Три года ждал я этого диска, т.к. не знаю кому как, а для меня предыдущий альбом Twilight Ophera "Midnight Horror" стал просто эталоном для музыкального продукта: оптимальная комбинация мелодики и мощи, ярости и страсти. Потрясающая вещь! Чего стоит один лишь хит – "Chaos And The Conquest". И вот наконец новое творение финнов – третий полнометражный альбом "The End Of Halcyon Age". Что сказать? Начало вышло весьма многообещающее: узнаваемое с первых нот оркестровое вступление взрывающееся брызгами гитар и ударных. Кстати об ударных – три года не прошли группе даром, и в команде сменилась половина состава. На барабанах теперь стучит Janne Ojala, хорошо известен по своей работе в Silentium, на басу лабает некто Lord Heikkinen – умудренный опытом и алкоголем "дедушка" (судя по фото), и самое обидное, что еще в 2001 году группа сменила вокалиста: поет теперь Mikko Hakkinen (кажись есть такой пилот в Формуле 1), а ведь именно вокал был одной из самых сильных сторон Twilight Ophera. Оптимальный тембр голоса Sauli Karkkunen'а был помнится просто бальзамом на душу, абыдно, да! Конечно нельзя сказать что Микко поет совсем плохо, но это уже не то. Вся остальная музыка на диске, окромя упомянутого мной оркестрового вступления, хотя и хороша, мелодична и разнообразна явно попахивает нафталином традиционного атмосферного симфо-блэка и не производит впечатления гениальной. Зато оккультно-демонические тексты стали значительно навороченней и вразумительней чем на дебютном альбоме (текстов со второго диска мне пока обнаружить нигде не удалось). Ладно, четыре с плюсом по старой памяти.
P.S. В качестве бонуса диск добит видеоклипом. Жалко конечно, что более-менее качественное видео могут позволить себе лишь Cradle's, ибо то, что получилось у Twilight Ophera по меньшей мере забавно, а в целом просто смешно.
P.P.S. Кстати, выход этого диска в России, является редкостным примером того случая когда мы имеем возможность услышать что либо раньше всех в мире. Не упустите свой шанс быть первыми!!!«
В своё время во мне так и не нашлось сил оценить теперь предпоследний альбом этой команды – слишком занудно и однообразно звучал материал Mortus. Не скажу, что с новым альбомом вдруг произошёл переворот, но прогресс налицо. Нынешний Mortus – это помесь индастриал-кора а-ля Fear Factory в агрессивных моментах песен и современной лав-готики в моментах балладных. Где-то музыка команды напоминает творчество сегодняшних EverEve, где-то это простой мелодичный готик-метал, где-то – почти angry metal, а где-то отдаёт доброй хардой. Музыка явно стала разнообразнее как стилистически, так и в партиях – в частности, вокала. Это и кричащий дисторшенный, и чистый поющий голос. Релиз звучит весьма приятно, но ощущение такое длится совсем недолго :(. К сожалению, Mortus до сих пор не пришли к собственному стилю, а если пришли, то лично я считаю, что зря. На диске есть заводные моменты, но есть и откровенно проходные, которых, к сожалению, больше. Однако он на явно лучше своего предшественника, так что... кто знает, что заиграет Mortus на следующем альбоме?«
Про московскую команду Oktagon я узнал перед одним из клубных концертов, в котором она участвовала, и очень рад, что мне это удалось. Я совсем не ожидал, что у нас уже занимаются такого рода музыкой – мне всегда казалось, что российская, а тем более московская сцена повторяют позавчерашний материал, ибо начинающие группы активно вторят Западу – причём совсем не в профессионализме, а лишь в стиле, а ветераны точат собственный стиль до изнемождения. Oktagon оказались явным исключением из правил – по крайней мере тот, что я услышал на диске. Должен признаться, что на концерте они звучат по-другому, и я не стану судить, лучше или хуже, но скажу, что это просто музыка в другом стиле, который лично мне кажется более посредственным, чем стиль её студийного варианта. Но сейчас я говорю о диске и искренне надеюсь, что на грядущем альбоме команда продолжит свою студийную линию.
Что же такое Oktagon? А это смесь печального гитарного дума и светлого готик-метала с великолепным женским вокалом – лёгкое сопрано и совсем воздушное меццо-сопрано на фоне мягкого звука гитар, чётких и почти поющих ритмов и исключительно подходящих к песням сэмплов и клавишных. С первых же аккордов дебютного самиздатного диска "Too Far From You" у меня в голове всплыли ассоциации с не особо, как мне показалось, замеченной публикой, но от того не менее привлекательной командой The Blue Season, имевшей место в списках лицензионной продукции для России и стран СНГ, и, конечно же, поздними творениями англичан Anathema. Музыка Oktagon более тяжёлая, нежели у названных команд, но по настроению напоминает именно такой симбиоз. Подчеркну, это вовсе не значит, что Oktagon переигрывает чужой материал на свой манер – отнюдь. Просто в стилистической линейке я поставил бы его среди двух названных групп, в то время как материал команды – это прелестная самобытность. С нетерпением буду ждать нового диска команды – они обещают его вот-вот выпустить – а Вам посоветую прогуляться на сайт Oktagon, где для ознакомления выложено несколько песен команды. Адрес сайта: http://www.oktagon.newmail.ru</A>.«
Для начала стоит отметить, что, несмотря на огромную любовь американцев к всяческой лаже вроде ню-митала и подобной лабуды, страна звёздно-полосатого флага ещё способна радовать интересными и качественными командами. Одна из таких – квартет Archetype, которая имеет на своём счёту EP'шку "Hands Of Time" и единственный полнометражный диск "Dawning", о котором и пойдёт речь. Этот диск первый раз увидел свет в 2000-ом году и не устроил самих музыкантов своим качеством. В связи с этим группа решила полностью перезаписать "Dawning" и своё второе рождение релиз поимел в 2002-ом году посредством Lucretia Records.
В нескольких прочитанных мною рецензиях, посвящённых "Dawning", неоднократно упоминался термин "прогрессив". Так вот, мне кажется, что это не совсем верно. Квартет играет тот вид пауэр-метала, который зовётся "американским". Это, во-первых, значит, что группа звучит крайне мощно, забойно и вдумчиво, а во-вторых, вполне уместны сравнения с Iced Earth и некоторые экскурсы в трэш-метал. Большинство песен диска – среднетемповые, наличествует мрачноватая атмосфера, прекрасный вокал, варьирующийся от горделиво-чистого до злобно-"рычащего" (не путать с гроулингом), великолепная гитарная работа (это касается как соляков, так и "качовых" моментов) и полное отсутствие клавишных. Звучит альбом очень монолитно и вряд ли стоит выделять какие-то отдельные композиции, поскольку песни так удачно аранжированы и размещены на блестящей поверхности диска, что зачастую практически невозможно заметить, когда кончается одна и начинается другая. Своих идей здесь не очень-то много, зато этот недостаток полностью компенсируется профессионализмом музыкантов и весьма серьёзным отношением к делу. От всей души надеюсь, что американцы не остановятся на этом и продолжат развиваться.«
Вот оказывается, как можно легко и совершенно незаметно для себя самого, извините за откровенность, испоганить добротную идею. Точнее даже не саму идею, а то, что широкие массы, компетентные разве что в вопросах, которые за них почему-то решают другие, подразумевают под этим. В последнее время термин "рок-опера" обрёл статус разве что не ругательного, но во всяком случае уничижительно понятия, синонимами которого являются зачастую однообразность, затёртость до музыкальных дыр и ещё десяток не очень лестных ассоциаций. А ведь могло (и должно было) быть совсем по-другому. Я до сих пор пребывают в совершенной уверенности, что, по сути, за всю историю тяжёлой музыки практически ни одной настоящей рок-оперы ещё не появилось. Некоторые альбомы Savatage, Trans-Siberian Orchestra, приевшаяся Avantasia и прочие шедевры, дрейфующие на поверхности музыкального океана, представляют собой всего лишь обыденные свершения в стилистике соответствующих коллективов с дюжиной приглашённых музыкантов и не более того (в число исключений я бы записал разве что Nikolo Kotzev's Nostradamus). Операми можно даже с большей вероятностью назвать поздние пластинки Therion – и вовсе не потому, что там задействованы оперные вокалисты, просто сии альбомы сложны и ветвисты в партитурном и иных планах, а ту "оперную составляющую" из них не выманить калачом.
Поэтому предупреждаю, "The Hound Of Baskervilles" Нолана и Уэйкмана – это не опера; просто совместный проект двух известных музыкантов, для реализации которого означенным заслуженным деятелям британской культуры позарез понадобилось многоголосие, а при их связях в прогрессивной тусовке по обе стороны Атлантики раздобыть дюжину вокалистов и инструменталистов особой сложности не представляло. Кстати, это уже не первый опыт совместной работы двух английских талантов – ранее нас порадовали другим сюжетным детищем "Jabberwocky". Впрочем, концептуальная пластинка "Собака Баскервиллей", основанная сами знаете на каком произведении сами знаете какого автора, выгодно отличается от многочисленных "рок-опер", которые с лавинообразной скоростью сыплются нам на головы в последние годы. Во-первых, она не претендует на что-то грандиозное, не готова почивать на лаврах и продаваться огромными тиражами, как, например, Avantasia. Во-вторых, это серьёзный проект двух умудрённых опытом музыкантов, которые в состоянии выражать свои идеи лаконично и предлагать слушателям отточенный во всех возможных ипостасях материал. Наконец, – впрочем, это, скорее, и есть та соль, тот глубинный смысл содеянного, – "The Hound Of Baskervilles" не является тривиальной пустышкой, это довольно любопытное и серьёзное (последнее – подчеркнуть) произведение (выделить красным цветом).
Упор в этом концептуальном творении, разумеется, делается на клавишную атмосферу, что, собственно, не удивительно, поскольку Клайв Нолан (без комментариев) и Оливер Уэйкман (да-да, сыночек того самого Рика Уэйкмана !!!), – невероятно интересные и самобытные виртуозы своих инструментов; правда, весь line-up впечатляет. Гитарами заведуют Karl Groom (Threshold), Arjen Lucassen (гы-гы) и Peter Banks (отец-основатель Yes), бас истязают Peter Gee (Pendragon) и John Jowitt (IQ, Jadis, Arena), а за ударными установками сидит не сложа руки лучезарный Tony Fernandez (Rick Wakeman Band). С вокаллерами тоже всё в порядке – Генри Баскервилля играет никто иной как "мистер интеллигентный голос всех времён и народов" Bob Catley (самый частый гость на всяких рок-операх), а ему помогают Ashley Holt (Rick Wakeman Band), Tracy Hitchings (Landmarq), Ian "Moon" Gould, Michelle Young и прочая проговая челядь. В итоге инструменталки завораживают атмосферой и безаппеляционностью (всё чистенько и к месту), начальные композиции вообще вызывают местами поросячий восторг, а голоса смотрятся невероятно свежо и представительно. И хотя ближе к концу прогрессивный ряд пластинки становится всё более балладообразным, что начинает местами раздражать, к финалу пластинки приходим без потерь.
Откровенных цитат альбом не содержит, поэтому описывать подробно ряд в доступных выражениях не получится, но, поверьте на слово, нео-арт-мюзикл "The Hound Of Baskervilles" достоин пребывать в коллекции любого прог-фана, который любит проекты Клайва Нолана, дорожит талантом Оливера Уэйкмана, но при этом просто хочет отдохнуть от заумностей классического арт-рока или нео-арта той же самой Арены. Пять с хвостиком – а могло ли быть иначе?«
Продюсером очередного творения швейцарских мастеров коммерческого металла из Crystal Ball по традиции выступил Tommy Newton – далеко не последний человек в мире звукозаписи. Этот уважаемый господин работал со многими звездными коллективами, среди которых Helloween, Scorpions, Conception и Elegy. В случае с "Virtual Empire" он, видимо, из экспериментальных соображений решил сделать звук под позднего Мальмстина (это когда все инструменты задвинуты в..., ну, в общем, на задний план). Получилось все довольно облегченно и воздушно. Серьезно подпортить диск этим, правда, Ньютону не удалось ввиду отменного материала, сочиненного музыкантами. "Virtual Empire" – это приятный pop metal с обилием клавишных и "усталой" манерой вокала, присущей в некоторой степени немцам из Pain и Morbid Jester. Мелодика незатейливая, но весьма выразительная и запоминающаяся. Стилистические параллели возможны с Pretty Maids, Europe и Helloween периода 1991 года. Что характерно, альбом нравится с первого раза, а это говорит уже о многом. Остается лишь поздравить Nuclear Blast с еще одним удачным приобретением.«
Передача из серии "когда Yes и Genesis были маленькими". Греческий коллектив Aphrodite's Child, один из отцов-основателей арт-рока, вроде бы так и остался подзабытым по сравнению со своими более именитыми коллегами – отчасти потому, что музыканты играли пока на грани стилистик (поскольку арт-рок как таковой ещё не сформировался), отчасти из-за того, что сама команда просуществовала относительно недолго и фактически распалась в начале 70-х, так и не сотворив достаточное количество хитов, попавших на высшие позиции в чартах тех лет, когда большинство классических арт-роковых сборных только набирали обороты. Впрочем, музыка Aphrodite's Child, предвосхитившая рождение означенного стиля, ценна вовсе не по причине того, что "это было начало" – она вполне самодостаточна и легко узнаваема в ряду других знаменитых коллективов.
Трое бедных студентов из Греции, которым видимо надоело учиться (о, как я их понимаю!), в поисках лучшей доли для себя покинули родную страну и, как оказалось, в последующие годы туда не вернулись, несогласные с новоявленным режимом (в 1967 году в Греции удался переворот "чёрных полковников"). Попытав счастье добраться в благодатный по тем временам в музыкальном плане Лондон, будущий состав Aphrodite's Child осел по другую сторону Ла-Манша, а именно в Париже. Там на свет и родилась греческая команда в иммиграции, выпустившая первый сингл "Rain And Tears", успех которого побудил группу записать свою дебютную пластинку. Многим поклонникам рок-музыки, далёким от арт-рока, непременно должны быть известны имена двух из трёх музыкантов, сформировавших когда-то Aphrodite's Child. В состав команды вошли: мастермайнд и автор большинства композиций Evanghelos Papathanassiou (в сольном творчестве известный как Vangelis, один из гуру клавишной атмосферной музыки, автор, не побоюсь этого слова, гениального саундтрека к превосходному и глубокому фильму "Blade Runner", 1982), вокалист с великолепными данными Demis Roussos (впоследствии начавший карьеру поп-певца) и барабанщик Lucas Sideras.
В хрестоматийной традиции арт-роком в полном смысле "End Of The World" назвать вряд ли можно – критики в тот момент охарактеризовали музыку Вангелиса как "греческий регтайм" (помните, термина "арт-рок" тогда ещё не было), но большинство признаков зарождавшегося стиля на пластинке, имевшей и другое название по тому же самому синглу "Rain And Tears", присутствовали. Особая нежная и почти бархатная балладная мелодика (обе заглавные композиции служат блестящими примерами), оправданные и своевременные сбивки ритма, резкие переходы вокала Русоса от мягкого на резкий и даже надрывный (особенно при пении в дисторшн), великолепная клавишная (органная) работа (не забывайте, Вангелис позже прославился на весь мир как потрясающий клавишник), кружевные сплетения психоделии (тема "The Grass Is No Green" – высший пилотаж), классическая ударная школа, стихи, построенные на символах, и прочее наполняют пластинку до краёв – некоторые из перечисленных элементов указывали на то, что источником вдохновения автора альбома был авангардный джаз.
Aphrodite's Child по сей день звучат в арт-роковом плане интересно и современно – часто даже трудно предположить, что альбому сему 35 лет; тогда же находки, предъявленные слушателям греческой командой, явились новаторскими и получили "по заслугам". Что называется, ударим популярностью по талантам музыкантов. В любом случае довольно монолитный, но, что самое важное, всегда разный альбом "End Of The World", с моей точки зрения, найдёт своё законное место в музыкальной копилке любого истинного фаната старого арта и прогрессива.«
Выход второго по счёту полноценного альбома Abdullah – великолепная новость для тех, кто уже успел подсесть на серию дисков, которую CD-Maximum выпускает по лицензии Meteor City. Для тех же, кто слыхом не слыхивал о таком музыкальном направлении, как stoner rock, этот диск – отличная возможность приобщиться.
Оригинально группа Abdullah состояла из двух человек – Джеффа Шириллы (барабаны, вокал) и Алана Сайберта (все гитары). В таком составе они выпустили несколько демо-лент, мини-альбом "Snake Lore" на Rage Of Achilles, а затем и дебютный альбом "Abdullah" на Meteor City. Затем группа из дуэта превратилась в квартет, и теперь обязанности распределены следующим образом: Джефф Ширилла (вокал), Алан Сайберт (ритм– и соло-гитара), Эд Стивенс (бас-гитара), Джим Симонян (барабаны). Разделение труда, без сомнения, пошло группе на пользу, да и постоянный концертный состав группе был необходим как воздух.
Stoner rock – слишком ёмкое и общее понятие, чтобы точно описать стиль Abdullah. Конечно, музыка группы очень схожа по звучанию гитар с коллегами по цеху, они используют чистый вокал (за редким исключением), но ведь талант никогда не ограничишь рамками определённого стиля. У Abdullah своя атмосфера, свой уникальный мир – живой, красивый и грустный. Самое близкое описание жанра группы, которое можно дать, – stoner/doom rock. Джефф Ширилла – великолепный вокалист с неповторимым стилем и легко узнаваемым голосом, к тому же пишущий отличные тексты, по глубине мысли и выразительности соперничающие с текстами Dark Tranquillity. Гитара Алана Сайберта звучит то жёстко и агрессивно, то мягко и мелодично, бас действительно можно расслышать, ударные звучат плотно и ненавязчиво, – так, как и должны звучать настоящие хэви-метал барабаны.
Что меня больше всего удивило, Abdullah изменили свою музыкальную формулу, и если на "Abdullah" темп песен менялся довольно редко – все композиции были медленными и задумчивыми, то "Graveyard Poetry" – альбом очень динамичный, и теперь от былой монотонности не осталось и следа. Лишь иногда (например, в песнях "A Dark But Shining Sun" и "Pantheistic") проглядывают настроения прошлого альбома. Самые интересные и запоминающиеся, на мой взгляд, песни – предпоследний трэк "Behold A Pale Horse" с великолепным мрачным фортепьянным вступлением и "They, The Tyrants" – жёсткая композиция с блэк-вокалом в куплетах и исполняемым чистым голосом припевом "We are the enthroned/Descendants of the ancient blood".
В своё время я (и не один только я) мучительно думал – ну нафига такой матёрый волк, как Халфорд попер во всяческие эксперименты, результатом которых были осовремененный трэшкоровый Fight и сугубо отстойный и невнятный Two? Примерно аналогичная мысль посетила и в связи с сольным проектом Geezer великого басиста и участника Black Sabbath Джизера Батлера. И как-то так получилось, что, несмотря на то, что диски G//Z/R выходили в 95-ом и 97-ом годах, последний мне попался в руки только на днях. И, честно признаться, не жалею о времени, потраченном на прослушивание.
Батлер на этом диске двинулся примерно в ту сторону, в которую следует часть немногочисленных групп, которых принято обзывать стоунер-рокерами и которые не зацикливаются на звучании, созданном Black Sabbath, а пытаются его привести в соответствие с "последними достижениями". Взять тот же Solace – изумительную смесь дума с ангри-трэшем. Вот и Батлер туда же – фактически за базис своего проекта Классик взял всё тот же дум, но упрятал его настолько глубоко, что не сразу и поймешь. Причём влияние дума ощущается не столько в музыке, сколько в атмосфере – мрачной и давящей. А поверх базиса возвышается здоровенная надстройка, в которой смешались очень тяжёлая альтернатива, американизированный трэш а-ля Anthrax и индастриэл, слегка разбавленные гранжевыми влияниями. Особого упоминания заслуживет вокалист, который поёт то как Хэтфилд в лучшие годы, то в духе оголтелых металкоровцев, то с Нирваноподобной меланхоличностью.
По прочтении пресс-релиза, в котором проводились аналогии с несколькими крайне нелюбимыми мною таварисчами, проникся крайним скептицизмом. После прослушивания могу сказать с полной ответственностью: "Black Science" – настоящий МЕТАЛ, жёсткий, злобный и тяжёлый, не имеющий никаких соприкосновений с такой фигнёй, как М.Мэнсон, группа "Пролежни" (англ. – Prodigy) и поздняя Метла. И вполне допустимы упоминания Nine Inch Nails и Suicidal Tendencies. Только Geezer всё равно круче! :))«
Сложно в это поверить, но Cryptopsy существует уже больше десяти лет! За это время группа записала четыре альбома – "Blasphemy Made Flesh", "None So Vile" (уже ставший классикой death/grind), "Whisper Supremacy" (дебют вокалиста Майкла Ди'Сальво) и "And Then You'll Beg" (закрепивший за Cryptopsy одну из первых позиций в высшей лиге дэт-металла и одновременно ставший последним для Ди'Сальво). Для того чтобы "опробовать" нового вокалиста, Мартина Лакруа, музыканты отправилась в турне с Vader, Dimmu Borgir, Krisiun.
На металлической сцене сложилась интересная традиция – когда группа становится достаточно известной, она выпускает концертный альбом. Конечно, качество записи и подборка песен иногда хромают, но есть и бесспорно удачные диски: Megadeth – "Rude Awakening", Pantera – "101 Proof", Death – "Live In L.A.". А теперь настал черёд Cryptopsy увековечить своё выступление, тем более есть замечательный повод – показать, на что способен новый вокалист.
Для диска музыканты выбрали шоу, записанное 1-го июня 2002 года в родном городе Монреале, в Канаде. Выбор, конечно, неслучайный: где может быть теплее приём, чем в родном городе? Оправданность выбора подтверждают фанаты, в "Intro" очень громко и слаженно скандирующие название любимой группы.
Новый вокалист соответствует уровню профессионализма группы и сохраняет в неизменном виде атмосферу альбомов, исполняя песни в том же ключе, что и его предшественники. В это почти невозможно поверить, но Cryptopsy удаётся воспроизводить сложнейший материал на концерте, сохраняя ярость и агрессию студийных записей, при этом не замедляя темп исполнения. Главная изюминка группы – барабанщик-виртуоз Фло Мунье, выбивающий на своей установке такие жуткие и сложные ритмы, что бедных хэдбэнгеров в зале становится жалко. Разумеется, не дать барабанщику показать себя во всей красе было бы просто преступлением, поэтому за микширование альбома взялся продюсер группы Пьер Ремиллард. Благодаря ему барабаны звучат плотно, их легко выделить из общей массы звука. И не иначе как для культивации культа Фло Мунье на альбоме присутствует десятый трэк – барабанное соло на четыре минуты:)
На "None So Live" хватило место для песен со всех четырёх альбомов группы, и "Slit Your Guts", "Open Face Surgery", "Cold Hate, Warm Blood", "We Bleed", "Shroud" показывают, что группа никогда не стояла на месте, совершенствуясь и усложняя материал с каждым диском.
Думаю, этот альбом не оставит равнодушным ни одного любителя дэт-металла, заставляя жалеть о том, что тебя там не было. Или вспоминать, как здорово было отрываться под "Slit Your Guts" ;)«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
