Акустический концерт/альбом – настоящее испытание для тяжелой группы. Неприкрытые искажениями гитары, невозможность применения экстремальной ритм-секции, в общем, практически полное отсутствие приемов, способных скрыть те или иные огрехи. С акустикой все просто – либо ты умеешь писать песни, либо не умеешь, ответ будет на поверхности. Ektomorf давно тянулись к акустическим гитарам, в чем нет ничего предосудительного, но факт в том, что под данную свою ипостась, по-хорошему, нужно писать новые песни – типичное творчество их здесь не прокатит, что красноречиво показал "The Acoustic".
Альбом состоит из акустических версий старых песен "I Khow Them", "I'm In Hate", "Redemption", "Stigmatized", "Who Can I Trust", двух кавер-версий "Simple Man" Lynyrd Skynyrd, "Folsom Prison Blues" Johnny Cash, остальные песни – новые.
Акустические версии композиций с предыдущих релизов, увы, звучат уныло настолько, насколько это вообще возможно. Чего уж там греха таить, для риффовых боевиков Ektomorf характерен агрессивный примитивизм, который в акустическом обрамлении показал свою предельную убогость. Ну разве что "I'm In Hate" прозвучала еще более-менее внятно. Новые песни, такие как "Be Free", "To Smoulder", "Again" смотрятся уже на порядок лучше, и, будучи, вероятно, задуманными изначально как акустические номера, имеют вполне четкую "сюжетную" линию, да и слушаются вполне себе с удовольствием.
Ну а наилучшие показатели качества, разумеется, у кавер-версий, которые как таковые особо ничем не запомнились, но сами по себе являются отличными композициями, ставшими настоящим и единственным украшением альбома. Лично меня особенно порадовала "Folsom Prison Blues", прервавшая своим драйвом воцарившуюся акустическую меланхолию, от которой зачастую не помогает даже не к месту присутствующий в некоторых трэках медвежий рев вокалиста.
Релиз, на мой взгляд, исключительно для поклонников группы и коллекционеров их творчества, поскольку даже ради любопытства тратить свое внимание на "The Acoustic" вряд ли стоит...«
Очередное дежурное блюдо от SFU звучит настолько предсказуемо, что превращает прослушивание "Undead" в столь же унылое, но необходимое занятие, как повседневное погружение в себя очередной порции белков-жиров-углеводов при полном отсутствии аппетита. В контексте SFU уже не работают ни формулы, заложенные на ранних и ныне почти забытых работах, ни каннибальско-некрофильская тематика (кого этим нынче удивишь?), ни авторитет матерого людоеда Барнса. Группа таким образом, все больше и больше укрепляется не в музыкальном насилии, но в музыкальном унынии, что в плане смертьметала смерти подобно. Технически, конечно же, все исполнено безупречно, и от этого втройне обидно – ведь даже на волне популярности всяческого ретро и олдскула SFU, увы, не дают достойного материала, позволяющего похвалить их даже с отсылкой на былые заслуги. Ну как же так?!«
Певцы языческой свободы и личности, ирландцы Primordial относятся к той категории групп, которая вызывает уважение просто своим наличием на музыкальной сцене. Знаете ли вы их, или не знаете (как я, толком); слушаете или нет – прилив гордости за них в сфере знакомой музыки, уважение к творчеству возникает автоматически, ибо они несут с каждым свои творением несгибаемую волю к собственным идеалам, они прямы и искренни, в конце концов, они пишут хорошую музыку. Альбомы таких групп всегда ожидаемы, но выходят без излишней помпы, быстренько растекаясь по подготовленным полочкам в нужных домах. Прошлый год ознаменовался выходом нового диска Primordial... полностью подходящего под описание.
С годами, проходя по временам и склонностям музыкальных декад, ирландцы оставили в своей музыке совсем немного того, чем начинали – чистого блека, зато сконструировали на базе вялой, от слишком частого и беспорядочного сношения, кельтской культуры, прекрасный pagan metal, блистающий статью, мощью и духовностью, в том числе побуждений. Альбом в полной мере оправдывает название самого коллектива, ранее проявляя бесхитростную, истинную и перворожденную ненависть, ярость, бурлящую кровь, а ныне непоколебимую веру, порядки и устои, обычаи, дух, через столь же первобытную, практически минималистичную на слух музыку, композиционно расположившуюся где-то между epic doom и тем самым, странным, часто неидентифицируемым термином pagan, на самом деле манифестирующим эволюцией фольклора. С самой первой песни, тягучие и затягивающие, волнующие композиции показывают народный, несомненный кельтский норов, но не как у множества групп сотканный на эстрадной ветви этнической культуры, а словно перерожденный теми самыми духами в новом времени. Потрясающие ритмы, изысканные даже не в культурных слоях, и из них созданные, неброские, но четко очерченные происхождением (но не формой) кельтские переливы, здесь превращающиеся в волны черной смерти, в кровь, колышущуюся в земляных ямах, под шагами богов, в ожидании удара, от которого все выплеснется наружу, застилая глаза, заливая глотки, обращая мертвое в живое и наоборот, вопреки и в будущее.
Очень округлые, особенно на фоне сложных, забористых и индивидуальных ударных, гитарные партии не имеют четкой формы, чем заходят в сферы модных словечек post, не касаясь их модности, но выбирая оттуда все нужное, для создания гнетущей, сжимающейся пружиной, горькой, но сохраняющей силы для борьбы атмосферы. Мелодические линии развиваются медленно, оставляя мало свободы и вариаций для себя на время не самых коротких композиций, и максимум, выдавая пару трансформаций, но именно в этих шести, семи, девяти минутах неторопливого развития, вполне годящегося местами для traditional doom, если бы не этот метущийся горячий дух внутри, заключено полноценное слово автора, не сворачивающееся в скучный клубок однообразия, но выразительно определяющее трансцендентальную с миром искусства атмосферу этой работы. Это как слушать один захватывающий припев, который оканчивается, и при этом проходит уже заданные минуты, или как слушать народную песнь с интереснейшим сюжетом и одной единственной мелодией, которая столь же разнообразна, как приключения героев фольклора. В эти пределах баланс найден идеально, но все же на весь альбом его не хватает – видимо, просто потому что его настолько точного, просто не бывает (иначе бы Primordial нашли). Еще интересной особенностью становится отсутствие – подозреваю всегда и везде – народных инструментов, подчеркивающих талант композиторов, создающих фольклор в ограниченных рамках рок инструментария. Нельзя не отметить толстенный буклет, направляющий собственное воображение в сторону курса взятого автором, на тлеющую народную гордость в дольменах, на чуму, одновременно спасительную и фатальную, на гробовой фатализм последних оставшихся, с незыблемой уверенностью воскрешения своего мира.
И я... я совершенно не думаю, что следует расписывать то, что пара песен являются блековым наследием с соответствующим вокалом, что остальные пропитаны чистым, фаталистическим, но бросающим вызов, несомненно, обоснованный, вокалом, в нужные моменты становящимся малым хором, что они используют весь спектр возможностей от боя до соло для творчества. Если смотреть с больших высот, то Primordial словно прогрессивный норвежский viking перебравшийся в авангардные выси, шагает все дальше и дальше по дороге самовыражения, однако его эволюция удивительным образом распространяется и вверх по лестнице времени, и захватывает знакомые прошлые десятилетия нашей с вами музыкальной культуры. И ничего кроме высшей оценки и настоятельного требования – пробовать на вкус – не остается. С каждой композицией хочется сделать еще и еще громче, чтобы к концу между риффами размололо и ты остался монолитом величия и памяти.«
Ценность Voodoo Circle для трудящихся определяется тем, насколько вы готовы снова и снова отдавать свои деньги за банальные ремейки, при этом скомпилированные близко к тексту. Алекс Байродт, творец немецко-финского хэви-пауэра средней руки Silent Force, который по велению ДиСи Купера в последние годы тянулся к Royal Hunt, и типичный шреддер по гитарной ориентации трудоустроился в Primal Fear. Опыляя в тому же лавину проектов Мэта Синнера, он привлёк заслуженного басиста мелодик-металов к своему забытому старому – хард-роковому динозавру с неоклассик-пауэр оскалом Voodoo Circle. Тот, кто имел возможность пощупать скучного первенца в 2008 году, сможет быстро и безболезненно сделать выводы о "Broken Heart Syndrome", поскольку это консервативная вторая серия – и точка. Или потерянная запись Whitesnake конца 70-х, явно скрещенная с Deep Purple авантюрных лет без Гиллана, обвалянная в блюз-роке в формате Led Zeppelin, посыпанная всеми необходимыми ТТХ (антично звучащие гитары, мягкий бас, Хаммонд и прочая) и завернутая в питу состаренного звука. Для пущего эффекта Дэвид Ридман так и продолжает последовательно парадировать тёзку Ковердэйла. Не уверен, что подобное стилизаторство – хлеб и соль музыкального развития. А Voodoo Circle нам незатейливо напоминает кавер-группы, которые умело воссоздают пластинки предков в хард-рок-кафе крупных городов. При этом своё дело немцы знают на отлично, предлагая кроме духа 70-х и целой россыпи прямых цитат (из "Stormbringer", Rainbow, Rush или британского блюз-рока) классные припевы и достойные мелодии, тонкое исполнение Ридмана и добротные пауэрные запилы. У каждого трека есть своя изюминка, свой характер – где-то отменная полифония, где-то блюзовая ритмика, иногда успокаивающий тон гитар и клавишных, симпатично обыгранные гармонии, вкрапления брит-попа, редкие, но меткие инъекции адреналина, привычные теплые риффы или шестиструнные кружева Мальмстина.
Но всё это сделано слишком ровно, по-чистоплюйски, даже если и с большой любовью к старому року и "отеческим гробам", плюс забивается нереальным числом цитат, что заставляют смотреть в буклет в надежде увидеть кусочки авторства дедов. И дело лишь в том, достаточно ли этого профессионально нарезанного винегрета, чтобы его можно было называть новой, цельной работой в знакомом жанре, выдавать за свою и распространять за деньги? Вопрос риторический.«
Если меломану по нраву, как одна и та же песня раннего Exodus крутится вновь и вновь в назойливом танце, постепенно завлекая в водоворот других ярких представителей Bay Area измерения стиля, то Warbringer окажется a lot of fun и даже чуть больше. Пожужжит Forbidden, даст лихого пинка под пятую точку Vio-Lence, немного дыхнёт Heathen – да заправим всё это майонезом Slayer года 90-го, щепотками Metallica и Megadeth, чайной ложкой угара Overkill да звуковой палитрой Sadus. Калифорнийские молодцы, пытаясь утвердиться в направлении, без прикрас и в целом бесхитростно продолжают заряжать порции олд-скульного трэша, в основном довольно однообразного и монотонного, словно нынешние "слэера", хоть и энергетически насыщенного. Лиды от Ханнемана, ритмика от "большой четвёрки", много традиционных грувов и динамики по части агрессии (вполне до брутальных кусков), хорошие соло, но, как результат, будто ничего с "Seasons In The Abyss" так в музыке и не случилось. Не тот консерватизм, который приносит свои плоды. Скорее попытка вскочить на подножку реюнион-поезда, что активно следует последние десять лет по станциям легендарных команд. Изменения в составе не принесли каких бы то ни было серьёзных трансформаций с момента релиза двух первых полноформатников – те же яйца, только в профиль. На микроуровне под увеличительным стеклом прогресс всё-таки проявляет себя – структуры слегка усложнились, особенно ритмика, появились некие намёки на прогрессивные элементы, припевы теперь не столь беззубые, как раньше, но, в общем, логика дебюта и сиквела к нему здесь преобладают, а небольшие послабления – вроде стоунер-риффов, думоватых прессующих кусков и одной милой инструменталки "Behind The Veils Of Nightmare" – служат лишь украшательствами.
Главная проблема записи даже не в отсутствии оригинальности (чёрт с ней – это же олд-скул), а в серых и как будто кинутых довеском припевах. Они не то что вылетают сразу из головы – просто не задерживаются в памяти. Парни хотят гнать по прямой, а на другое им наплевать. Новые элементы могли бы украсить полотно, но сделаны из рук вон плохо, не от мира сего. Впрочем, сама по себе "Worlds Torn Asunder" – стилистически грамотная и вполне крепкая работа на волне популярности трэша 80-х, но Warbringer нужно быстрее вспомнить, что существуют они не в вакууме и творят не для себя.«
Беларусская метал-сцена, несмотря на все тяготы и невзгоды, продолжает не только существовать, но ещё и выдавать группы, достойные зваться уникальными. Одной из таких является минская формация Victim Path. Свой творческий путь группа начала в 2010-ом, и уже спустя год на украинском значке Depressive Illusions вышел её первый кассетный EP "In life we trust". Материал EP представлял собой довольно злой depressive black/death metal в лучших традициях жанра. Почивать на лаврах команда не стала, а сразу же засела за создание полноформатного альбома. Уже в начале 2012-го он был записан и выложен в интернет для свободного скачивания, а промо-диски отправились на рассмотрение различным лейблам. Работа приглянулась Possession Productions, и совсем недавно, 8 августа 2012-го, CD "Surrounded by Pain" был официально издан.
За тот год, что записывался альбом, звучание Victim Path продвинулось далеко вперёд. Несмотря на кажущуюся простоту, найти ему аналоги довольно сложно. Если говорить просто, это депрессивный blackdeath metal... или depressive dark metal, как это позиционируется. Иногда быстрый, ритмичный и злой ("Black Abyss"), иногда медленный и страдающий ("Surrounded by Pain"). Музыку можно сравнить, скажем, с Shining. Но вот что сразу выводит её на другой уровень, так это вокал. Это больной, грязный, безумный, абсолютно нечеловеческий вой законченного психа. Такой можно услышать только на абсолютно андерграундных записях абсолютно диких формаций из ниоткуда. В сочетании с довольно-таки слушабельной инструментальной частью всё это производит сногсшибательный эффект. Такое звучание можно либо любить, либо ненавидеть. Идиотское "норм банда" по отношению к Victim Path неприменимо. Одни восхищаются музыкой группы, другие плюются и затыкают уши. Восхищаться, на самом деле, есть чем. Группа создала очень несложные, но не примитивные треки, радующие разнообразием и атмосферностью. Сменой настроений альбом слегка напоминает "Death, pierce me" Silencer, только происходит это более сдержанно. В каждой композиции присутствует парочка отличных гитарных соло. Этим, да редкими акустическими вступлениями, мелодизм альбома ограничивается – здесь не какой-нибудь модный блэк-шугейз. Каждый трек цепляет, запоминается с первого раза. Англоязычная лирика охватывает привычные для депрессивных формаций темы одиночества, никчемности существования, суицида. Благодаря отказу от рифмы тексты получились очень изобретательными, гораздо интереснее, чем давно задолбавшее "I cry – I die". Решение верное, ведь с таким вокалом всё равно ни слова не разобрать, потому и в рифме особой нужды нет. Единственный трек, где текст сравнительно легко воспринимается на слух – завершающий кавер на "Оптимизм" ГрОб. Переделка получилась не очень похожей на оригинал, зато совершенно убойной – жирная черта под безумием остальной части альбома. Что касается оформления релиза, то тут также всё очень неплохо. Тёмный таинственный компакт, 16-страничный буклет в чёрно-красных тонах, содержащий немало зрелищных концертных и промо-фотографий.... Да-да, весь этот ад ещё и играется вживую. Причём мастерски – записи с концертов вам как доказательство. Вообще, тяжело поверить, что этот альбом создан бандой, существующей всего-то два года. Очень интересно, что же сообразят Victim Path дальше. Тем более что материал для новой работы уже сочиняется вовсю. Всем любителям сумасшедшей музыки советую!
Птенцов гнезда "мальмстиноидов" можно рассматривать под лупой с разных ракурсов. С одной стороны, учитывая все условности и банальности до безумия замусоленного хард-рока пост-Rainbow 80-х, скрещенного в пробирке с неоклассическим пауэром, хэви а-ля Dio, аморфным мелодик-металом в русле Axel Rudi Pell и весомым амбре трад-метала. Влепить дежурных три балла за кисейно-сладкий костяк мелодий, стандарт Марка Боалса, который пел у Мальмстина на той самой классической "Трилогии" в 86-м, да прибавить половинку за буквоедскую, очень детальную проработку от идеолога Iron Mask Душана Петросси. С другой, оглядываясь на две декады активного затирания направления, "Black As Death", похоже, вытягивает из него максимум, если брать в расчет, что бельгийская группа – типичный середнячок без реальных шансов подняться выше. "Железная маска" – эдакая синица, которая яростно мечтает взлететь журавлем. Она из кожи вон лезет, чтобы быть динамичной и разнообразной. Отчасти у нее это получается за счет жонглирования скоростями и допэлементов, выдаваемых за сюрпризы. Среднетемповые грузные эпики с банальными и одинаковыми, но масштабными хорами на латыни и не самыми простыми структурами а-ля заглавная вещица, хардовые мелодические темы вроде "Broken Hero", скоростные неоклассические ражи в традиции италопауэра ("Feel The Fire"), слезоточивая баллада (куда уже без нее?) – "Magic Sky Requiem". В качестве приправы к стандарту – восточные мелодии "Genghis Khan" и блэк-детовый куплет с агрессивным вокалом на "Nosferatu", но на этом, кажется, и всё. Добротная гитарная работа Петросси, привычный, качественный (как это принято говорить, когда сказать нечего) вокал Боалса, неплохие гармонии (паханные-перепаханные с Rainbow конца 70-х) да общее впечатление работы, в которую, несмотря на всю её предсказуемость, силушки то вложили немало.
Переход на AFM Records позволил Iron Mask стремительно двинуться к помпезному и концептуальному материалу с кинематографичным намёком на судьбу Rhapsody Of Fire, но в антикварном ключе мелодичной харды. Свою аудиторию найдет, наследие Ингви-нашего-Мальмстина на плаву поддержит, но, как и в предыдущие попытки, мгновенно вылетит из памяти.«
Продолжая свои экзерсисы в области павера, финны Amoral несколько окрепли духом и на "Beneath" выдали уже несколько более внятный и приятный уху материал. Ну во-первых, парни сделали умеренно-тяжелый и вполне убедительный звук, придавший веса композициям. Во-вторых, легкие заезды в прог несколько усилились, сделав песни более интересными. Причем открывающая альбом одноименная "Beneath", несмотря на свою продолжительность аж в восемь минут, пожалуй, является лучшим номером альбома. И пусть слабо-слабо, но все-таки напоминает небезызвестный проект Control Denied. А в целом композиции очень приятные, интересные риффы, с мелодиями здесь было и будет все хорошо, и вокал вполне достойный, хотя упражнения с агрессивным ревом лучше оставить навсегда – чистый вокал здесь подходит больше, а злости лучше бы им добавлять посредством инструментов. Начиная с третьей композиции "Silhouette" и до середины альбома неуклонно начинает расти градус уныния – появляется легкое ощущение вымученности тех или иных риффов, мелодий. Правда на "Hours Of Simplicity", "Wastelands" все становится на свои места и до самого конца альбом слушается без напражений.
Итог: Amoral, конечно, выдали отнюдь не шедевр, но "Beneath" определенно является немалым шагом вперед по сравнению со своим предшественником. Наконец-то вполне сформировавшаяся концепция творческого развития группы определенно дает все основания ожидать большего.«
Сцена sludge, art-core и post-metal это не что иное, как инкарнация indie сцены в металическом варианте, когда она – сцена – вещь в себе, и существует, развивается, не соотносясь с окружающей действительностью, чем можно и объяснить порой настолько углубленное качание на волнах собственных мыслей, что снаружи становится просто скучно. И чем дальше, тем больше, и угрюмей воспринимать все это, своевольное и спесивое, по неопределенным причинами, установившее себя выше остального. Самые известные и именитые исполнители, заработавшие себе имя, стараются быть все же ближе к слушателю, но молодь шагает своим шагом. Немецкую группу The Ocean вполне вероятно отнести к молоди пусть им уже и 12 лет, а альбомы они выпускают восемь из них. Они еще не заслужили, верней, именно после дабл-дуплета двойных дисков, должны будут заслужить это самое имя, хотя бы тем, что выражение своих умений и ощущений с тщательной продуманностью превращают в созидающее, осмысленное искусство, наполненное размышлениями в равной степени с художественной ценностью.
Три года после двойного альбома "эпохального" характера с четкими инструкциями по атмосферному внедрению в неизведанное, смена вокалиста, и вот перед нами очередной концептуальное творение, состоящее из двух частей "Heliocentric" и "Anthropocentric", в которых музыканты доказательно, с рассуждениями и сносками на классические литературные произведения проводят дознание и поиск о боге в человеке, месте бога в мире, и человеке как самостоятельной единице. Разглядывая убористое, схематичное оформление дисков, трек-листы, почитывая тексты в доступных источниках и еще не включая альбомы, слушатель неминуемо будет испытывать некоторое напряжение – усилие, которое следует приложить при восприятии дисков. Напрасно: все оказывается настолько же привлекательно и по возможности легко, насколько это возможно в серьезном объекте искусства. Здесь надо просто садиться и слушать, наслаждаясь, а, не напрягаясь, все это путешествие, можно даже оставить смысловое наполнение в стороне, и просто внимать музыке.
Абзац же о самой музыке стоит начать с того, что никакого post metal здесь уже нет и подавно. Суть потребовала смены формы выражения, или даже не смены, а адекватной эволюции, завершившийся где-то в районе progressive alternative artcore – громоздко, но примерно описывает свойства обоих релизов, кстати, отличающийся и музыкально тоже. Ноги всего этого скорее всего теперь торчат из post-hardcore с соответствующими элементами, смягченного, усложненного в определенной мере – той, когда слушать музыку не сложно, она не "грузит", но смены темпа, ритмов, мелодические сбивки и разбредающиеся одновременно, но в разные стороны партии инструментов создают интригующую многослойность, вновь и вновь, заставляющую возвращаться к прослушиванию. Первый диск склонен быть тяжелым и лиричным единовременно, обогащен большим количеством джазовых и небольшим, оркестровых деталей (на альбоме в качестве гостевых музыкантов расположились обладатели струнных и духовых инструментов в количестве приближенному к десятку), то и дело сменяющих мощные, окунающие в sludge стены звука гитары, на мелодические развития заданных тем в духе alt-rock. При этом именно в этом, тяжелом диске наличествует блистательное фортепьяно. Темп его ниже, а форма устойчивей, чем у второго – "Anthropocentric" – обладающего моложавым и модным видом, однозначно отталкивающегося от альтернативной и hardcore музыки, рваного, дерганного, значительно более быстро и совсем не лиричного, а наполненного нервной агрессией (где-то можно отыскать вариант Burst meets Tool). Альбом тоже обладает гостями, но только струнными (их звук дрожит, незаметно нанося мелодическую пыль на чисто гитарные композиции), и в подтверждение своей актуальности третью из композиций в цикле "The Grand Inquisitor", вдохновленному, как и весь диск "Братьями Карамазовыми" товарища Достоевского, превратил в вездесущий dubstep с женским вокалом, чисто электронный, на котором только Enter Shikari и вспоминать. И в обоих частях работы никаких, подчеркиваю – никаких интроспективных, интровертивных и прочих слишком загоняющихся погружением в эмоциональные внутренности ландшафтов от post metal не наблюдается даже вооруженными ушами.
По описанию получается, что первый диск более ригидный, менее юркий и должен быть громоздким, тяжело слушающимся – в принципе, в корне не верно. При всех индивидуальных деталях, то ли за счет большей проникновенности, душевности, то ли от большего наполнения смыслом музыки (в смысловом плане второй тяжелей текстами) именно первый, "Heliocentric", слушается идеально легко. Вместо монолитности и помпезности в нем произрастает изящество. Изящно вплетаются мелодические ходы, изящно исполнены переходы в брутальные куски, изящно выражена общая мысль в текстах, артистично выполнены лирические паузы на джаз, не усложняющие, а расслабляющие – кое-где это требуется, например, уже в третьей песне, после достаточно весомых гитарных атак, чтобы в следующей композиции заткнуть всех балладостроителей со Scorpions, в первых рядах, в одно глубокое место. Второй диск на всем своем протяжении, усиленно демонстрирует свои отличные динамические характеристики тащащие достаточно тяжеловесную работу вперед с легкостью, перебравшиеся из hardcore ритмы ударника и гитарную работу, часто взрывающуюся тэп-соляками, составляющими мясо текущего риффа, на некотором его протяжении. Вокалист успешно чередует истошные коровые крики, некое подобие скрима и много-много чистого вокала, хотя его меньше, чем у собрата. И не дотерпеть бы с такой махиной движущихся звуков, если бы не сдача в плен мелодике, наступающая после "электронного инквизитора", где восьмая песня это полуакустический инструментал, а две оставшиеся – развитие ее идеи с вокальным сопровождением, и по совместительству, успокаивающая, умиротворяющая кода всей дилогии.
И вот да – после пары прослушиваний становится понятно, почему в этот конкретный раз диска именно два, почему столько материала, и как, должно быть, хотелось группе все это рассказать нам, слушателям, что они с огромным удовольствием и вдохновением, старательно проделали такой объем работы. Темы совершенно разные – музыка тоже разная. Помещенная на один носитель, даже при должном временном лимите, работа дискредитировала бы себя. И слушать сразу оба практически невозможно, просто потому что не стоит: в наших головах осознание не приходит настолько быстро, так зачем устраивать себе форсированные мышление? И музыкально, по отдельности это два великолепных, сложных и интересных диска, а вместе тяжелое, длительное продирание сквозь дебри с усилием воли. Именно два, именно последовательно и отдельно. Но вот оценивать имеет смысл только оба сразу, находя для комплексного осознания самые подходящие эпитеты: блистательно, к примеру...«
В дискографии замечательной группы Kreator можно выделить три этапа. Первый длился до 1990-го года и включает в себя истинно трэшевые альбомы, каждый из которых заслуживает всяческих похвал. Затем был недоднозначный этап сдержанных экспериментов. А с 2001-го Kreator привнесли в своё звучание элементы мелодичного дэта, утяжелили звук, и получилось то, что мы имеем возможность слушать до сих пор. Однако, есть в дискографии немцев диск, стоящий в стороне от остального творчества. Имя ему – "Endorama". Хотя этот альбом является логическим завершением экспериментальных работ, созданных на протяжении 90-х, он превосходит их настолько, что сопоставление просто невозможно. Это отдельная веха в истории Kreator. Абсолютный Шедевр, который, как и всё гениальное, не приглянулся широкой публике. Довольно забавно – ведь нет у Kreator более простого для прослушивания альбома, чем "Endorama". Наигравшись с психоделикой и сэмплами на предыдущих дисках, Милле Петроцца сотоварищи решили не мудрствовать и просто ввели в свою музыку элементы готик– и пост-рока. А трэшевую составляющую облегчили, добавив при этом мелодизма. В сотне случаев из ста такие манипуляции заканчиваются несусветной похабщиной. Но "Endorama" – вещь особенная. С ней всё получилось. Музыканты идеально смешали все компоненты. Причём создаётся впечатление, что это вышло очень просто – настолько непринуждённо звучит альбом. Здесь нет места натужному авангарду и шатким экспериментальным конструкциям. Альбом очень простой, лёгкий. Его даже можно назвать "попсовеньким". Его суть не в замудреном звучании. "Endorama" делится со слушателем всей своей богатейшей, невероятно насыщенной гаммой эмоций. В этом и заключается его гениальность. Ни один альбом на свете не содержит столько же неподдельных чувств. В его общей тёплой летней атмосфере заключаются радость и грусть, скорбь и смех, гнев и умиротворение.... Каждый трек – маленькое произведение искусства. Волнующий "Golden Age" (единственная вещь с "Endorama", которую играют на концертах), заглавная композиция, где на вокале отметился Тило Вольфф из Lacrimosa. Прекрасная эротическая баллада "Chosen few" – это всё шедевры. Но "Endorama" всё же ассоциируется не с этими песнями, а с остальными, идущими далее. Позитивная "Shadowland" – это лишь затравка. "Everlasting flame" – уже гораздо более серьёзное и печальное философское произведение. В ней заключён лирический образ человека, стоящего на берегу океана в разные этапы жизни и размышляющего о ней. В целом, этот образ охватывает весь альбом. "Endorama" рисует в моей голове картину прогулки пожилого мужчины августовским вечером по берегу с накатывающими на него волнами. Этот человек вспоминает различные события, как радостные, так и печальные. Во всех этих воспоминаниях сквозит небольшая утомленность, ведь чем ближе к концу жизнь, тем более обыденной кажется действительность и тем ярче события прошлого. В лирике альбома этого нет, темы там довольно обширные, но общее впечатление именно такое.
После "Everlasting flame" идёт сильнейшая вещь альбома – слегка депрессивная "Passage to Babylon". Невероятно впечатляет то, как Милле с вкрадчивого шёпота переходит на крик – эмоциональность композиции невероятная. Затем у нашего воображаемого ностальгирующего старичка просыпается хорошее настроение. "Future King" запоминается прежде всего очень летним ощущением и невыразимо приятно звучащей на заднем плане гитарой, заставляющей кожу покрыться мурашками. Потом нас ждёт проникновенная инструменталка и трек "Soul eraser", стихи к которому в завуалированной форме проходятся по вопросам религии. Поначалу он не очень впечатляет, но вскоре раскрывается в прекрасных соло и необычных гитарных завихрениях (другим словом эти звуки не опишешь). Завершающую тройку композиций открывает прекраснейшая "Willing Spirit", так же, как и "Future King", пронизанная лучами заходящего летнего солнца. Далее – "Pandemonium", где Kreator в лёгком виде напоминают о своих трэшевых корнях, не забывая поддерживать яркую атмосферу. Заканчивается всё четырёхминутной "Tyranny", лирика которой полна переживаний. Уж не знаю, сочинял её Милле на основе собственного опыта или нет, но получилось всё очень убедительно. На этом "Endorama", а заодно и экспериментальное творчество Kreator, заканчивается. Несмотря на то, что итоговыми изменениями в звучании группы я не слишком доволен, всё же хорошо, что так получилось. Продолжи Kreator экспериментировать, они вряд ли записали бы что-то столь же потрясающее. Музыка в итоге либо перетекла бы в невнятную дичь, либо, что вероятнее, Kreator просто лишились бы поддержки мажорных лейблов и прозябали в глубоком андерграунде. "Endorama" и так издавался на не самом крупном значке, и найти это диск сейчас очень тяжело, если только вы не являетесь постоянным пользователем Ebay. Лично мне понадобилось на это 5(!) лет. А лицензионное издание для СНГ найти ещё сложнее, ибо издающий лейбл давно прекратил существование. Но, несмотря на эти трудности, я прошу вас – выделите деньги и приобретите копию "Endorama". Этот альбом гениален. Он идеально сбалансирован и обладает большой чистой душой. Таких работ на свете просто больше нет. Я даже не берусь ставить ему оценку. Всё, написанное выше – лишь неуклюжая попытка передать малую толику очарования альбома в текстовом виде. "Endorama" выше всяких оценок и комплиментов.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
