечных гитарных переливов в духе команд гетеборгской династии, здесь крайне редки даже гитарные соляки, и клавишные соло тоже постольку поскольку. Откуда же мелодии? Они рождаются из мощнейшего сплава сверхтяжелых гитарных рифов смешанных с достаточно тяжелыми партиями синтезаторов. Хоть последние внешне и выполняют роль атмосферной подложки, фактически они проникают абсолютно везде. Сей прекрасный союз и создает столь плотное и весьма эффектное полотно. И знаете, нехватки соляков в том или ином смысле здесь не ощущается вообще, настолько захватывающе звучат композиции, настолько просты, но цепляющи здесь риффы, и столь красиво, и главное, громогласно и уверенно они обработаны синтезаторами. К примеру, есть и "откровенные" мелодии, например, в блестящих "Our Words Betrayed", "Step Into My Winter", но при этом нельзя сказать, что по сравнению с "Heaven Forbid" или "The Taste Of You" они выигрывают за счет мелодий. Вообще, клавиши на "There Is Light..." не стесняются поигрывать плотными синтетическими мускулами как во вступлениях, так и под занавес композиций. К примеру, клавишное интро "Rape" звучит настолько мощно, что вступающие за ним риффы лишь составляют им достойную пару, не более. Пожалуй, столь плотные и тяжеловесные синтезаторные партии редко где встретишь, и нельзя не отметить, как здорово они звучат в паре с настоящими полноценными дэт-металлическими рифами – да-да, Illdisposed и в этом плане мощи отнюдь не растеряли. Отличный подарок самим себе к юбилею и вместе с этим констатация факта, что творчество Illdisposed, несмотря на солидный стаж, идет в ногу со временем.«
Вывеска "Lost In The New Real" – это, по большому счету, о самом Арьене Лукассене, незаурядном авторе космических прог-метал опер. Громадный двухдисковый массив второго сольника после далёкого 1994 года с его "Pools Of Sorrow, Waves Of Joy" создан как трибьют к детско-юношеским фантазиям голландца, представляя собой наполовину скорее книгу (или, точнее, аудиокнигу), нежели музыкальное произведение, на другую половину – нагромождение слабо связанных друг с другом вещиц, которым автор тщетно попытался подобрать внутреннюю логику. В итоге любопытная история о неком больном под именем мистер Л., замороженном в криокамере и очнувшемся в далеком будущем, где его недуг можно вылечить, а грань между реальностью и виртуальным миром донельзя размыта, превращается в исключительно сумбурную пьесу. Пожалуй, впервые в карьере буквоеда Лукассена. На первом диске нас ждет беспрестанная болтовня от Рутгера Хаэура между песнями, которую раньше в лирической ипостаси спел бы приглашенный вокалист, и более повествовательный (и нередко занудный) характер прог-роковой 47-минутки, чем последние пластинки Ayreon. Вторая же болванка, по странному признанию голландца, состряпана из "вещей, которые являются частью концепции, но не вошли в первый диск". Объяснение на грани фантастики. Треки раскиданы хаотично, закадрового голоса уже нет, а для того, чтобы добить эти, признаемся, бонусы до нужного размера в перерыве между ними забиты пять каверов на классику от Pink Floyd до Фрэнка Заппы. Они также "более или менее связаны с концептом", признается Арьен. Зачем нужно было городить огород, если второй CD можно было официально пустить бонус-диском в каком-нибудь deluxe edition и не морочить голову, неясно. При этом обе болванки фаршированы достаточным количеством достойного материала, и проблемы во многом исключительно в запутанной структуре, непонятной, кажется, даже самому творцу.
В значительной степени "Lost In The New Real" – это некий симбиоз ауреоновского "The Human Equation" (2004) и лукассеновского же проекта Guilt Machine (2009), то есть фирменный прог-рок маэстро из кучи 70-ческих влияний, но в купе с редкими вливаниями прог-метала а-ля "Star One" (на втором диске в основном). Очень много античных клавиш, звучащих наслоениями космических спейс-роковых синтезаторов, Хаммонд и минимуг, меланхоличная футуристическая атмосфера, мягкий, тёплый звук, замаскированный под аналог, гилморовские гитары, инкрустации (больше чем обычно) фолка и психоделии. Знакомые мелодии, в том числе вокальные, скручены исключительно талантливо – то в битловском, то в ELO-образном или флойдовском стиле. Отсутствие гостевого вокала делает эту часть записи, за которую отвечает исключительно Арьен, альтер-эго главгероя, минималистичнее при полном сохранении изящности и хитовости линий. Есть здесь "дикозападный" фолк-рок в виде "When I'm A Hundred Sixty-Four", легкие, блестящие поп-шлягеры "E-police" и "Dr. Slumber's Eternity Home", мрачный, атмосферный почти эмбьент "Don't Switch Me Off" в подражание Porcupine Tree, готичный трек а-ля Sisters Of Mercy – "Yellowstone Memorial Day", европейский фолк со средневековыми влияниями "Where Pigs Fly" и на сладкое – 10-минутный эпос в стиле Guilt Machine.
Второй CD – более созерцательный, космический. Первая половина выпестована строго в стилистике Ayreon и Star One с упором на инструментал и довеском в виде вокала, даже с учетом кавер-версий. Другая должна была уйти в стандартную фанатскую порцию на бонус-диск. В основном акустика, хотя и богатая оттенками, в обрамлении вокала и многогранных клавиш. В финальной математике получается, что Лукассен совершил структурную ошибку. Все, что в его новой работе заслуживает пристального внимания, вполне помещается на один CD. К 47 минутам концепции прибавьте три трека второй болванки. Впрочем, продюсерский сбой не умоляет достоинств изящной, продуманной и наполненной отменными мелодиями пьесы.«
Неугомонные бразильцы, как и прежде, полны энергии и прыти и с готовностью выдают новую порцию столь характерного для них скоростного дэта. Вот только выражать восторги по поводу этой работы особо не тянет. При всей невероятно бравой подаче, от материала "The Great Execution" скука начинает одолевать уже на второй композиции. Уж очень полюбилось нашим лихим бразильцам в этот раз топтаться на месте, мусоля один и тот же рифф, либо вообще застыв на одном аккорде. И сумасшедшие бласт-биты, и не менее стремительные соло исправить это безобразие неспособны. Причем зачастую создается впечатление, и в этом как раз таки заслуга той энергичности, с какой представлен материал, что есть, явно есть интересные идеи, но они будто заперты среди предсказуемо-типичных туповатых риффов. Разгоняясь до бешеных скоростей, музыканты будто пытаются выпустить их наружу, и порой действительно при очередном разгоне кажется, ну вот, сейчас врежут. Ан нет почему-то все равно ничего не происходит. В чем-то загвоздка, и я, если честно, так и не смог разобраться в чем. Драйв, агрессия, мощь – все есть на "The Great Execution", но все это мечется в клетке как раненый лев. И, вероятно, сами музыканты пока не знают как его оттуда выпустить.«
Микаэль Окерфельдт потерялся в своей "игре в классики". Любовь к "отеческим гробам" в виде обожествления прогрессивной музыки 70-х можно чествовать и дома, поставив на вертушку винил. Но сначала швед записывает со своим детищем Opeth серую кальку с Jethro Tull и иже с ними на "Heritage" (дружище, сам Андерсон тут же ответил неплохим "Thick As A Brick 2" на 40-летие альбома), затем ввязался в дуэт со Стивеном Уилсоном из Porcupine Tree в виде Storm Corrosion. Оба срослись ещё в бытность последнего продюсером дисков Opeth и беспрестанного восхваления скандинавом Уилсона в качестве одного из своих влияний. Что ж, по большому счету ничего неожиданного в содержимом амбициозного и разрекламированного проекта нет. Гибридом Porcupine Tree и старых Opeth вопреки ожиданиям он не стал, как и третьей частью совместной трилогии из "Heritage" и сольника 2011 года от Уилсона "Grace For Drowning", по его же меткой характеристике. Скорее отпечатком одного из эпизодов последнего – эдакого психоделик-рока с музыкальным минимализмом в сердцевине и заездами в другие стили, к примеру, фолк, синтипоп, симфо-рок. При этом выглядит все так, как любит британец, то есть до предела кинематографично, словно саундтрек к фильму-загадке с мистической, полной сладкой грусти и воспоминаний атмосферой. И если начало гипнотизирует и усыпляет, то ближе к середине зачин кажется довольно бодрым по сравнению с тем, что мы слышим здесь. "Hag" заводит в пинк-флойдовскую среду, просыпаясь лишь всплеском жестких гитар ближе к концу, а акустическая и протяжная "Happy" сбивает обороты до минимума. Попытка изобразить фантасмагоричную дрёму, какой-то только музыкантам понятный сюрреалистический сон размывает структуру, делая её тряпичной, нестройной, и дает кому-то шанс отыскать гениальность в простецких аранжировках, переборах акустики и мечтательных клавиш. Её здесь не на грош. Это скорее талантливая, но очень далекая от оригинальности музыка для рефлексии, альбом нюансов и деталей, которые стоит ловить в пространных длинных полотнах, претенциозной ауре, тихой акустике Porcupine Tree и темноте эмоций а-ля ранние Univers Zero.
В общем и целом "Storm Corrosion" напоминает сотрудничество двух заметных авторов ради него самого. Работа с чистого листа на авось, студийный эксперимент, который так и не успел оформиться в нечто запоминающееся и определенное. Порция вполне банальных мелодий, но в руках виртуоза Уилсона, поскольку творческий задел Окерфельдта здесь совершенно незаметен. Скорее продюсерский, чем авторский проект, местами серьезно затягивающий в атмосферу, иногда сам откровенно затянутый, а часто просто скучный. Вовсе не то, на что был способен многообещающий дуэт, но на сон грядущий подойдет многим.«
Последний на данный момент альбом Burzum (слитый в Сеть рип грядущего "Umskiptar" считать не будем) ещё до своего выхода наделал шуму побольше, чем долгожданный "Belus". Разумеется, дело было в обложке. Как это так – кумир всея black metal вдруг сделал лицом нового диска не очередное полотно Киттельсена или иллюстрацию на тему скандинавской мифологии, а нечто отвлечённое в духе средневекового романтизма за авторством Адольфа-Вильяма Бугро (фрагмент картины "Элегия")? При виде такой обложки некоторые даже терялись, в чём это тут обвинить Варга. Самое интересное, что альбом получился подстать картине. Говоря об альбоме, Варг рассказывал что-то там о "Belus", скрещенном с сотрясающей землю энергией "Det som engang var" и печалью "Filosofem". На самом деле вышел "Belus" с большущей долей романтичности, и без всяких заимствований из старых альбомов. Это ещё более светлая музыка, под которую, вдобавок, хочется с умильной улыбкой раскачиваться туда-сюда. В интернете существует забавная поговорка "Послушал "Fallen" – поверил в любовь". Абсолютно верная поговорка, т.к. "Fallen" пропитан духом романтики. Очередная мифологическая концепция явно придумана для отвода глаз. Безусловно, всё это очень интересно – красивый картонный диджипак снабжён симпатичным буклетом, где с иллюстрациями приведены полные тексты каждой песни. Разобраться в этом стоит, однако прелесть альбома в другом. Если вы уже слушали "Fallen", сознайтесь, вы же хотя бы пару дней напевали уже ставшие легендарными слова "a-a-a-a-a... jeg faller..."? Вот только не надо тут врать, я знаю, что напевали. А если альбом серьёзно зацепил, как меня, то на языке и вовсе поселилось труднопроизносимое "Hvorfor i doden, min venn, og der alene? Hvorfor i glemselens elv du stuper? Hvorfor i morket, min venn, og der alene, soker du lysets vennlige varme?" Первые две композиции, слова из которых процитированы выше, являются безоговорочными шедеврами, которые делают весь альбом. Остальное запоминается не так сильно, но и мало в чём уступает. Ведь, несмотря на неожиданную атмосферу, "Fallen" всё-таки стал альбомом вполне "по Варгу". Хорошая ритмика, приятная несложная мелодика... основной вокал, к сожалению, не самый удачный. Зато чистым голосом (снова обращаемся к вышеупомянутым строкам) господин Викернес поёт прекрасно. Единственное, что разочаровывает – последний трек, который наверняка задумывался как что-то очень содержательное, но вышел унылым пятиминутным стучаньем-бреньканьем под невнятный шёпот. Поскольку из песни слова не выкинешь, оценку альбому пришлось чуть-чуть снизить. Однако, эта цифра не должна оказывать вообще никакого влияния на ваше мнение. Считай вы себя хоть самым чёрным мизантропом на свете, смело берите и слушайте "Fallen". Блэкеру тоже иногда нужно немного романтики, а лучше уж Burzum, чем Alcest.«
Имея возможность вдоволь погонять в проигрывателе фирменные диджипаки последних двух альбомов Варга Викернеса, я решил поделиться своим мнением по их поводу. Творчество Burzum всегда меня привлекало, дебютный альбом в своё время стал первым Black Metal-творением, которое я услышал. После выхода Варга из тюрьмы и анонса его нового альбома было жутко интересно, что же создаст знаменитый норвежец после 10-летнего перерыва. Современный стиль Burzum пришёлся тогда по вкусу далеко не всем. Фанаты дебютника осыпали "Belus" самыми разнообразными ругательствами и заявляли, что Варг продался, уже не тот, не true, и далее по тексту. Некоторые продолжают делать это и сейчас. Слышать такие заявления весьма забавно, так как господин Викернес никогда особо не интересовался мнением общественности по поводу своего творчества. Поэтому разговоры о продажности и, тем более, "трушности" не имеют под собой никакой основы (хотя, конечно, лупить по 18 долларов за обычный джевел – это жирно!).
Впрочем, оставим эти глупости и поговорим о музыке. "Belus", в отличие от предыдущих работ, не окутан плотной тьмой отчаяния. Это очень спокойная музыка, полная светлой печали. У альбома есть концепция – он изучает миф о Беле (Бальдре), его смерти и возвращении в мир живых. Но суть совсем не в ней, а в том, что "Belus" просто дышит весной. Гитара Варга на этом альбоме журчит, будто прохладный ручеёк под лучами восходящего солнца. Есть тут, правда, откровенно тёмные таинственные треки (начальная Belus' Dod, являющаяся "метализированным" римейком заглавной композиции альбома "Daudi Baldrs" и напряжённая "Sverddans"), однако они лишь усиливают впечатления от главных вещей. Скажем, от жемчужины под названием "Glemselens Elv", где идеально транслируются все вышеуказанные образы. Абсолютно аполитичный, природный, стоящий выше всяких идей Black Metal – именно то, что я больше всего люблю. Идеологии сменяют, дополняют и поглощают друг друга. А древние леса, падающие листья, утренний туман, дождь, ветер и солнце будут существовать даже когда наши кости рассыплются в прах. "Belus" помогает это понять. Говорить о звуке инструментов, вокале или продюсировании в данном случае неуместно. Да, альбом звучит в меру тяжело и экстремально. Однако при этом он тёплый и спокойный, даже несмотря на ряд быстрых композиций. "Belus" успокаивает и призывает поразмыслить об окружающем мире. Загружайте эту прекрасную работу в плэер и не поленитесь прогуляться по лесу в тот ранний час, когда солнце ещё только начинает освещать величественную красоту древних зарослей. Вы не пожалеете.«
После того, как первым группам, сыгравшим сверхмедленные вирши о трансцендентальной смерти и болезненном разуме удалось усыпить слушателей, но те проснулись не разочарованные, а восторженные нездоровым сном, стиль funeral doom стал популярным. Сейчас это модно, не правда ли? Отвечу за вас – да. Почти так же как играть doom и doom death в середине девяностых, ну только может быть чуть поскромней – стиль все же экстремальный, чтобы стать любимцем масс. Так весьма настороженное отношение к коллективам идущим за трендом открывает глаза при знакомстве с Septic Mind, которые образовавшись в 2006 году играли хороший такой doom death (и сразу и через два года), а потом перебазировали свои усилия в сторону funeral.
Конечно, это может быть связано с ограниченным количеством рабочих рук в группе – четыре на все инструменты и драм-машину, которую они выводят даже в особенности своей музыки (хотя да, в первом альбоме именно это оставалось особенностью, не дававшей полностью насладится работой), к тому же в концертном варианте эта группа смотрится порой весьма впечатляюще – заявляю вам с уверенностью, будучи свидетелем одной из первых ходок в народ. Но вдобавок к этому определенная ежегодная торопливость в сотворении новых работ, и после двух не плохих работ в наших руках оказывается определенно, самая слабая из них, по-прежнему продолжающая черпать вдохновение напрямую из Esoteric, с которыми Septic Mind даже успели в одном концерте засветиться.
Если "Начало" был царством, в котором правили брутальность и жесткость, то "Истинный Зов" в большей степени наполнен пространным, атмосферным материалом, смещающим акцент с душаще-низких гитар на клавишное марево, на фоне которого развиваются басовые, акустические и соло-гитарные мелодии, в частности почти половину времени лучшего из трех представленных треков, первого. Лишь в окончании мы услышим тяжелые гитары, мерно вешающие на уши мрачные односложные и, к сожалению, малоинтересные риффы, коим не сравниться с приятелями из первого диска группы по утилитарности и выразительности одновременно. Звучание, обогащенное вторыми планами, безапелляционно указывает пальцем на англичан, но появились детальки, я бы сказал art-core, которым балуются из наших ныне Non Immemor Mei, если навскидку. Это и не sludge и не hardcore части, но и не post metal нытье, это именно что-то усредненное, с попытками перевести все в рамки психической атаки. Атака не удается, под конец заглавная песня безвременно засыхает и передает эстафету попсе, ведь популистская "Обречен Грешить" именно этим для funeral стилистики и является. Воздушная, с легенькой мелодией, пробивающейся из-под примитивной гитары, стелющей с басом и гроулом. Первым треком во что-то погружая, вторым группа нас оттуда разгружает, чтобы потом самым коротким "Планета Больна" попытаться вновь запихать во мрак, ну или хотя бы предлагает внезапную динамику скоростей, мелодии интересней, и самое удачное звучание, когда все инструменты с гитарой на которую навесили "эхо" комплексно сливаются в единый тональный поток.
Пока знакомился с дискографией группы, дабы оценить последнюю работу без отрыва от эволюции (из "похоже на Esoteric" в "почти Esoteric") так и не смог сформировать собственное отношение к группе: работы которой кажется, не плохи сами по себе, а с каждым разом, все лучше записаны, не котируются для повторных свиданий. И среди трех уже сотворенных, менее всего мне хотелось бы повторять процедуру именно с последним, пусть даже самым насыщенным, но лишенным какой-то мертвенно-бледной искорки.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
