С тем количеством сатанинских банд, что выдаёт Финляндия, словосочетание Black Metal скоро перестанет ассоциироваться с Норвегией даже у самых необразованных слушателей. Уровень групп, растущих в Финляндии, как грибы после дождя, тоже находится примерно на уровне современной Норвегии. Новых имён много, играют убеждённо, но вторично и не очень интересно. Впрочем, это проблема всего североевропейского чёрного метала в целом.
Perdition Winds поддерживает товарищей по сцене, предлагая злой ортодоксальный материал в духе "Transilvanian Hunger" Darkthrone (на основе этого альбома встала на ноги едва ли не половина финских блэковых команд). Всё сделано по рецепту 20-летней давности: плотная стена сырого звука, высокая скорость игры, изредка появляющаяся трагическая мелодика. Конечно, чуток посовременнее, погромче. Вокал выполнен в шведском стиле – не слишком высокий скриминг, часто переходящий в суровый рёв. В своём стиле альбом очень хорош, только чересчур затянут. Делать десятиминутные молотильные песни из пары банальных риффов – это не очень удачное решение. Слушать всем, кто ещё не устал от продолжателей деяний скандинавского андеграунда начала 90-х.«
31-го октября на Woodcut Records вышел дебютный полноформатник финской злой формации Lord of Pagathorn, с чем её можно поздравить. Страшно сказать, но группа была основана аж в 1992-ом году, и чем занималась следующие 20 – не совсем понятно. Три демки и миник за такой срок погоды не делают. Впрочем, это всё отвлечённые темы. Музыка, которую представляют финны на своём альбоме "Nekros Philia" – типичнейший европейский Black Metal похожий сотни банд того же сорта. Писать о ней в неизвестно какой раз уже даже как-то скучно. Простое, достаточно быстрое, умеренно сырое зло без малейшего намёка на индивидуальность. Мощно, правильно, но совершенно безлико. Альбом на один раз.«
Hamferð – группа с Фарерских островов, играющая с 2008 года высококачественный, богатый на эмоции и мелодии death doom metal. Их первый и пока что единственный полноформатный альбом “Evst” заслужил немало похвал, но что было до него? До него группа записала в 2010 году хороший четырёхпесенный Ер “Vilst Er Síðsta Fet”, и как раз ”Evst” является прелюдией к его истории. По словам вокалиста Hamferd Йона, за полчаса “Vilst Er Síðsta Fet” лирический герой "проходит разные стадии смерти, и его посмертные переживания связаны с культурой и историей Фарерских островов, наполненных невзгодами и горем".
Как многие, наверное, знают, Йон поёт на фарерском и делает это либо чистым, мелодичным голосом, либо хорошим, жёстким гроулом. За счёт того, что в первой песне альбома “Harra Guð títt dýra navn og æra” звучит только чистый вокал, а мелодия этой композиции, начинающаяся с колокольного звона, торжественна и траурна, можно принять Hamferð за epic doom группу, но у парней в запасе есть ещё жёсткость и тяжесть. Им и отведено основное место на следующей композиции “Vrain”: пусть она открывается мягким мелодичным вступлением, но дальше инструментальная линия выдержана в духе сурового death doom – и гроул, и вязкие риффы, и общее депрессивное настроение песни подчёркивают изысканность эпизодических появлений партий чистого голоса. На третьем номере альбома “Aldan revsar eitt vargahjarta” музыканты ненадолго возвращаются к атмосфере первого трека, и академически построенная первая часть песни с поставленным чистым вокалом, в звучании которого слышны как нотки народных традиций, так и классического оперного пения, и близкие к прогрессивным гитары, объединяет в себе все лучшие стороны Hamferð. Чередование чистого вокала и гроула даёт тот самый эффект, который позволяет нам почувствовать, что в песне излагается связная история, а инструментальное сопровождение при наличии сдержанной брутальности сохраняет логическую ясность и чёткость замысла. “At Enda”, последняя песня альбома, также сохраняет баланс между угрюмым death doom и его более мягкими формами, что, как уже понятно, можно считать фирменной маркой Hamferð.
Hamferð уже на первом альбоме продемонстрировали весь спектр своих талантов. С равной лёгкостью они могут обрушить на слушателя чудовищные, тяжёлые и безжалостные как волны Атлантического океана риффы или погрузить его мистическую атмосферу прошлого, прибегнув к завуалированным традициям классической музыки. При всей театральности песен Hamferð, они звучат последовательно, правдоподобно и ярко. “Vilst Er Síðsta Fet” – это интеллектуальный death doom, не обладающий исключительной оригинальностью, но самобытный, творчески продуманный и эмоционально сильный.
A Day In Venice – проект музыканта Андрея Кралы. Когда-то проект назывался Narcotic Luxuria, но с переездом его автора в Италию название было изменено. По словам Андрея, идея создания A Day In Venice развивалась вместе с его любовью к классической музыке и сформировалась в желание её максимального слияния с металом. Как следствие, первый альбом проекта действительно стал смешением классической музыки и doom metal, что на выходе даёт нам странный, где-то даже экстравагантный гибрид gothic doom.
У альбома нет чёткой концепции, хотя сам автор признаёт, что главная тема объединяет в себе истории людей разных исторических эпох, эти персонажи переживают маленькие трагедии и исповедуются в своих грехах перед слушателем. Ведущими музыкальными мотивами альбома стали эксперименты и наработка тёмной атмосферы, как бы это ни звучало. Элементы классической музыки у A Day In Venice не ограничены клавишными аранжировками, они также озвучены приглашёнными музыкантами – Петра Юрич играет на скрипке и виолончели, нежное сопрано звучит в исполнении Мартины Фери, а за немногочисленные партии баритона ответственен Горана Раззье. Материал A Day In Venice разнообразен, но продолжительность подавляющего числа композиций (а их на альбоме десять) невелика: индустриальный gothic трек с шепчущим дисторшированным вокалом “You Take It” длится меньше двух минут, скрипичное соло “A Day In The Woods” звучит не намного дольше, а интересный gothic doom трек “A Dripping Gutter”, в котором солирует женское сопрано, – около трёх с половиной минут, как и роскошная неоклассическая реприза “A Day In Venice”. Все эти композиции по-своему хороши, но на альбоме есть и более прямолинейные тяжёлые композиции, как, например, death doom трек “Crowns”, мелодичный, резкий и сыгранный на скорости чуть выше средней. “Tower of Gold” во всю ширь раскрывает вокальные способности Мартины, здесь её голос идеально соответствует требованиям gothic сцены, но инструментальный аккомпанемент не так ярок и служит, скорее, фоном. “Your Bread, My Flesh” – это уже, скорее, думовый номер, но по меркам жанра ему не хватает массы, а недотягивающий до полноценного гроула хрип хоть и звучит зловеще, но слаб. Среди неоклассических интерлюдий и коротких по времени вариаций на тему gothic doom нашлась одна полновесная композиция, которую я бы назвал удачным воплощением задумки автора о воплощении симбиоза классической и тяжёлой музыки, это “As the Ship Docks”. Над зловещими думовыми риффами, тревожными акустическими партиями и гнетущим, но ненавязчивым клавишным фоном разносится звучный, густой и сочный баритон, предающий песне характер оперной постановки. Эта песня одновременно самое большое и самое целостное произведение альбома, и сама по себе является достаточной причиной для того, чтобы обратить внимание на A Day In Venice.
На развороте дигипака A Day In Venice сказано: "Это (история) не человека и не зверя – это история тёмных времён". Что тут сказать, пожалуй, это можно интерпретировать и так. Так или иначе, меня смущает расстановка сил на этом альбоме: если взять каждый из треков – это отдельное произведение, профессионально записанное и несущее определённый набор музыкальных и лирических идей. Однако, в совокупности все композиции не складываются в единое произведение, хотя многие из них и объединены общими чертами. И если бы не эта разрозненность, альбом можно было бы рекомендовать в равной степени и любителям gothic doom, и любителям неоклассики.
Пятый полноформатный альбом The Grand Astoria “La Belle Epoque” отделяет от прошлогоднего, четвёртого, релиза “Punkadelia Supreme” порядка шести записей форматом поменьше – сплит, Ер, бутлеги и даже трибьют Black Flag. Можно ли рассматривать только полноформатные альбомы как некий показатель характера изменений творческих векторов? Наверное, можно, но не при такой плодовитости. За этот год из под пера The Grand Astoria вышли самые разные мелодии – от громогласных stoner-хитов до акустических баллад, от эпических космических многоплановых полотен до шизофренических progressive rock композиций. Кажется, группа разрывается между удобными для большинства слушателей понятными ударными треками и сложными для восприятия песнями, написанными в более замороченных формах. Так что поменялось с выходом “La Belle Epoque”?
Там, где можно было стать жёстче, The Grand Astoria стали жёстче; там, где можно было сделать аранжировки богаче, группа добавила им деталей и глубины; там, где было 220 вольт, стало 380; там, где можно было интуитивно придумать что-то новое, что-то новое появилось. “La Belle Epoque”, если рассматривать его по частям, демонстрирует уверенный рост команды – как творческая единица The Grand Astoria проявляют максимум собранности, и вся их работа по интерпретации собственного музыкального опыта как будто бы исключает неверные композиционные решения… Однако расстановка песен на сорокатрёхминутном альбоме меня немного удивила. За проверенным на концертах бодрым анархичным stoner/punk номером “Henry’s Got A Gun” идёт “The Answer”. Банджо, флейта, неторопливый акустический перебор – это само по себе отлично, однако, для второй песни альбома, вдобавок звучащей после крайне энергичной открывающей композиции, “The Answer” воспринимается трудно, даже не смотря на то, что вторая треть трека качает среднетемповым fuzz-ориентированным риффом. Трёхминутная композиция “La Belle Epoque” звучит ново для The Grand Astoria – кларнет, клавишные и акустическая гитара создают по-настоящему волшебную атмосферу фантастического "прекрасного будущего", давая богатую почву для удивительно короткой space-rock интерлюдии, но тема (ввиду непродолжительности трека) остаётся нераскрытой и резко обрывается… Впрочем, она уступает место одной из настоящих жемчужин "тяжёлой" стороны The Grand Astoria. Stoner-монумент “Gravity Bong” раскрывает всю мощь и благость тяжёлого гитарного звука, обвешанного сочными примочками; драйв и рваный ритм песни снова и снова возвращаются к заглавному риффу и цепляющему припеву, но продолжительность песни (8 минут эфирного времени) гарантирует небольшую психоделическую вставку после второй части трека. “Serpent And The Garden Of Eden” – это, пожалуй, характерный для группы номер: четырнадцатиминутное путешествие во времени и пространстве на psychedelic, progressive и space rock волнах в полном масштабе раскрывает все грани таланта авторов и одновременно с этим всю гамму их вкусовых музыкальных пристрастий. Кстати, на этой композиции отчётливо чувствуется и влияние Black Flag со всем объёмом дьявольской додекафонии альбома “The Process of Weeding Out”. Шестой номер релиза – это тугая смесь энергичных и нескучных импровизаций, собранных под общим названием “Lisbon Fuzzborn”; прогрессивные экспромты стали обязательным элементом каждого полноформата The Grand Astoria, а этот трек-посвящение столице Португалии вдобавок ко всему прочему порадует нас ещё и яркими клавишными аранжировками, которых я в таком новом качестве не ждал. Позитивная и насыщенная композиция, при всех своих заумностях звучащая дружелюбно. Альбом закрывается полутораминутным аутро “Charming” – это акустический вокальный номер, исполненный в мечтательных тонах, но слишком короткий.
Как обычно, новый релиз The Grand Astoria оформлен исключительно со вкусом – на разворотах digipack’а символ группы Ugly Billy предстаёт героем сюжетов французских открыток начала прошлого века, автор которых хотел показать будущее таким, каким его видели в то время. Сложно назвать этот альбом концептуальным, хотя группа остаётся верна себе и продолжает развитие настроений своих предыдущих работ, а это значит, что их общая идея, так или иначе, продолжает расти и развиваться. “La Belle Epoque” – новый сильный альбом The Grand Astoria, как это ни странно, свидетельствующий о том, что команда не стоит на месте. Порядок расстановки песен (и непродолжительность некоторых из них) мне не очень понятен, но ценности релиза это не умаляет. Искушённых меломанов должно заинтересовать то, что альбом “La Belle Epoque” в ближайшую пару месяцев будет доступен в виниловом эквиваленте благодаря усилиям Setalight Records.
Московский инструментальный ансамбль EndName впервые крепко засветился перед столичной публикой на одном из выпусков Moscow Doom Festival. С тех пор группа медленно, но достаточно уверенно шла к успеху, и можно сказать, что где-то с выходом второго альбома “Antropomachy” действительно его добилась. Ну, конечно, это был условный, внутрижанровый успех, однако, саму работу стоит отметить, как очень убедительную. Сами парни называли своё порождение math doom, тогда, пожалуй, можно было сказать, что это плотный конструкционный сплав doom metal с кусками post и sludge metal. На втором альбоме во всю длину восьми треков было достаточно и динамичных композиций, и вязких, и грязных, и жёстких – на восьми треках есть, где разгуляться!
К третьему полноформату EndName шли почти три года, и что у нас нового? Во-первых, диск издан саблейблом Solitude Productions (хотя прошлый и в самиздатовском исполнении был хорош). Во-вторых, у “Demetra” стильная обложка, продолжающая линию “Antropomachy”. В-третьих, на альбоме всего четыре трека. Группа громко заявила о завершении новой работы, и в официальном пресс-релизе было сказано следующее: "Между землей альбома ”Anthropomachy” и космосом следующего полноформатного альбома образовалась некая плотная атмосфера из отличного ядовитого музыкального вещества уже опробованного в деле, но так и не нашедшего себе места в иных наших релизах. Таким образом, звезды встали так, что материал обрел себя в совершенно самостоятельном виде и зажил своей жизнью". Отчасти это верно: материал получился плотный, кое-где едкий и объективно схожий с тем, что вошёл в предыдущий релиз. Первая композиция “Duplication of the World” состоит из рваных ритмов с техногенным оттенком и враждебным напором, напряжение растёт параллельно развитию мелодической линии, и последняя часть трека дарит пару острых гитарных ходов, к которым EndName нас возвращает на протяжении следующей песни. “Union” – композиция масштабная, с неторопливым, грозным и глубоким вступлением, в котором уже можно почувствовать надвигающуюся бурю. Так и есть, парни снова переходят на тяжёлую бульдозерную агрессию с безжалостными атаками настойчивых гитар, но история заканчивается на светлой ноте – настроение “Union” становится легче и под шаманское горловое пение опускается занавес. Третья композиция “Forest” – самая продолжительная на альбоме, она звучит семнадцать минут, поэтому почти треть времени отдано на пространное психоделическое вступление: завывания ветра, лёгкий ритм и гитарные вибрации только на восьмой минуте обрастают новыми атрибутами – по части гитарных и электронных эффектов EndName свою музыку подают отлично! Я ожидал, что этот эксперимент выльется в нечто большее, но в совокупности “Forest” оказался экспериментом на уровне ритмичного drone и шершавого гитарного noise, сюжетная линия начатая в первой части песни замкнулась на саму себя… Последний трек “DOTW RX” – это вариации на тему… Проще говоря, из четырёх композиций последняя оказалась индустриальным ремиксом нескольких вещей группы, нарочито резким и травматическим. На любителя.
При замахе на рубль, EndName ударили слабовато. “Demetra” не тянет на звание полноформатного альбома на фоне отличного ”Anthropomachy” и, пожалуй, даже “Dreams of Cyclops” хотя бы по своему объёму. Этот материал можно воспринимать как мост между предыдущим альбомом и следующим (о чём и говорят сами музыканты), но не как цельное произведение. Это странно и немного грустно.
6 лет пришлось ждать слушателям третьего альбома Vietah. Причиной тому не какие-то проблемы или нежелание делать музыку, а перфекционизм Antarctis'а, пожелавшего сделать альбом высшего уровня. Десятки перезаписей и смен музыкальных инструментов в конце концов привели к результату, названному "Tajemstvy noczy". Стоил ли он всех усилий? Сложно сказать. Альбом отвечает всем требованиям современности: состоит из четырёх длиннющих треков (в сумме составляющих чуть больше стандартных 40 минут), он действительно очень круто записан – это одна из самых качественных записей, когда-либо созданных в Беларуси. Оформление потрясающее по всем пунктам. Великолепные фото природы, богатая печать с использованием "серебра", новый образ состригшего волосы музыканта на развороте. В общем, с внешней стороны всё сделано так, что лучше не придумаешь. С внутренней... конечно, альбом не назовёшь проходным, но дикого восторга он не вызывает. Это всё тот же Vietah, развивающий идеи Burzum, только окончательно лишённый трухлявой таинственности предыдущих записей. Тоже серый и блёклый, но не такой. Жужжащая стена звука сменилась менее толстой, но тоже стеной развитых гитарных риффов, говорящих о росте мастерства Antarctis'а. Вокал его претерпел очередное изменение, теперь это сипловатый скриминг, снова очень удачно вписывающийся в атмосферу.
"Таинства ночи" пролетают осенним ветром, оставляя после себя лёгкий холод на коже. Несмотря на все обстоятельства, не могу назвать этот альбом вершиной творчества Vietah, однако уже известно, что за эти 6 лет Antarctis занимался не только подбором струн и оттачиванием третьего полноформата, но и сочинением музыки для следующих работ. Новая работа грядёт уже скоро, и, судя по всему, она будет намного интереснее предыдущей.
Как неминуемо осень переходит в зиму, так же неминуемо за первым альбомом Vietah должен был выйти второй. "Smalisty Žah" встречает слушателя откровенно бурзумовским открывающим риффом и излучающей холод обложкой с засыпанными снегом елями. Настало суровое время. И это слышно по тому, как изменилось звучание Vietah. Оно обрело увесистость, стало тяжелее, объёмнее, тревожнее. Стена звука стала плотнее, чем была на предыдущем альбоме, но почти не потеряла в разборчивости. Antarctis бросил попытки выкричать душу, его вокал превратился в довольно низкий рык, который попадает в тему практически безупречно. Лирика полна увядания, тьмы, смерти. "Smalisty Žah" гораздо мрачнее предшественника. Зима – не время для сентиментальности. Впрочем, не забыты и последние мгновения осени, когда болотные воды уже покрыты коркой льда, но снег ещё не покрыл гниющие опавшие листья. Цветные фотографии в буклете запечатлели эти виды, как последние моменты уходящей жизни, а затем, когда перевёрнута последняя страница, они покрываются белым саваном под неумолимый бластбит. На втором альбоме Antarctis разнообразил музыку несколькими быстрыми отрезками, но их совсем мало. Снежные бури – не его стихия.
Стоит отметить, что композиторское мастерство музыканта заметно выросло за те 2 года, что делался альбом. "Zorny Maroz" воспринимается единым куском, здесь же сразу можно выделить вещи "Zmjarćvielyja krajavidy praz smaljany pozirk krumkacha" и "Zdzjajsnieńnie". Впрочем, все, как правило, обращают пристальное внимание на завершающий номер "Kvintesiencyja" – кавер на "Quintessence" Darkthrone, как вы могли догадаться. Antarctis так изменил заглавный рифф, что этот кавер мог бы сойти за его собственную песню. Честно говоря, композиции его сочинения похожи на Burzum больше, чем этот кавер похож на Darkthrone. Но не могу сказать, что он плох, просто это новый взгляд на легендарную песню. Гипнотизирует этот вариант, определённо, намного сильнее.
"Smalisty Žah" – шаг вперёд по сравнению с дебютником. Мощная, мрачная, зрелая работа о зимнем холоде и смерти.«
Мало кто из поклонников атмосферного метала, живущих на просторах стран СНГ, не слышал о Vietah. "Беларуский Burzum", начавший существование в 2006-ом, спустя 2 года с основания сказал своё первое слово. Как нетрудно догадаться из вышеприведенного прозвища, "Zorny Maroz" (равно как и всё творчество Vietah) представляет собой среднетемповый атмосферный метал а-ля Burzum. Разумеется, самые явные параллели можно проводить с великим "Filosofem". Единственный участник Vietah, гомельский музыкант Antarctis, перенял у Варга Викернеса (в своём безмерном уважении к которому он всегда искренне признавался) большинство музыкальных приёмов. Никакой быстрой скачки, плотная стена звука, пробирающая до костей атмосфера. Впрочем, "Zorny Maroz" отнюдь не является копией "Filosofem". Antarctis уделяет большое внимание клавишным, и атмосфера у альбома несколько иная. "Filosofem" был "лесным" альбомом, полным таинственности, а "Zorny Maroz" прохаживается по открытым пустынным ландшафтам мёртвой ноябрьской природы. Радикально чёрно-белое, но весьма чёткое и качественное оформление диска (автор – Кристоф Циглер из Vinterriket, чей стиль отлично узнаётся) пересекается с его звучанием. Альбом мрачный, серый, по-правильному монотонный. Однако звучит он чисто и ясно, от него веет холодом морозных ночей. Немного портит впечатление вокал Антарктиса. Он попытался спеть как нужно, протяжными выкриками, но вышло не очень хорошо. Кроме того, голос слишком выдвинут вперёд в миксе, и поэтому выбивается из колеи. Впрочем, поклонников атмосферного метала в духе Burzum, Forgotten Woods и Wigrid это не должно останавливать. Начинается ноябрь, зима грядёт, и, значит, сейчас самое время слушать Vietah.«
После того, как в середине первого десятилетия, когда, казалось бы, интерес к итальянскому коллективу White Skull начал было угасать, группа, словно сделав переливание крови, вернула фанатам сперва женский вокал, выпустив в 2009 году убойный лонгплей "Forever Fight" с Элизой Де Пальмой в главной роли, а в 2010 году и вовсе возвратила "визитную карточку" команды в лице Федерики Де Бони, водрузив в 2012 году на металлический Олимп "Under this Flag". Для выходцев из Виченцы вновь "пришло время собирать камни".
По большому счету White Skull в музыкальном плане не стали выдумывать ничего нового. Развивая при этом лучшее из того, что уже когда-то создали, из того, что в конце прошлого столетия привело их к успеху и помогло выжить среди расплодившихся новомодных течений, разбирающих, благодаря ослепляющей рекламе, потенциальных фанатов. "Under this Flag" – это добротный heavy/speed-метал высшей пробы с примесью частиц power: минимум клавиш, жесткий, подсушенный, плотный звук, но одновременно с этим свежее и чистое его воспроизведение.
Настораживающее и пугающее акустическое вступление "Hunted Down", открывающее альбом, вползает холодком в "пустоты" подкорки головного мозга, чтобы потом взорваться осколками стали, запустив вспыхнувшие нейроны к нервным окончаниям, приводя тело (в первую очередь голову) в раскачивающееся состояние.
Структура построения композиций прямолинейна, но далека до простоты исполнения. Сольные партии, спадающие каскадом по грифу, выведены на первый план и сочетают в себе перепады скорости и мелодичность. Разогнанная ритм-секция с трудом удерживает терзающие гитару рифы, способные запросто оборваться красивым медленным перебором. Алекс Мантиеро, умело расставляя в барабанных дробях сильные доли, поддерживает не только высокую ударную частоту, но и умудряется демонстрировать разнообразие. Все это органично дополняет женский, настоящий хэви-металлический вокал з’Doro’вского разлива, который, сменяясь с чистого, может запросто начать кровоточить столь приятной для ценителей тяжелой музыки хрипотцой.
Сказать, что альбом концептуальный нельзя, но большинство композиций объединены антивоенным социальным контекстом. Музыканты пытаются заставить почувствовать слушателя страх бегущего пленника, взглянуть на мир глазами человека, прошедшего войну и столкнувшегося с реальностью мирной жизни, погрязшей в коррупции и интригах, понять трагедию в Перл-Харбор (именно она послужила отправной точкой для написания "Red Devil") и переосмыслить ценность человеческой жизни, осознавая наличие рядом Ангела Смерти ("A.O.D.").
Запоминающиеся припевы и грамотное использование бэк-вокала в виде сплоченного хора уже не раз становились опорой успеха для альбомов White Skull, и этот не стал исключением. На пластинке невозможно выделить "проходные" вещи, большинство композиций являются потенциальными концертными хитами. А в голове, даже после первого прослушивания, еще долго крутятся припевы песен "Red Devil", "Prisoners of War", "Nightmares" и "Redemption".
И по завершении альбома вполне можно сказать, что своей очередной работой музыканты White Skull доказали, что действительно способны удержать флаг достойных наследников жанра и провести сквозь "пламя войны" толпу фанатов. Ну а спортсменам, увлекающимся легкой атлетикой, можно смело рекомендовать ставить альбом в плеер во время пробежек.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
