Финская команда с каким-то неповоротливым и тяжеловесным названием "Камень" является одной из самых старейших формаций наших географических соседей. Группа появилась в 1985 году, когда современные звёзды уровня CoB и Nightwish только проводили тестовые попытки перемещаться вертикально. Основали этот состав вокалист Янне Йоутсенниеми и Роопе Латвала. Если имя первого мне ничего не говорит, то Роопе на данный момент является одним из самых востребованных финских музыкантов – Children Of Bodom, Sinergy, Warmen, Waltari, Sinergy, Nomicon, etc. Также стоит упомянуть участие драммера Пекки Касари, в дальнейшем переместившегося за ударную установку в Amophis. Эдакая кузница кадров.
Пластинка "Emotional Playground" впервые вышла в свет в 1991-ом году, ныне же есть возможность услышать её благодаря переизданию ремастированной версии, которую делал никто иной, как Микка Юссила. Пресс-релиз обещал быстрый и забойный спид-трэш и с этим я не могу полностью согласиться. При многократном прослушивании диска у меня в голове навязчиво крутился колхозно-коммунистический лозунг "хочешь быть передовым – сей квадратно-гнездовым". Вот и диск оставил какое-то "квадратно-гнездовое" впечатление – сложилось ощущение, что группа, может быть, и пыталась играть что-то жёсткое и быстрое (по крайней мере, в инструментальных проигрышах соответствие пресс-релизу встречается неоднократно), но вокалист, чей голос более подходит, на мой взгляд, какому-нить думовому проекту, гасил эту скорость и вносил что-то мрачное, каменное и монолитное, более соответствующее раннему Black Sabbath. И название диска тоже не очень-то соответствует содержимому – каких-то особых эмоций "Emotional Playground" у меня не вызвал... Ни положительных, ни отрицательных, поэтому и оценка довольно усреднённая.«
Признаться, я очень люблю этот альбом и отнес бы его к разряду "классики". Но я постараюсь быть объективным и по возможности не предвзято отнестись к оценке этого альбома. После четырех лет молчания, с 1991 г, появился диск "Ночь Короче Дня". Сразу отмечу, что в группе произошла очередная смена состава: место гитариста Сергея Маврина занял его тезка Терентьев. Несомненным плюсом этой записи является ее целостность, некая особая, царящая во время прослушивания, атмосфера. Единственное, быть может, пятно, которое несколько разрывает эту целостность, так это песня "Уходи И Не Возвращайся", сделанная больше в хард-роковом ключе. Да и тематика этой песни была совсем не характерна для первых пяти "арийских" альбомов. Тем не менее данный альбом подарил нам такие хиты, как "Ангельская Пыль", балладу "Возьми Мое Сердце", которую Кипелов поет там, что душу рвет на части. Они-то и стали самыми известными песнями данного альбома. Оставшиеся шесть слушаются не менее приятно, а это и вступительная "Рабство Иллюзий" и следующая за ней "Паранойя" с как всегда поражающей воображение лирикой Маргариты Пушкиной. И энергичная "Король Дороги", под которую, как и герою песни, хочется безумно мчаться в ночь. И "Зверь" про красавицу и чудовище. И традиционный "арийский" номер "Дух Войны". Великолепна и завершающая композиция "Ночь Короче Дня". В общем красота да и только! Вокал Валерия звучит великолепно (к сожалению, эта запись стала последним "арийским" альбомом, показывающая всю красоту и мощь вокала Кипелова – на следующем диске вокал заметно "сядет")!
Все хорошо, но есть одно "но". Почти все мы это уже слышали. Где? Да-да, именно! У Iron Maiden. Очень много заимствованных тем у британцев, причем все с альбома "Fear Of The Dark" 1992 года. Если бы не этот фактор, то вполне возможно альбом заслужил бы статус "классика", а так – только "пять".«
Четвертый альбом "арийцев" по праву заслужил статус классики российского хэви-метал. На данном альбоме группа предстает перед нами во всей своей красе. Классический состав: Валерий Кипелов – вокал, Сергей Маврин и Владимир Холстинин – гитары, Виталий Дубинин – бас и Александр Манякин – барабаны. Семь мощнейших песен, семь произведений, которые просто необходимо услышать. Те, кто этого не сделает, многое потеряет. Песни "Раскачаем Этот Мир", "Бой Продолжается" поражают своей энергетикой. Они несут такой огромный заряд драйва! Лирическая "Искушение" величественно красива. "Что Вы Сделали С Вашей Мечтой?", "Раб Страха" – извечные размышления о Добре и Зле. Давшая название альбому монументальная "Игра С Огнем" длится девять минут, и это так мало! И в конце концев завершающая альбом на мажорных нотах "Дай Жару!". Альбом длится чуть меньше 40 минут, и эти минуты проходят, к сожалению, так быстро, а хочется еще и еще! Пускай говорят, что Ария – клон Iron Maiden, что Ария ничего не дала нового своей музыкой. Нет! Это не так! Кто хочет, пускай и дальше поливает грязью группу, но АРИЮ любили и будут любить тысячи поклонников на всем постсоветской пространстве. А данный альбом не получает никаких оценок – это КЛАССИКА!«
Когда в январе 1987 года от Арии откололась бОльшая часть музыкантов, которые образовали Мастер, многие думали, что на этом группе придет конец. Но нет. Ария не только не прекратила своего существования, а собрала новый состав и продолжила свое летоисчисление. Что ж, смена состава явно пошла группе на пользу. Так, плодом общих усилий музыкантов и поэтессы Маргариты Пушкиной на свет появился культовый альбом группы "Герой Асфальта", хотя изначально и назывался по первому треку "На Службе Силы Зла". Но ведь дело было в СССР и, побоясь такого "грозного" названия", с молчаливого согласия музыкантов фирма "Мелодия" переименовала его по своему усмотрению. Перейдем к музыке. Вступительная фонограмма в исполнении Робертино Лоретти "Санта Лючия" открывает диск и переходит в скоростную "На Службе Силы Зла". Далее вас атакуют байкерская "Герой Асфальта", "Мертвая Зона", "Тысяча Сто", балладная "Улица Роз" и, наконец, "Баллада о древнерусском воине". Шесть песен – шесть хитов, которые просто не смогут оставить равнодушными. Песни с этого великолепного альбома присутствуют на всех концертах АРИИ без исключения. "Герой Асфальта" заслуживает только самых высоких похвал. Классика российского хэви! Бесспорно.«
К записи второго альбома "арийцы" подошли в несколько обновленном и доукомплектованном составе. Во-первых, был взят второй гитарист, необходимый для ведения концертной деятельности. Им стал Андрей Большаков. За барабанами Александра Львова сменил Игорь Молчанов. Остальные музыканты прежние: Владимир Холстинин – гитара, Валерий Кипелов – вокал, Алик Грановский – бас. Ну, с составом группы разобрались, теперь переходим к музыке альбома "С Кем Ты?". Что можно по этому поводу сказать? Если первый альбом был больше пропитан духом Iron Maiden, то второй уже – Judas Priest (сравните "Встань, Страх Преодолей" и "пристовскую" "Jawbreaker" с альбома "Defenders Of The Faith"). Видимо, сказалось влияние новых музыкантов. Ведь духовный лидер Арии Владимир Холстинин, каковым его сейчас принято считать, не участвовал в написании ни в одной из восьми композиций. Хиты "Воля И Разум" и "Встань, Страх Преодолей", а также песни "Икар" и "Игры Не Для Нас" были написаны новым гитаристом Большаковым (не без помощи упомянутых британцев, очевидно). Одну и единственную на альбоме балладу сочинил Кипелов в соавторстве с тем же Большаковым.
Заглавная песня альбома "С Кем Ты?" и "Здесь Куют Металл" принадлежат басисту Грановскому. Также он написал инструментал – басовое соло "Память О...".
В общем и целом альбом заводной. Слушается приятно, хотя местами забавно: присутствуют перлы типа "Это вам не чепуха, здесь куют металл...". Но спишем этот недостаток на время, когда он вышел. Далее история известна: в данном составе группа просуществовала недолго, и распалась на две части, одна из которых стала группой Мастер. Но это уже другая история, а этот альбом получает от меня четыре балла.«
Дебютный альбом легенды российского хэви-метал был назван, как вы можете видеть, очень даже "скромно". Но в свое время эта "скромность" произвела немало шума в специализированных кругах. Ведь это был прорыв! Первый альбом российского, тогда еще советского, хэви-метал! Позже, в 1988 г., на гастролях в Германии Арию окрестили "Советский Iron Maiden", но, видимо, отечественные металлисты сделали это раньше. Материал альбома заключает в себе 7 песен и одну инструментальную композицию, давшую название альбому. Этот инструментал стал своеобразным "арийским гимном". Диск нам подарит такие нетленные хиты как "Тореро", "Волонтер", балладу "Мечты". Признаться, некоторые песни по современным меркам звучат довольно забавно, а именно "Позади Америка" и "Жизнь задаром". Но принимая во внимание, что, во-первых, времена тогда были другие, а во-вторых, это все-таки дебют. Альбом производит приятное впечатление, создает немного ностальгическое настроение по тем временам. Я считаю, что любому коллекционеру рока просто необходимо иметь данный диск хотя бы потому, что это первый образец российского хэви-метал. И причем совсем не плохой. Классика!«
Неожиданно свалившаяся на мой город тридцатиградусная жара с непривычки вызывает противоречивые желания: с одной стороны ощущение лета с еще не ушедшим дурманящим запахом весны зовет на улицу, с другой же – достаточно часа пребывания на оной, как организм начинает требовать поместить его в тень, окатить из прохладного душа и угостить холодненьким пивком. Лишь одно стремление стабильно и непоколебимо – стремление усладить собственные уши качественной музыкой, желательно дэсухой. И тут новый Avulsed катит для такой погоды в самый раз. Тем более, что сами музыканты из солнечной Испании, а мастеринг делали в солнечной Флориде, так что энергии на диске двойная доза! :-)
За свой уже не маленький творческий путь, Avulsed наваяли немало работ, прослушав который нельзя сказать, что ребята стремились мощно развиваться, вдаваясь в эксперименты. Конечно не считая релиз "Cybergore", о котором я достаточно наслышан, но ознакомиться, увы, пока не довелось. Грубо говоря, ребята топтались на одном месте, хотя может это и к лучшему. Тем не менее, "Gorespattered Suicide" получился довольно сносным. Пусть альбом не удивляет ничем новым, но он вполне способен раскочегарить атмосферу до температуры, близкой к адскому пеклу.
Пластинка содержит двенадцать разноплановых композиций, от скоростных боевиков, до среднетемповых и медленных номеров с клавишами – добротный дэт-метал с глубоким гроулингом, плотными гитарами, мелодичными соляками. Как и на предыдущем диске "Yearning For The Grotesque" в композиции "Divine Wine" на фоне рубящего музона появляется акустическая гитара, наигрывающая близкие сердцу настоящего мачо испанские мотивы... Но это так, лирика. Больше таких моментов нет, только дэт и ничего больше. То быстрый, то медленный, но всегда мощный и забойный. Завершает альбом кавер-версия моторхедовской песни "Ace Of Spades". Честно говоря, меня не очень впечатлило – очень тяжелые гитары многие моменты превратили в кашу, да и слушается в целом неповоротливо, в результате чего знаменитый хит растерял весь свой задор. Да, оценка не самая высокая, но она отражает, пожалуй, все творчество Avulsed, ибо супер-пупер высот они не достигали. Не достигли и в этот раз. "Gorespattered Suicide" – альбом для тех, кто не парится (хотя бы иногда) по поводу интеллектуальной загруженности музыкального материала. Лично я потраченных денег не пожалел. Да здравствует здоровый угар и расколбас! Да здравствует лето!«
Финики всякие нужны, финики всякие важны... Встречайте очередной состав от наших северных соседей. Только не перепутайте с соотечественниками, которые произносятся также, а пишутся несколько по другому и базируются в Нижнем Новгороде. "Cycle Of Zero" – вторая пластинка пятерых хлопцев, на которой они не стали изобретать велосипед, а пошли по достаточно выигрышному пути. Многочисленные группы (это касается любого направления), как правило, обязательно похожи на своих более умудрённых опытом братьям по стилю и, соответственно, зачастую используют этот самый опыт – кто-то просто передирает ходы и мелодии, кто-то пытается внести что-то своё. Диверсанты решили не ограничиваться одним стилем, а объединили на диске, как минимум, четыре разных направления. Причём, достаточно органично объединили. Но обо всём по порядку.
Первая песня "Of Steel And Man" начинается, как одна из композиций Children Of Bodom – быстрая, жёсткая, с хорошей мелодикой и скримующим вокалом. Вторая вещь "Iron Hearted Cross" меняет направление диска градусов так на сто восемьдесят – среднетемповый готик-метал с примесью пауэра в духе Nightwish, разве что вместо Тарьи мужик поёт, зовут его Юри Аарнива. Третья вещь (на которую снят клип, присутствующий на диске) "Overwhelming" – продолжение логической линии первой композиции, разве что с добавлением чистого вокала. Следующий трэк "Cycle Of Zero" – смешение мрачноватой готической меланхолии и всё тех же Бодомцев. "Underground" – запоминающийся припев, упор на чистый вокал и спокойную, красивую мелодику, хотя и без околодэтового угара (привет шведскому MDM'у) не обошлось. Шестая композиция "7.62" – упор на готику с перерывами на мелодик-дэт, отчасти напомнивший мне песню "Cold Black Days" Atrocity с их последнего диска. Хотя это сравнение достаточно условно... "2nd Ghost" – хорошая драйвовая вещь с тяжёлыми, плотными гитарами и мелодичным припевом. Предпоследняя песня "Start At The End" – чистейшей воды лав-готик-метал, юные поклонницы H.I.M. рыдают и рвут лифчики на только формирующейся груди. И, наконец, "закрывашка" "God For Gold" – опять-таки что-то из репертуара Nightwish с вкраплениями надрывного рёва.
В общем, как видите, ничего особо нового и оригинального, но особо ругать финнов почему-то не хочется. Надо отдать должное – "Cycle Of Zero" скучать не даёт и слушать я этот диск время от времени буду. Чего и Вам желаю.«
Lichtgestalt. Creature of Light. Существо, принадлежащее свету. Не слишком ли странное метафорическое название для произведения группы, весь смысл и миссия которой вещать о грустном и заставлять задуматься о вечных ценностях, погребённых под лоском повседневного и современного музыкантам европейского общества? Не заключен ли в нём столь ярко выраженный контраст между словесным определением и пепельно-серым оформлением работы, палитрой, от которой авторы отходили лишь однажды, обогатив пуританскую, но столь привлекательную и на сто процентов оправданную цветовую гамму бледным оттенком жёлтого – цвета болезни? Неужели падший ангел (или не ангел это вовсе?), опирающийся коленями на мёртвый, как серая мгла за его спиной, камень – то существо, принадлежащее свету? Свету, которого в этой картине безысходности просто нет. И что символизируют неброский колпак и клетчатый балахон, лежащие на краю обрыва, вещи, являющиеся одеянием клоуна, символа Lacrimosa, который сопровождал нас в путешествии сквозь года? В 1985 году другой клоун, яркий и печальный, символ арт-роковой легенды Marillion, выпрыгнул в окно на обложке альбома "Misplaced Childhood" и в следующий раз в оформлении не появился. Не тоже самое пытается донести до нас Тило Вольф, творец глубокого и потрясающе чувственного мира Lacrimosa? Ответ мы узнаем лишь через несколько лет. Все остальные вопросы требуют от вас лишь одного – закрыть глаза и погрузиться в волшебные звуки "Lichtgestalt".
Постепенно, по мере творческого взросления и музыкального возмужания, Тило Вольф стал всё дальше углубляться в дебри настроенческих лесов и всё более настойчиво декламировал намерения создавать музыку в лишь ему доступном стиле. Последние две пластинки автора, "Fassade" (2001) в чуть меньшей степени и "Echos" (2003) в большей, трудно было отнести к стилистике gothic metal (или даже dark gothic rock, если мы говорим о работах вроде "Stolzes Herz" и "Stille", 1996 и 1997 годов соответственно), в рамки которой Lacrimosa регулярно попадает. Немецкая группа, кроме её идеолога вмещающая в себя лишь клавишницу Анну Нурми, всё больше и больше уходила в оркестровую музыку. Впрочем, ничто не вечно под луной – раз короли симфо-металла Therion выбрались из чрезмерно академической ямы, выпустив "Sirius B" и "Lemuria" (оба – 2004), то и их стилистическим побратимам из Lacrimosa это по силам. В нынешних условиях, имея на то все ресурсы, Вольф с момента выхода "Elodia" (1999) продолжает играть величественный симфонический готик-эмбьент с роковыми и металлическими атмосферными структурами. На "Lichtgestalt" в его музыку вернулись отличные эффектные риффы разных направлений и различной тяжести.
Начало первой темы, "Sapphire", не предвещает особых трансформаций – красивое, угадываемое с первой ноты, атмосферное полотно с участием лишь пары классических инструментов и приятного голоса Тило Вольфа. Где-то по середине трека в игру вступают вполне себе металлические риффы, отлично подходящие под окружение, и из симфонического эмбьента вещь мгновенно превращается в тяжёлый оркестровый металл наивысшей пробы. Гитарами на записи по традиции заведует звукоинженер работ Lacrimosa Ян Петер Генкель, мастер на все руки, так что о качестве звука и исполнения шестиструнных партий можно не беспокоиться. В сущности в любом из возможных планов – и мелодически, и атмосферно, и исполнительски – "Lichtgestalt" безупречен, что не вызывает уже никакого удивления. Lacrimosa есть Lacrimosa, своеобразный знак качества готового продукта. В отличие от "Echos" здесь даже посудачить не о чем – каждая тема сбалансирована до мелочей и не содержит ничего лишнего несмотря на то, что две из них превышают непривычные для готик-металлистов 10 минут. "Sapphire", "Kelch Der Liebe", "Lichtgestalt" завораживают глубиной настроений и проработкой атмосферы, но здесь вы не найдёте никаких попыток сделать запись масштабной ради самой масштабности. Если на треке требуется оркестр, то он тут как тут (один из них, кстати, из Минска и связан с Виктором Смольским, гитаристом Rage). В противном случае обойдёмся парой-тройкой классических инструментов. Заканчивается более чем часовая пластинка фундаментальным и достойным outro на 13 минут, лирика которого любезно позаимствована из книжного бестселлера всех времён и народов – Библии.
Рекомендовать новый альбом Lacrimosa бессмысленно – любители музыкальной готики, наверняка, сметут коробки с полок магазинов в одночасье. С другой стороны, я отношусь прохладно к готической музыке, но каждая работа Тило Вольфа вызывает в душе лишь восторженные чувства. Идеальный симфонический металл!«
And one by one we crawl, and two by two
Into the mouth of madness, we seek the perfect view
We reach another turn then fall out of time
In organized chaos, evolution 169.
Художественные оформления Трэвиса Смита, во многих случаях симптоматичные и до предела эфемерные, оставляют широкое поле для восприятия и трактовки. Они, как медицинская карта нервнобольного, наполнены фактами и домыслами, истинными воплощениями реальности и сказками, выпестованными в сознании (или в бессознательном состоянии) маньяков или извращенцев. Сотни деталей переплетены в каком-то дьявольском танце, который извергает таинственный символизм на просторы буклета в строгом соответствии с задумками авторов работы. Талантливые и иррациональные стихи Воррела Дэйна и потрясающе проникновенная музыка Джеффа Лумиса находят подтверждение в пляске виртуальной кисти Смита, что увеличивает глубину восприятия. Вспоминать о прошлых заслугах Nevermore и смаковать успешные попытки формирования своей творческой идентичности тем более приятно, если учесть, что нынешний вариант группы не блещет в любом смысле этого слова. Последняя пластинка "Enemies Of Reality" (2003), вооружённая однообразными риффами и льтернативно-невнятным звуком, провалилась по всем статьям. Жаль, искренне жаль. А ведь ещё за три года до этого, когда из мастерской в свет вышел "Dead Heart In A Dead World" во всём своём великолепии, ничего не предвещало такого невнятно продолжения. Воистину музыкальные пути неисповедимы...
Эта запись великолепна и удивительна от первого риффа и до последнего аккорда. Одиннадцать безупречных глав, выдержанных в едином стиле, имя которому Nevermore. Ни одна из доселе изданных коллективом из США работ не была настолько проникновенной и не сияла столь идеальным балансом между изящной мелодикой и мощной риффовой структурой. "Dead Heart In A Dead World" – это даже не тот отважный и хлёсткий трэш со щепотками пауэра и прииндустриализированным звуком, какой мы с удовольствием потребляли на (более) ранних работах Nevermore, вроде "The Politics Of Ecstasy" (1996) или "Dreaming Neon Black" (1999). Это настоящий прогрессив-металл, замешанный на трэше и ни на кого не похожей мелодике, ставшей за годы существования команды её фирменным знаком, своеобразным символом. Ни одного лишнего знака, ни единой незначимой ноты или неоправданного мелодического хода – материал сбалансирован на все сто процентов. Ещё одной жемчужиной пластинки является её звук. Изделия британского кудесника Энди Снипа ещё ни разу в жизни не попадали в категорию "средненько" – все его работы, не побоюсь этого слова, просто великолепны. На "Dead Heart, In A Dead World" Снип не только инженирил запись, но микшировал и мастерил оную.
Музыкальная сторона медали дополняется и обогащается нетипичным для стилистических побратимов чистым и нервным вокалом Дэйна и его же тематической лирикой, написанной, что называется, на злобу дня, но, тем не менее, не концептуализированной в угоду каким-то веяниям музыкальной моды. Чертовски талантливые стихи и до предела соответствующие антуражу! В общем и целом, за то время, пока "Dead Heart In A Dead World" пребывает в моей коллекции, данное творение превратилось для меня в нечто совершенно особенное – возможно, настроения и эмоции пластинки попали прямо в сердце и сразили наповал. Фантастическая работа!
And then one day you'll realize
Just a speck in the spectrum
Insignificant, am i?
And then one day you'll realize
The beauty that breaks down
Never learns the reason why«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
