Боюсь навлечь на себя гнев многочисленной армии "тыквоголовых" поклонников, но одну крамольную мысль я все же выскажу: для Helloween было бы значительно лучше, если бы место Энди Дериса за микрофонной стойкой занял бы кто-нибудь другой. Мало того, что этот джентльмен вконец разучился петь (примером чего служит его "работа" на "Rabbit'e"), так еще он, по своей, сути, является самым настоящим ренегатом. В том смысле, что в Helloween он занимается исключительно бизнесом, прекрасно понимая, что с его данными и особенно творческим потенциалом, нормально заработать ему больше нигде не удастся. А здесь есть возможность написать энное количество "песняков" выдержанных в псевдохелловиновском стиле и получить такое же энное (надо полагать, весьма немалое) количество баксов, евро и прочей твердой валюты. В этой ситуации удивляет лишь необъяснимое благодушие и лень Михаэля Вейката доверившему Дерису написание большей части вещей все на том же "Rabbit'e". Что из этого получилось нам всем прекрасно известно.
Когда Дерис выпустил свой первый сольник "Come In From The Rain" который, собственно, и раскрыл всю его попсовую "подноготную", многие, и я в том числе, подумали, что это есть не что иное, как творческие метания великого вокалера, которому тесно существовать в рамках одной, пусть и великой группы. С кем, как говорится, не бывает. Но когда появился его очередной опус "Done By Mirror" тут уже стало не до смеха.
Сольники, как правило, коммерчески убыточны. Их главная задача – продемонстрировать всему прогрессивному человечеству весь тот творческий потенциал, который в силу разного рода причин не удалось раскрыть по месту основной "работы". Так вот, что касается Дериса, то свой истинный потенциал он действительно раскрыл. Обнажился как на стриптизе. Я еще мог с некоторым усилием слушать его опусы, написанные для Helloween, хотя честно признаюсь, они меня всегда раздражали. Потому что все это было наносное, искусственное, совершенно чуждое тому, что когда-то дела эта легендарная команда. Я и понять не мог, почему "Rabbit" получился такой "синтетический"? Ну ладно, ушли Грапов и Куш. (А почему, кстати, ушли? Уж, не в Дерисе ли причина?) И только после недавно услышанного "Done By Mirror" я все понял. Helloween просто был отдан в заботливо-загребущие руки Дериса, а он, душа-человек, и постарался вволю. Однако всем нам неслыханно повезло. Если бы Вейкат обленился окончательно и утратил контроль, нас ожидало бы продолжение "Done By Mirror". Скрипучий голос, заунывные мелодии типа позднего Джона Леннона вперемежку с "Машиной Времени", параноидальные балладки, навевающие мысли о суициде, электронные примочки, призванные опять таки показать "диапазон" великого вокалера, в общем, все то, что абсолютно не имеет ничего общего с той самой группой, где Дерис занимается основным "творчеством". Возможно, я излишне резок, но объясняется это просто: не люблю я слезливо-сопливо-параноидальных попсовых исполнителей. Да и новый, насквозь провонявший Дерисом Helloween мне так же не очень нравится...«
Стал бы мускулистый мачо Джо ДеМайо, создавший некогда целое направление в металлической музыке, продюсировать какую-нибудь попсовую дребедень? Разумеется, мастермайнду великих Manowar и в голову не придет заниматься подобной чепухой. Исповедуя с завидным постоянством на протяжении уже не первого десятка лет приверженность к "истинному металлу", ДеМайо всячески холит и пестует коллективы, стремящиеся исполнять классический хэви без каких-либо особенных ответвлений. Шаг влево, шаг вправо – и "секир-башка" огромным мечом исполинского Вояки. Вот и сейчас откуда-то из недр истории ДеМайо выдернул Дэвида Фейнштейна и предоставил ему роскошную возможность подарить миру все накопленные за долгие годы идеи в области смачного металла с некоторым архаичным хардовым привкусом.
Итак, Дэвид Фейнштейн с оригинальным прозвищем "Rock" некогда значился гитаристом в рядах древней рок-легенды Elf. Когда Ричи Блэкмор покинул "темно-лиловых" с четким намерением создать супергруппу, он по определенному стечению обстоятельств положил глаз на вокалиста Elf Рональда Джеймса Падавону, который, по мнению Блэкмора, был способен заткнуть за пояс самого Гиллана. Как известно, Ричи удалось уболтать Ронни (который превратился в Дио), но и остальные музыканты Elf также перебрались в новоиспеченный коллектив Блэкмора. Только бедному Фейнштейну места не нашлось – ибо в Rainbow должность гитариста уже была занята самим "человеком в черном". Так и мыкался Давид в поисках личного творческого счастья, пока в 80-х не создал довольно успешный проект The Rods, ставший впоследствии легендой ньюйоркской тяжелой сцены благодаря совместным выступлениям с Virgin Steele Anthrax, Megadeth и Manowar. Именно тогда и познакомились Фейнштейн с ДеМайо, что предопределило дальнейшую возможность выпуска сольного альбома гитариста.
Спустя годы, Дэвид все еще полон творческих сил и зажигательных идей. Исходя из модных тенденций обзывать камбэковые или сольные проекты по собственной фамилии или имени (вспомним Halford, Blaze, Kans, Kotipelto и т.п.), легендарный гитарист выпустил свой первый сольный альбом "Third Wish" под маркой Feinstein. И если раньше многие песни Дэвид исполнял сам, то на сей раз решил пригласить более голосистого сподвижника. Им стал никто иной, как сам Джон Уэст, временно оставшийся не у дел из-за полуживого состояния Royal Hunt и затишья в стане Artension. Вокалист, поющий одновременно в двух конкурирующих друг с другом коллективах, управляемых клавишниками с русскими корнями, не преминул воспользоваться возможностью попрактиковаться в пении хэви-металлических боевиков классического направления. Забавно, но, несмотря на то, что у Джона красивый и самобытный голос, все-таки по-настоящему подходящего места ему пока так и не нашлось. Как бы хорошо не звучали последние релизы Royal Hunt, все-таки D.C.Cooper был лучше. В Artension вроде бы все хорошо, да и не с чем сравнить – других вокалистов там не наблюдалось пока, но все равно чего-то не хватает. Сольники Уэста, сделанные в хардовой манере, так же не способны до конца раскрыть его способности и полноценно утвердить на свое место. На альбоме "Third Wish" ситуация немногим лучше: Уэст поет проникновенно, уверенно и мощно. Но как-то не совсем в тему что ли. Халфорд, Дио или Диккинсон наверняка спели бы лучше. Короче говоря, вокальные партии не супер, но на твердую четверку потянут.
А что же сам Фейнштейн? Играет этот почтенный дядечка очень даже ничего, нарезая неплохие соло-партии, отдающие классическим душком 80-х. Риффы Дэвида непременно вызовут кучу ассоциаций с нетленными хитами вроде мейденовской "Two Minutes Of Midnight" (обязательно стоит послушать "Masquerade") или "Holy Diver" (рифф в "Far Beyond" – точная копия классического шлягера Ронни Дио). Ритм-секция не отличается особым изяществом, создавая необходимый ритмический фон. Сами композиции выстроены по классической схеме: заводное вступление, куплет, забойный припев, смачный проигрыш и так далее. Десять треков на альбоме – среднетемповые хэви-номера, а одиннадцатым идет инструментал "Inferno", где Дэвид демонстрирует то, как он может в одночасье стать Ричи Блэкмором двадцатилетней давности.
В целом песенки получились весьма запоминаемые, хотя и лишенные какой-либо оригинальности. Отличить "Third Wish" от сотен или даже тысяч альбомов подобной стилистики, выходивших с середины 80-х, можно лишь по необычной манере пения Уэста, неплохому современному звучанию (низкий поклон ДеМайо) и лишь изредка встречающимся оригинальным фишечкам. А вот полностью от руки рисованная художником обложка, изображающая коварного драконообразного джинна из лампы (вероятно, именно он призван исполнить "третье желание"), как раз наоборот роднит работу Фейнштейна с лучшими пластинками "золотого" периода мелодичного металла.
Итого, мы имеем весьма крепко сработанный набор мощных композиций на стыке классического хэви-металла и мелодичного хард-рока в духе Rainbow, Whitesnake, Dio и Iron Maiden. Произведения на "Third Wish" не обладают какой-либо оригинальностью и не претендуют на звания мегахитов. Это просто очень хорошая пластинка для ценителей "истинного" металла. Того самого, которое потом и кровью пробивает сквозь нескончаемую завесу попсовой мглы мускулистый мачо Джо ДеМайо.«
Если хорошенько присмотреться к библиографии из моих рецензий, можно заключить, что подобная презентуемой этим обзором музыка никогда не была привлекательной для моих вкусовых рецепторов. Так сложилось, что брутальное месиво, полное идеологии – как правило, жёстко ориентированной на политику и социальную несовместимость, – но по определению лишённое того, что принято называть атмосферой, и скорее реализующее не общий вид картины, а конкретную обстановку, определённую ситуацию, – такая музыка интересовала меня, как правило, только с технической точки зрения. Для этого правила тоже нашлись некоторые исключения, но они только подтвердили мои убеждения. За новый альбом Dry Kill Logic я взялся сам – по доброй воле :) – а это уже кое о чём говорит.
Не стану раздувать слона из крупного бульдога, но постараюсь и не умалить размеров зверя. За излишнее усердие в поиске звука Dry Kill Logic следовало бы обозвать грозным термином nu metal, но поскольку ребята явно старались, а такое обозначение могло поставить крест – пускай даже и небольшой такой крестик – на их репутации, я решил умолчать об этом сравнении – цыц, я ничего не говорил! Признаться честно, основной вещью, что привлекла меня в этом альбоме, стала как раз черта, не особенно присущая родным для музыкантов стилям hardcore и angry metal, – наличие исключительно чувственных лирических отступлений с поющим голосом. Не только это, конечно, но факт сей выяснился уже позже. 70% музыки группы на альбоме – это очень техничный брутал, яростно орущий "в голос" и движущий гигантские пласты плотного звука с чумовой ритм-секцией и неординарными редкими лидер-партиями, напоминающий великолепный Mercyless и классику от Pantera. 20% отведены для секций депрессивного минималистичного техно-дэта, первыми же звуками вызывающего ассоциации с творениями Disbelief: глубокий рёв, срывающийся на скриминг, минорные гитарные переборы, чёткий схематичный ритм и особенный саунд крови со льдом. Оставшиеся 10% – та самая лиричность, первой бросившаяся мне в глаза и при ближайшем рассмотрении оказавшаяся не столько элементом нежности, сколько эпики, этаким манифестом самоуверенности; такое любимое благодаря маэстро Strapping Young Lad, сочетание невозможной злобы, сарказма и возвышенности не могло пройти незамеченным, даже будучи представленным в небольшом количестве. Таким образом, коктейль Dry Kill Logic жесток и беспощаден, прелести садизма ему не чужды и смерть врагам – лучший подарок, но он всё ещё помнит свет, похоже, уже отжившего мира и тщится вернуть его к жизни. Периодически подобные чувства накатывают и на меня, так что, получается, с Dry Kill Logic нам предстоит ещё не раз увидеться.
Я хотел поставить этому диску четыре очка, но очередное прослушивание непроизвольно повысило оценку на балл. Так бывает...«
Разрушить мир легко. Одно неловкое слово, нечаянно сорвавшееся с языка недоброжелателя, или случайное движение, а то и вовсе безразличие, могут погубить всё то, что в течение многих вех намывалось творцом – совсем как ил, принесённый морем и постепенно превращающийся с помощью умелых и заботливых рук в песчаный замок на берегу. Мир раскрывает голубые глазёнки, нервно моргает, не понимая, где очутился, через некоторое время начинает ползать вокруг, изучая тёмные, безжизненные окрестности, ориентируясь по неяркому свету мириад звёзд и туманностей, затем встаёт на ноги, ощупывая неосязаемую почву прежде, чем сделать шаг, но только со временем поднимается во весь рост, осознавая свою исключительную ценность для живущих в нём. Год назад великолепная, профессиональная и "ужасно красивая" пластинка "The Music That Died Alone", вышедшая из-под пера вроде бы никому неизвестного коллектива с математическим названием The Tangent, встряхнула мой прогрессивный мир, взяв его за "тормашки" и поводив из стороны в сторону. Ощущение, знаете ли, нечастое, поэтому запоминается надолго.
В итоге оказалось, что отсутствовавшее на карте прога название принадлежит не группе, а проекту, в составе которого оказались идеолог записи Энди Тиллисон (Parallel Or 90 Degrees), добрая половина состава ведущей арт-роковой компании современности The Flower Kings во главе с несравненным Ройне Столтом, саксофонист Van Der Graf Generator Дэвид Джексон и некоторые другие небезызвестные персонажи. То, что они сотворили сообща, иначе, чем жемчужиной, не назовёшь – мир, сотканный из сотен настроений, вобрал в себя всё, что душе угодно. От кентерберийского рока до пост-кримсоновского прога, не считая прямых цитат из The Flower Kings. В соответствии с хрестоматийным правилом вторая работа редко бывает изобретательнее первой – "The World That We Drive Through" полностью подтверждает данный тезис, но лишь в смысле неожиданности и вдохновенности. В остальном стилистика The Tangent узнаваема, хотя без конструктивной критики не обойтись.
Главное и существенное отличие двух пластинок кроме замены Джексона на Тео Трэвиса (ex-Gong) – степень их яркости. В этом плане "The World That We Drive Through" значительно уступает своему предшественнику – кое-где Тиллисон начинает откровенно повторяться и копировать тех же Цветочных королей. "The Winning Game" (11:10) начинается по-кентерберийски, а её основная часть служит сборной солянкой из The Flower Kings, Transatlantic и Genesis с традиционными изъятиями джазовой импровизационной лёгкости и как всегда к месту приходящимся вокалом Столта. "Skipping The Distance" (8:57) продолжает "The Canterbury Sequence" с прошлого альбома, заигрывая с Hatfield And The North и Caravan с замечательно инкрустированной флейтой Трэвиса. "Photosynthesis" (7:40) представляет собой приятную балладу, отсылающую нас во времена раннего пост-гэбриэлевского Genesis. "The World That We Drive Through" (13:00) совмещает находки The Flower Kings, Spock's Beard времён "Snow" и звучание ELP. Заканчивает диск музыкальный тяжёловес "A Gap In The Night" (18:20), динозавр, оставшийся со времён ранних Parallel Or 90 Degrees. У меня, правда, эта композиция вызвала немного положительных эмоций, поскольку показалась скучной и неоправданно затянутой. Но кто знает – сколько людей, столько и мнений.
Банально будет сказано, но в итоге поклонники The Tangent получили именно то, что собственно ожидали получить в качестве продолжения. Менее ярко, менее изобретательно по сравнению с предшественником, но всё равно великолепного качества. Разрушить этот мир легко. Одно неловкое слово или случайное движение... Если сами создатели не затопчут своё детище. Будем надеяться, что этого не произойдёт...«
Странное название и безликая обложка, выполненная дизайнером-первокурсником с использованием простеньких эффектов за пару минут в "фотошопе", принадлежность махрово-хардовому лейблу MTM и наличие в буклете фотографий аккуратно стриженых мужчин средних лет навели меня на мысль, что Token – очередная третьесортная муть где-то на стыке мелодик-рока, AORа и коммерческой попсовой безыдейности. Как же сильно я ошибался! Ибо шведский коллектив Token, существующий аж с 1990-го года, на своем втором альбоме преподнес очень заводную музычку, представляющую собой органичную смесь мощного хард-рока и драйвового хэви с прогрессивными элементами. Получилось очень вкусно. Сразу появляются аналогии с Last Tribe – другой шведской группой подобного толка, а также ассоциации с Pink Cream 69 и Royal Hunt. Композиции разной степени жесткости и энергичности чередуются таким образом, что "Punch" до самой последней нотки держит и не отпускает, а голова, ноги и прочие конечности сами начинают кивать и подстукивать в такт заводным песням весьма хитовой направленности. Мощный вокал нового певца Маттиаса Ахлена не обладает оригинальностью, но зато наилучшим образом подходит к музыке Token. Отлично сделал свое дело приглашенный барабанщик Патрик Йоханссон (стучал у Ингви Мальмстина), да и главный человек в группе – гитарист Йохан Сьоберг – сработал наилучшим образом, представив свое мастерство игры мощных риффов и душевных соляков. Звук прописан довольно качественно, ибо продюсированием занимался известный в определенных кругах шведский гитарных дел мастер Понтус Норгрен. Ему же принадлежит программирование некоторых сэмплов и барабанных петель, а также соло на композиции "Falling". Среди четырнадцати треков особенно хочется выделить "Tear Down The Wall" (на диске также помещен видеоклип на данную композицию), очень напоминающую по стилю лучшие вещи Pink Cream 69 (Ахлен даже поет в манере Дэвида Ридмана), заводной боевичок "Free I'm Gonna Roll", качовую мелодичную тему "Dreaming" а-ля Royal Hunt, мальмстиноидную "On The Move", симпатичную балладу "Save Me", прикольный номер "Can't Heal" с модным звучанием и закосом под "It's My Life" поздних Bon Jovi, а также заключительную песенку "Turn Back The Time", вновь вызывающую ассоциации с творениями Андрея Андерсена. Но самой яркой темой, достойной быть в ряду лучших хитов, несомненно является "Wake Up" с оригинальным клавишным слоем поверх качового гитарного риффа. Припев этой композиции способен надолго засесть в памяти, так что следует остерегаться многократного прослушивания данной пластинки. Несмотря на существенные недостатки во внешней подаче материала, внутренняя музыкальная сторона представляет из себя крайне интересный и интригующий набор великолепных идей.«
Легенда британского мелодичного рока Magnum имеет в своей многолетней истории взлеты и падения, раскол и триумфальное возвращение несколько лет назад. Вокалист коллектива Боб Кэтли успел за годы скитаний очаровать мир своими сольными произведениями, создавать которые ему помогал талантливый композитор Гари Хьюз (Ten). Теперь Боб Кэтли и Тони Кларкин снова вместе, и этот творческий союз, известный своей плодовитостью на хитовые номера высочайшего класса, вновь предлагает нам свою нестареющую музыку, обрамленную в звуковую оправу нового тысячелетия. Как только "Brand New Morning" попадается на глаза, сразу все внимание переключается на обложку. Куда подевались роскошные фэнтэзийные пейзажи, характерные для предыдущих релизов Magnum? На сей раз Кларкин решил шокировать поклонников весьма мрачной картинкой: ужасающий пейзаж серого тоскливого утра буквально вызывает марафонский бег мурашек по спине. Горы сваленных в кучу разбитых машин и торчащие к небу огромные кресты, на одном из которых сидит парочка ворон. Два других креста заняты... распятыми телами людей. Ничего не скажешь, замечательный день начинается с такого вот утра. Тексты песен в большинстве своем соответствуют столь зловещей картинке, а вот музыка... Мелодии и ритмы от Magnum всегда отличались какой-то щемящей душу мелодикой, приятным мягким и неспешным потоком нот и аккордов. Здесь все то же самое. Половина песен исполнена в классической мелодичной минорной форме, другая часть имеет более слащаво-мажорное звучание скорее проамериканского толка. Так что связь самой музыки на "Brand New Morning" с лирической концепцией и сюжетом обложки весьма и весьма условна. Если бы в пушисто-махровую атмосферу кларкиновских творений добавить драйва и скорости, а к умиротворяющему вокалу Боба Кэтли присовокупить капельку злости и агрессии, то получилось бы как раз то, о чем поется в песнях. Но, увы, это бы уже был не Magnum. Поэтому лучше закрыть глаза на мрачняк и погрузиться в запатентованную атмосферу этой замечательной команды. За исключением нескольких невыразительных пустышек, запихнутых на альбом исключительно для довеска, нас ожидает некоторое количество вполне хитовых композиций, сделанных в духе классических альбомов Magnum конца 80-х, например, "Wings Of Heaven". Кстати, и по саунду (снова сам Кларкин рулил процессом!) "Brand New Morning" приближается к более ранним работам группы вроде "Goodnight L.A" и "Rock Art". Открывающая альбом одноименная тема легко запоминается благодаря типично кларкиновским простеньким риффам и убойному припеву. Приятно послушать расслабленную вещицу "We All Run", также снабженную запоминающимся припевом. Мощный боевичок "Immigrant Son" излучает какую-то потаенную мощь и по уровню очень близок к лучшим магнумовским шлягерам. Еще одна расслабленная песня "Hard Road" отчего-то напоминает о пике творчества Meat Loaf. Другие композиции не то, чтобы совсем уж плохи, но все же сильно уступают из-за какой-то неуместной задорности и придурковатости. Простим мэтрам жанра данные огрехи, поскольку в целом "Brand New Morning" получился довольно приятным подарком всем любителям мелодичного мягкого хард-рока.«
Меня всегда удивлял тот факт, что Аксель Руди Пелль пользуется весьма большой популярностью за пределами родной Немеции. На мой взгляд, этот белобрысый бюргер не обладает ни харизматичностью, ни должным уровнем гитарной техники, ни особенными композиторскими талантами. Будучи всего лишь очередным "парнем с белым стратокастером", сей гитарист настойчиво шел по проторенной Блэкмором и Мальмстином дорожке, выпуская на протяжении полутора десятков лет альбомы, мало отличимые друг от друга и содержащие композиции довольно среднего покроя, не претендующие на звания мегахитов. Недаром Пелля окрестили "германским Блэкмором", ибо Аксель всю жизнь всячески старался подражать своему кумиру, а все его композиции в той или иной степени напоминают лучшие произведения Rainbow. Разумеется, играя подобную музыку, Пелль не мог обойти стороной столь востребованный в Германии жанр, каковым является так называемый Kuschelrock, то бишь утяжеленные слезливые баллады про несчастную "любовь-морковь". Еще в 70-х это направление начали активно окучивать соотечественники Пелля Scorpions, так что немецкая публика до сих пор с готовностью хавает всевозможные "романтические коллекции". Аксель, не мудрствуя лукаво, насочинял в начале своего творческого пути целую плеяду разнообразных медляков и запихнул их в отдельный сборник "The Ballads" 1993-го года. Спустя несколько лет у Пелля снова поднакопились очередные "кушельроковые" наработки, и маэстро выдал изголодавшейся по "крокодильим слезам" публике новый сборник "The Ballads II". Бог, как известно, любит троицу. Потому очередная компиляция за номером три выходит аккурат под Рождество, как и оба остальных предшественника. Большинство композиций выдернуто из предыдущих трех альбомов, но собирателям новой продукции от ARP будет в кайф послушать типичную для Пелля свежую балладу "Don't Say Goodbye" и акустическую версию композиции "Forever Angel". Самый главный сюрприз альбома – кавер на рэйнбовский "The Temple Of The King". Аксель все-таки не удержался и сделал свое видение этого нетленного хита. Быть может кому-то и понравится, но все-таки Пелль – не Блэкмор, а Джиоэли – не Ронни Джеймс Дио. На мой взгляд, песня звучит довольно занудно и лишена той искренней подачи, каковая была у Rainbow, но зато адекватно вписывается в остальной материал, представленный на альбоме. Кстати, о Джиоели: этот сладкоголосый красавец все-таки вносит немалую позитивную составляющую в музыку Акселя Руди Пелля, делая ее более драйвовой и менее скучной. То же относится и к легендарному Майку Терране. Непонятно только, каким же макаром занесло столь культовую фигуру в данный проект не самой первой величины. Может, Майку просто надоело колошматить угарные биты в составе Rage, Driven и Squealer, и захотелось вяло поплюхать палочками по хай-хэту, пока Аксель развлекается бестолковым поливанием на гитаре поверх заезженных аккордовых последовательностей? В общем, оригинального здесь нет ничего, а потому "Ballads III" пригодится или упертому фанату ARP, или людям, далеким от тяжелой музыки, зато скупающим все возможное барахло в духе "Романтической Коллекции". Кстати, все три балладных сборника ARP – неплохое подспорье, если надо закадрить очаровательную пассию, прибегнув к классической романтической дребедени навроде ужина при свечах с холодным шампанским и букетом алых роз. Из уважения к намечающимся сединам, за настойчивость и неутомимость ставим герру Пеллю троечку с плюсом, но за это попросим маэстро ограничиться лишь трилогией и больше не заниматься производством подобного рода сиквелов ради собственной корысти.«
Уже несколько лет прошло с тех пор, как бразильскую группу Angra потрясли известные события, изменившие состав практически до неузнаваемости. Уже выпущен полнометражный диск, концертник и EPишка, а всё равно при прослушивании новейшего релиза от лучших южноамериканских пауэрщиков хочется сравнить Angra периода Матоса и нынешнюю. После изнурительного раздумься всё-таки прихожу к выводу, что "та" Angra была интереснее. Или, по крайней мере, самобытнее.
Новый релиз бразильцев "Temple Of Shadows" хорош буквально всем – отличный кусок забойного, энергичного и позитивного евро-пауэра, в котором слабые места отыскать нереально. По той причине, что их просто нет. Отличная работа продюсера Денниса Уорда, шикарные запись и реализация материала, блестящая работа всех участников коллектива. Концептуальная лирика авторства Рафаэля Биттенкурта, повествующая о похождениях некоего крестоносца. Громкие имена среди приглашённых гостей – мэтры пауэра Кай Хансен и Ханзи Кюрш, симпатичные барышни-вокалистки Сабина Эдельсбахер и Флор Янсен.
Только вот одна проблема – всю дорогу мучает ощущение, что "Temple Of Shadows" записали не Angra, а кто-то ещё. Куда-то делась та изюминка, которая позволяла на раз отличать Ангровские пластинки от других банд, работающих в этом стиле. И дело не только в отсутствии Матоса – Фалаши тоже классный вокалист, хоть и не так бросающийся, так сказать, в уши. Практически рассосалась та легковесность и воздушность, которые запомнились по "Angels Cry" и "Holy Land", зато прибавилось жёсткости и напора, которые более присущи немецким паверщикам.
И при всём при этом ни в коем случае нельзя сказать, что Angra записали плохой диск. "Temple Of Shadows" – высшая лига пауэр-метала, а таких композиций, как "Spread Your Fire", "Angels And Demons" и "Temple Of Hate" не постыдился бы никто из небожителей стиля. Надо всего-навсего привыкнуть к мысли, что Angra восьми-девятилетней давности прекратила существовать и тогда диск, уверяю, Вам понравится.«
Можно до хрипоты в горле спорить о том, кто же на самом деле является родоначальником death-metal, но каждый встречный и поперечный подтвердит, что альбом Death 1987 года "Scream Bloody Gore", если и не отправная точка, то, как минимум, важнейшая веха в развитии этого чрезвычайно популярного впоследствии стиля. Лично мне этот релиз дорог тем, что именно с него и еще с диска "Leprosy" начался дэт-метал для меня. К слову сказать, отличная отправная точка для знакомства со "смертельным миталом"! Этот архаичный (с сегодняшних позиций) дэт-метал, безусловно, отличается от того, что подразумевается под такой музыкой в современном понимании. Здесь все проще, примитивней, я бы даже сказал наивней. Но именно здесь этот юный стиль громогласным, еще неокрепшим рыком заявил о своем пришествии.
Как и полагается любому явлению в природе, дэт-метал не явился к нам из ниоткуда, он тоже имеет свои корни, и "Scream Bloody Gore" позволяет их отследить. Здесь можно услышать злость и напор трэша, прямолинейность и агрессию олдскульного хардкора. Собственно, многие и считают музыку данного альбома утяжеленным трэш-металом, и в этом есть доля истины. Скорее даже так, это уже не трэш, но еще не дэт. Такая ужесточенная смесь пришлась всем по вкусу и в итоге породила жестокого монстра, продуктами жизнедеятельности которого вот уже более пятнадцати лет наслаждаются металхеды.
А разве возможно не проникнуться энергией альбома? Первая же вещь "Infernal Death" начисто сносит башню. Медленное начало, быстро перерастающее в скоростной звуковой поток, простенький, но очень заводной рифф, пока еще незатейливое соло Чака Шульдинера (R.I.P.) и его же молодецкий рык "...burn those bodies to infernal death." Первое впечатление – чрезвычайно важный аспект, влияющий на оценку всего релиза, и именно благодаря первому трэку Вы моментально уловите и прочувствуете всю энергетику альбома. До сих пор с этой работы колбасит многих ветеранов, представьте в какой восторг диск может привести юношу лет шестнадцати, делающего первые шаги в мир экстремальной музыки?
В целом структура всех композиций довольно схожа, различие, пожалуй, лишь в начальной скорости трэков. В этом однообразии не нужно видеть минус: во-первых, сделаем скидку на дебют, а во-вторых, благодаря этому врываешься в альбом и держишься с ним на одной волне до самого завершения, да и ни одна вещь не обломает – все они просто великолепны.
Диск не только необходимо послушать, его нужно заездить до дыр и выучить наизусть. Это не обсуждается.«
Вот и дождалась металлическая общественость второго сольного диска белоруса Виктора Смольского. Помнится, пару лет назад Виктор обещал выпустить пластинку, которая будет сборником его инструментальных работ. В итоге вышло несколько иначе. "Majesty And Passion" являет собой гитарную обработку классических произведений Иоганна Себастьяна Баха (плюс четыре бонусных инструментала авторства Смольского). Как Вам прекрасно известно, это далеко не первая попытка представить классические произведения в подобном свете. И эту попытку, думается мне, следует признать весьма удачной. Великолепные классические произведения, положенные на гитарную основу и расцвеченные вкраплениями хэви, прогрессива, джаза и фьюжна, звучат очень захватывающе, внушительно и солидно и лишь подтверждают тот факт, что Смольский – прекрасный инструменталист. Тем более, что и компания коллег подобралась очень серьёзная. Современный гитарный классик Ули Джон Рот, коллеги Виктора по Rage, гитаристы Алекс Бейродт (Sinner, Silent Force), Штефан Либинг (Primal Fear), Стив Смайт (Nevermore), Саша Герстнер (Helloween). Также в записи принял участие Белорусский Симфонический оркестр "Инспектор" под управлением Андрея Зубрича.
Другое дело, что, строго говоря, "Majesty And Passion" это всё-таки не совсем металл, так что люди, привычные к тому, что делает Виктор в Rage и делал в Mind Odyssey, могут, скажем так, заскучать. Что, впрочем, вряд ли помешает поклонникам Смольского разжиться этой пластинкой. Отличный способ приобщиться к классике :)«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
