Что такое стереотип в двух словах? В двух словах, стереотип – это устойчивое представление человека о чём либо, зачастую расходящееся с реальным положением вещей. К чему это я? Да к тому, что и у нас, металлистов, в башке крепко сидят зловредные стереотипы. Один из них глаголит, что в Швеции, дескать, хорошего олд-скульного трэшняка сроду не бывало... Враки! Был в Швеции трэш! И хороший и даже отличный! Лучшее тому подтверждение группы Hexenhaus, Agony и герои сегодняшнего обзора Fallen Angel.
Корни сей славной бригады растут аж из 1984 года, когда двое пареньков Густав Лджунгстрем и Фредрик Хэнкель при поддержке неизвестных истории корешей громко нарезали металл в тихом шведском городке. Но годом рождения группы всё же считается 1987-й, когда более-менее утвердился состав команды и чуваки поднялись на приличный уровень. После пары демок и EP Trapped In Syberia компания подписывается на Massacra Records и в 1992-ом выдаёт долгожданный лонгплей Faith Fails. Состав на альбоме был таков: Йохан Бюлов (Altar, Wolf, Chain Of Hate) – вокал, гитара, Йоахим Перссон (Tyborn, Soulquake System) – гитара, Мате Хидерборг – бас и Фредрик Си Линд – ударные.
За банальной вывеской Fallen Angel скрывается совершенно не банальная музыка. Всё сыграно очень ярко, технично и убедительно, с хорошим качеством звука. Ребята собрали лучшие идеи классического Bay Area трэша и выплеснули их в запоминающиеся лапидарные риффы, красивые соло и великолепный чистый вокал. Несмотря на явную ритм-ориентированность песен, шведам удалось органично вплести в музыкальное полотно неторопливые хэви– и пауэр-соло, которые своими свежими, сочными оттенками украшают альбом. Узнаваем и ярок потрясающий вокал Йохана. Пусть он и не обладает 5-октавным спектром, но в своём диапазоне Бюлов справился с работой на "отлично".
Бригада играет на средних и умеренно быстрых скоростях, ярость и драйв присутствуют лишь в Spectacle Of Fear и Injection-Overdose. Но хуже от этого команда не становится. Более того, выигрывает – многообразием тем и настроений. В каждом трэке меломан найдёт чем поживиться: балладное начало в Faith Fails, потусторонне-опустошающая Ice с умелым использованием вокальных эхо-примочек, оригинальные риффы в Premier Parish и Hangover, соляк в Dental Surgery, отпадная риффовая чехарда во второй половине Another One...
В конечном итоге вышла отличная пластинка с сильным разнообразным материалом и массой запоминающихся моментов. Единственное, опоздали мужики с релизом... Выйди такой staff на 3-4 годика пораньше – группу, несомненно, ждал бы должный успех... Но в 1992-ом ей досталась лишь оседающая пыль падающих трэш-звёзд. В любом случае, почитателям Bay Area пластинка к прослушиванию обязательно! Остальным трэшерам тоже не мешало бы подсуетиться...«
После выхода "New American Gospel" ребята из Lamb of God на 2 с половиной года ударились в концертную деятельность. Играя как на крупных фестивалях, так и не гнушаясь маленькими клубами, "Агнцы Божьи" заработали немалую известность и уважение (ну и деньги, конечно). Поспособствовали им и выступления на разогреве у монстров вроде Cannibal Corpse, Six Feet Under, Killswitch Engage, Shadows Fall. Растущая армия фанатов требовала проолжения банкета, и группа уселась в студии за новый альбом. Продюсером на этот раз стал Девин Таунсенд, а в качестве сессионного гитариста был приглашен бывший участник Megadeth Крис Поланд.
Неплохие доходы, толпы фанатов на концертах, безоблачное будущее – каждая первая группа в таких обстоятельствах сыграла и выпустила бы качественное повторение пройденного. Но не Lamb Of God. Новый опус ричмондцев – "As The Palaces Burn" не то что бы кардинально отличался от "New American Gospel", но был от него довольно далек в плане звучания. Прежде всего это касается вокала. Ди Рэндалл Блайт поет абсолютно не так, как три года назад, выдавая не то очень низкий скрим, не то высокий гроулинг, изредка разражаясь скримом классическим. Музыка также изменилась – она стала менее хаотичной и немного мелодичной. Техника игры музыкантов заметно улучшилась. В песнях иногда встречаются электронные вставочки (впоследствии мы будем слышать их намного чаще). Разумеется, на диске есть порция будущих концертных хитов – "Vigil", "11th Hour" и "Ruin". (На две последние песни были сняты неплохие клипы). Лирика фирменная и проверенная временем – метафоры на социальные темы, пацифизм и тому подобное. Есть и недостатки – вокал еще не такой сочный, как хотелось бы, музыка чуток однообразна – весь потенциал группы еще не раскрылся на этом альбоме в полной мере.
Подведя итог, скажу, что "As The Palaces Burn" – не самый сильный альбом Lamb of God, но поклонник этой группы обязан его послушать, так как именно с его выходом "Агнцы Божьи" стали такими, какими мы их знаем сейчас.«
Первый одноимённый релиз Дельты Меконга произвел настоящее движение в металлическом сообществе доволно оригинальным видением трэша. Для той эпохи это была настоящая революция и большой шаг вперёд. Их запутанная и сложная музня сразу нашла своих фанатов. Сами музыканты тогда работали подпольно и выступали под псевдонимами, так как многие из них выступали в других коллективах и были связаны обязательствами с рекорд-компаниями. Поэтому "Музыка Эрика Цана" рождалась в нелёгкие для коллектива времена.
Не буду впадать в подробности, однако с невероятно плотной и сложной природой музыки Дельты Меконга сложно произвести соответствие на наше время, хотя некоторые отголоски всё же найти можно например в работах Nile. Лидер и двигатель коллектива Ральф Губерт сварганил неплохую и претензиозную работу для той эпохи, чтобы вот так просто взять её и похерить. Звук гитар теплый, тяжелый и агрессивный, но сохраняет некую уникальную ясность. Немного искаженный басовый тон добавляет вес к звуку альбома. Барабаны растворены равномерно и не оставляют осадка. Вокалы не надоедливы и записаны почти идеально.
Явная сложность этого альбома вместе с его интересными мерами и претензионностью рассчитан на любителя и только на любителя. Поклонникам навороченной музни и инструментального мастерства этот альбом наверняка должен прийтись по душе.«
Плыл как-то на пароме из Хельсинки в Стокгольм. Немного штормило за ночным бортом, подвывало машинное отделение, а пассажиры сонно расхаживались по каютам. И только толпы пьяных финнов своим гоготанием выводили из стопора задремавшее судно. Чуть бухнули, завязался разговор. Когда стал клевать носом, на ход ноги спросил у одного из разговорчивых компаньонов из страны Суоми, хлеставшего водку из горла, как будто это была "аш-два-о": мол, вы чего так сильно пьянствуете по жизни – алкогольный туризм во всей красе? А он мне, наклонившись, чтобы не слышали товарищи: "Да скучно у нас! Надо как-то жить!" Korpiklaani – одна из тех групп, которые подняли воспевание 40-градусной жидкости для поддержания биологических процессов на высочайший уровень. Во всяком случае, выпустив сингл "Vodka" и поставив этот хит номером один на "Karkelo", суомцы признались, что козырей в рукаве у них практически не осталось.
Финны стареют, становятся мудрее или просто опытнее, но новый опус "лесных братьев" вызывает противоречивые эмоции. Лахтинцы отошли от одномоментного угара, которого от них до недавнего времени только и ждали, разнообразив свои пенаты в структурном и ритмическом плане. К традиционным фолк-боевикам Korpiklaani здесь кроме пресловутой водочки можно отнести разве что "Erämaan Ärjyt" – остальные вещи скроены вполне в духе двух последних пластинок. Замедление некогда неугомонных чухонцев все ещё в пути. Среднетемповых тем становится больше, напоминая уже не сами разгульные вечеринки, находящиеся в фокусе внимания шестёрки, но воспоминания о том, что хорошо побухали накануне. В такие моменты смущает ломка мелодики и вокал, который теряется в отсутствии разухабистых ритмов. К примеру, "Unialka" напоминает финский модерн-метал, которого в стране сейчас хоть завались, и действует усыпляюще. Да и с саундом нетрезвеющие обитатели чащи по-прежнему разбираются – звучание ряда инструментов от альбома к альбому чуть эволюционирует. С другой стороны, "Karkelo" выглядит немного более эмоциональной работой, чем "Tervaskanto" (2007) и "Korven Kuningas" (2008), хотя в целом Korpiklaani теряют свой шарм, которым они завоевали мир на дебютных пластинках.
И если не остановить конвейер, выпускающий по диску в год, то в скором времени пациента мы можем потерять. Пространство, что оккупируют жители страны Суоми, не настолько вместительное, чтобы сгружать товар вагонами. При наличии привычных ярких тем "Karkelo" всё же слишком неповоротлив, а грузность с годами, судя по тенденциям последнего времени, будет только увеличиваться.«
Сейчас, когда большинство слушателей уже знают американцев Novembers Doom, а на подходе новый альбом, самое время взять два переиздания первых альбомов группы, чтобы познакомиться или вспомнить прошлое этого коллектива. В данном случае, первым мне попался второй альбом, от 1999 года, воскрешающий ранний doom вроде английской школы смешанной с чем-то вроде Lacrimas Profundere с хорошей (по весу) примесью дэта, что дает возможность сравнить с Opeth.
Одно из главных отличий прошлого состояния музыки, это наличие в нем женского вокала, которого теперь нет. Впрочем, только в одной песне, очень красивой "All The Beauty Twice Again" он точно оправдан, ибо без него песня не была бы такой светлой и обнадеживающей, одновременно с неумолимой грустью. В остальных есть впечатление, что они могут существовать и без него. Не длинные композиции, достаточно насыщены, не столь брутальными и четкими риффами, как на последних дисках, но вполне дэтовыми конструкциями с тактовыми переходами из бластбитов, которыми кое-где даже перегрузили композиции. Вполне в духе американцев ударив аккорд сразу же разобрать его на мелодии, чтобы сделать то же со следующим, таким образом внося мелодичность уже в риффы. Выходы под перкуссию с акустической гитарой и говорящим вокалом мягко осаждают и слушателя, ожидающего кульминации и самих музыкантов, с мощным ревом вокалиста, у которых, кажется, вот-вот перехлестнет эмоциональность. Кстати, полный трагики, речитатив Paul Kuhr'а, не просто не раздражает пафосом, как это бывает в таких моментах, а радует искренним чувством тех слов, что произносит его тусклый голос.
Очень, очень красивые и романтичные тексты, вместо страстных словесных блужданий первого альбома группы, и тем более они драгоценны, что самые удачные тексты оказались самыми впечатляющими песнями – "With Rue And Fire", "The Jealous Sun", "All The Beauty Twice Again" и блестящая композиция с прекрасной гитарной мелодией, выходившая даже синглом "For Every Leaf That Falls". В песне "Forever With Unopened Eyes" смягчив звучание, музыканты предстают чистоголосым думом. Самая большая композиция (всего лишь семь минут) самая атмосферная – "Suffer The Red Dream" с акустическими проигрышами, фоновыми женскими распевками и металическим началом. Акустические части, кстати, неуловимо напоминают что-то из Tiamat среднего периода. Самая жесткая, "Reaping The Forests Calm" больше смахивает на Opeth, чем на что-то еще, как и девятая композиция – "Dawn Breaks".
К переизданию был серьезный подход, хотя бы потому что, музыканты прошерстив ряды песен выкинули оттуда одну из первичного трек-листа, перезаписали песни и внесли бонусами, одну неизданную – Serenity Remembered, эдакий короткий переходик и две мягкие версии "For Every Leaf That Falls" и "Forever With Unopened Eye", по сути акустические. Был переработано оформление диска, но вот тут, я не понял глубокого смысла – если внутренности буклета выглядят хорошо и гармонично, то обложка, изначально не самая лучшая, была лишь доработана, надеванием на кукловода противогаза, что еще больше испортило ее, и лишило всякого оправдания, нахождения этой иллюстрации в заглавии этого альбома.
Красивый и впечатляющий альбом одной из ведущих дум-дэтовых американских групп в качественном переиздании ни капли не опоздавший во времени, и пугающий только оформлением. Да еще с типично думовой добавкой – почему-то думстеры всегда любят добавлять иные версии песен к переизданиям. Мои рекомендации.«
Первый альбом американцев, также ремастерированный и переизданный с дополнением из двух демо "Scabs" и "Her tears drop" в значительной степени отличается от последователя, поменявшегося местами в порядке прослушивания этих дисков. Но это даже к лучшему. Менее "знакомый" Novembers Doom, местами близкий к дэту, а еще ближе к первому релизу Anathema, был бы неожиданным, без плавного перехода к нему.
Древний и сырой дум с элементами дэта, а местами я склонен назвать это медленным дэтом, где нет знакомой нам мягкости в риффах с включением мелодики в них. Звук американцы не стали осовременивать, чем сохранили особенную привлекательность своих истоков – хриплые, сырые гитары, среди которых находится значительно меньше места акустической сестре, зато там, где она есть ("Amour Of The Harp"), песни становятся еще мрачнее и... ярче. Все девять песен написаны приблизительно в одной манере, но выделяются "Bestow My Desire" и "Chorus Of Jasmine" с интересными мелодическими решениями посреди океанов безнадежности и первобытного однообразия (в хорошем смысле). Если искать в этом альбоме что-то, то искать в основном сухие риффы, на которых в основном и построена музыка, практически без соло или развитий с одиноким исключением, подтверждающим правило – акустической балладой с женским "у-у-у", "Dance Of The Leaves". В некоторой степени такая музыка сейчас анахронизм – молодые группы не могут даже помыслить записаться с такими звонкими и бьющими по частотам барабанами и, употребляя в пищу, только ритм гитару. Вокал практически весь представлен брутальным гроулом, который изредка сменяется нарочно завышенным чистым мужским голосом, звучащим отдельно от музыки и еще более высоким женским вокалом, не оформившем достойное представительство на этом диске, да и в будущих релизах, собственно говоря, тоже.
С каждым добавленным в бонусы демо, звук уходит еще дальше в глубину веков – так второе, звучит реально, как сырейший мрачный медленный дэтище самого начала времен – очень пробирает. Возрастают скорости и брутальность, музыка лишается последних капель романтики, восставая монолитным серым камнем на холодной земле.
У этого релиза, значительно удачней вышло новое оформление, сменившее очень похожее на Dismember обложку, на художественно привлекательную физиономию-маску и буклет с фотографиями молодых участников группы. Тексты, на мой взгляд, еще не так искусны в описании собственных чувств и ощущений, теряясь между страстными опусами и пространными символическими зарисовками. Не самый удачный результат, с упором на слово "теряясь".
А в итоге у нас на руках 70 минут опоздавшей истории, ибо, когда этот альбом вышел, их коллеги уже эволюционировали в новые формы, но и путь американцы избрали иной для своей эволюции. Для тех, кому интересно самое начало, неряшливое, грубое и искреннее, ну и для коллекционеров.«
Devian определенно поработали над собой, сделав выводы из своего явно неудачного дебюта. Во-первых, сделали нормальный и внятный саунд, благодаря участию вездесущего Питера Тагтгрена. Ну а во-вторых, наклепали наконец-таки неплохих цепляющих трэков, вобравших в себя злобу шведского блэка, лихость трэшевого чеса и чуть ли не хэви-метальный мелодизм. Более того, прогресс в создании интересных трэков настолько очевидный, что даже не верится – всего пара-тройка проходных вещей на альбоме. Первые же три – "Mask Of Virtus", "Assailant", "The Unspoken" – вообще безоговорочные хиты. Несколько неудачным кажется мне применение чистого вокала ввиду его какого-то бессилия, что порядком портит впечатление. Зато все скоростные моменты хороши без исключения, ибо на этот раз Devian удалось вобрать именно самое лучшее из положенных в музыку составляющих и блестяще все сбалансировать. Если команда на этом не остановится, продолжая прогрессировать, то следующий релиз обещает быть просто бомбой! Ждем-с.«
Как только классика, словно пресловутое лохнесское чудовище, скрывается под водой и уходит на глубину, на поверхности деликатной рябью появляется ретро. Мода на олд-скул – явление непреходящее. Она вроде истины из "Секретных материалов" – всегда где-то рядом. Шведские волчки четыре года вертелись поблизости от музыкальных подмостков, принюхиваясь и выслеживая добычу, да ещё полдекады пытались выйти на проектную мощность. Десятилетие с момента своего вступление в период половой зрелости в 1999 году квартет пытается изобрести прошлое, увиваясь за классическим хэви-металом, пусть с современным звуком, отлично спродюсированным и, наконец, окрепшим, обросшим мясом и мышцами. До "The Black Flame" (2006) их название ещё могло раздражать в ряду десятка одинаковых "вульфов" со всего света. "Ravenous" доказывает, что задорнее и драйвовее их вряд ли возможно играть современный материал в столь античном стиле. И каждая их нота – лишний показатель того, что "хорошо забытое старое" – не всегда лубок, копирка, банный лист. Главное – идти, а куда, не столь важно.
Переоценивать "Ravenous" также опасно. Скандинавы скорее ремесленники, чем мастера, но приличный запас прочности заставляет говорить о постоянстве их позиций. Смена ритм-секции не особо сказалась на звучании, разве что ударные партии выглядят не столь уверенно, как у Тобиаса Келлгрена. Музыканты по-прежнему стоят на трёх китах – Iron Maiden, Judas Priest и Saxon, позволяя остальным вдохновителям вроде Running Wild или Mercyful Fate лишь изредка совать свой нос в дела. Wolf не гонятся за скоростью, эдаким трендом последних лет в мире – большинство вещей опять среднетемповые, с простыми аранжировками и доходчивой манерой подачи. В этом плане с предшественником практически нет особых различий. В центре гитарный дуэт Йоханнеса Лосбэка и Никласа Столвинда, который ещё и заправски голосит. Среди неотъемлемых плюсов – талантливый винегрет из до боли знакомых мотивов, лёгкость восприятия и пара хитов по типу вступительной "Speed On". В пассиве – явно выраженная старомодность, на которой парни в основном и выезжают, местами намеренно погашенная энергетика и заглавный трек, который кажется чуть ли не худшим на пластинке. Но если за неимением гербовой бумаги писать на обычной, то в 100-тысячном Ёребру мастерят практически безупречный олд-скул, которого иногда так сильно не хватает.«
2009-й – неплохой годок для переоценки нажитого непосильным трудом в крошечной коммуне Брунек, что в итальянских Альпах. Мощнейшее слюноотделение и страшнейший ажиотаж, сопровождающий макаронников в их студийных бдениях, в очередной, уже как минимум третий раз закончились обильными плевками. По ходу дела какие-то шутники в сети под видом "Diabolical Figures" выложили Надежду Кадышеву, после чего у особо суеверных началась паника. Свежак от могильных червяков местами резко советует лучше послушать "Золотое кольцо", чем очередную несвязанную массу нагроможденных элементов от распиаренных "поп-блэкеров". При их потенциале, который проклюнулся на атмосферном и эмоциональном диске "Scourge Of Malice" (2001), новинка смотрится, словно продюсерский заказ, работа на массы, но никак не рефлексия, самокопание, дорожка в сторону минимальной эволюции. И желание как обычно резко ограничено возможностями – потаскать за вихры лысую деваху труднее, чем ту, что с косой до пояса. У Graveworm опять практически не за что ухватиться.
Итальянцы многим полюбились за счёт атмосферы и умения смешивать мелодик-блэк с готическим металлом в правильных пропорциях. От "чернухи" они постепенно стали уходить в сторону дэтовой первоосновы, и здесь началась ломка настроений, которая в конце концов довела до крайности. "Диаболические фиги" не столько надоедливы и бесталанны, сколь однообразны и монотонны. Будто конвейер секстет выдаёт плавный, размеренный, прямой, как немецкий автобан, материал без свежих идей, реминисценций и креатива. Быстро набивают оскомину стандартные клавиши (разве что "New Disorder" как-то смягчает падение), звучание конъюнктурно до жути, а ни одного насущного хита под стать древним любимцам здесь нет. По самоотдаче и проработке червяки нисколько не продвинулись по сравнению с посредственным "Collateral Defect" (2008), по свежести восприятия – дедушка Ленин в мавзолее и тот моложе выглядит. Несколько опрятных вещей вроде "Vengeance Is Sworn" и "Forlorn Hope" с участием Карстена Йегера, лица и голоса Disbelief, не компенсируют стандартную кашу из симфоники, хрестоматийного рыка вперемешку со скримом и слабых по всем статьям мелодий. Даже привычный кавер (на этот раз обкорнали The Police 1979 года выпуска) звучит как-то натянуто, мутно и вяло.
Макаронники после своей стилистической трансформации, последовавшей за "Engraved In Black" (2003), получили уже столько авансов, что их предприятие больше стало походить на финансовую пирамиду. И "Diabolical Figures" только укрепляет в этом мнении. На вопрос о том, сколько можно выезжать за счёт собственного музея мадам Тюссо, они и сами не ответят.«
Знойная, весьма симпатичная греческая блондинка, воспылала любовью к скандинавской мифологии, в которой (как и в любой политеистической религии) находит много созвучного и сюжетно схожего со своей античной верой. Но если поглядеть на ее список групп, в которых она участвовала, можно прочувствовать сонм этих названий, даже Lloth (раннее название известной женской группы Astarte) чтобы понять что она в целом не новичок. В становлении этого проекта начатого собственными усилиями (собственно первый альбом, выложенный по идее, хотя я не нашел, на официальном сайте для свободного скачивания, был выпущен на собственные средства) ей в данном релизе помогли наш лейбл и наш оформитель, плюс несколько гостевых музыкантов, помогших даме с гитарами, басом и немного вокалом. Из всех выделю W.Smerdulak, который нарисовал отличный буклет и иллюстрации, правда, сколько ни гляжу на обложку, все время кажется, что буклет куда-то пропал и вижу уже диск...
Кем инспирирована музыка проекта, можно ясно увидеть, поглядев в конце трек-листа на две перепевки "Havamal" Falkenbach и "Ring Of Gold" Bathory. Собственно в таком, текучем, похожем на Falkenbach духе и протекает основная часть альбома, склонная больше даже не к викингу, а к фольклорной готике с отчетливым вкусом викинга – или я это так из-за непривычных женских вокалов на всем протяжении? Мягкие, собранные в жужжащие торжественные риффы гитары вдали (когда они есть), и размеренная драм машина окутаны огромным количеством клавиш и женских многоголосий в фольклорном стиле, на которых построена вся мелодика. Оболочка так плотна, что даже лидирующего вокала становится не слышно, и все чаще кажется, что она подвывает, а текста толком и нет. Даже в куплетах она использует то же самое многоголосье, что может говорить или о собственной стилистике или о слабом голосе. Местами композиции интенсифицируются путем наслоений более мощных барабанных партий или выдвижением вперед нормальной гитары, но большая часть альбома проходит в гнетущей динамику дымке притушенного звучания. Ловлю себя на мысли, что это не метал вовсе, а dark wave с мотивами викинга, настолько вялы заваленные женскими голосами и синтезаторами аранжировки. Есть подозрение, что ей стоит попытаться писать саундтреки к фильмам мифологической скандинавской направленности.
Самые заметные вещи с альбома это "Father and Son" и "To Wallhall Shall meet" – все остальные песни не вызывают никаких эмоций (ну еще неплохо ввернута соло-гитара на "Shield Brothers Of Valhalla"). Эти единственные имеют четкую мелодическую линию, своеобразную динамику и какую-никакую мощь даже приправленную гитарными партиями, и... опять же больше похожи на специфический dark wave. Собственно и в смысловом плане, только они имеют хоть какое-то значение, ибо поэзия у дамы вышла ни к черту, в пересказчики Эдды она не годится. Кавера, в особенности второй, включать вообще не стоит, потому что с попыткой спеть мужские партии, наша Валькирия становится смущающе странна. А вот, в обожаемой песне Falkenbach, она постаралась, не отступая сильно от оригинала, внесла свои распевки, удачно.
Своеобразную атмосферу и локальный интерес эта женская one-woman band создает и вызывает, но не поддерживает его на протяжении диска, выпадая в достаточно блеклый фоновый материал. Но девушку можно уже похлопать по плечу и показать большой палец, хотя бы, потому что она сварганила такое практически в одиночку, и, судя по ее же словам, делает этот проект лишь только для морального удовлетворения. Пусть это уже и второй блин, проблески на пластинке есть, так что будем надеяться, что она нас еще удивит, морально удовлетворяясь.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
