Жёсткие британцы Mage понесли невосполнимую потерю – умер в возрасте сорока лет гитарист этого славного doom-квартета Бен. Скверная ситуация, но усопшего не вернуть, и мы здесь обычно не горюем над некрологами, а, каждый в силу своих способностей, говорим о музыке.
Mage на плаву уже пять лет, срок не очень большой, но за это время группа сумела своими силами издать в 2011 году Ер, следом за ним приличный полноформат "Black Sands", ну а к моменту, когда созрел новый материал "Last Orders", на команду обратил внимание небольшой лейбл Witch Hunter Records. Выше я неслучайно применил относительно Mage определение "жёсткий": их последний семипесенный релиз продолжительностью всего в 35 минут от начала и до конца звучит тяжело, даже в самых медленных частях композиций яростно и бескомпромиссно. Гитары на "Last Orders" гудят знатно и максимально плотно, последовательно исторгаемые ими риффы задают давящую, тяжёлую атмосферу. Вокалист Том настойчиво, с вызовом, буквально выкрикивает тексты песен, и, пожалуй, вокальные партии на протяжении всего альбома преимущественно исполнены в одинаковой манере. У Mage встречаются хорошо сочинённые тексты, в основном в них описываются фантастические или мистические сюжеты, но сделано это с толком, не "на отъебись", как часто бывает у конъюктурщиков от doom metal. Отмечу с этой точки зрения трек "Beyond" с историей о последнем космическом корабле, покинувшем умирающую Землю, и песню "Old Bones", проиллюстрированную обложкой альбома и описывающую проблему оживших мертвецов с новой точки зрения. Кроме этого, "Old Bones" составляет исключение из общего doom-настроения релиза, тут мужчины выложили лихой трэшовый рок-н-ролл, что при их зубодробительном звучании кажется абсолютной нормой. Остальные пять треков – солидный, крепкий, мужской doom. Немного однообразно, но на альбоме продолжительностью в 35 минут это почти незаметно.
Итальянская группировка doom-шаманов Caronte (что переводится достаточно тривиально – "Харон") в 2012 году явила андеграунду плоды своих медитаций и обрядов, запечатленных в песенной форме, на дебютном альбоме "Ascension". Тяжелый, маслянисто-чёрный как нефть и густой как смола doom напополам со stoner оказался действительно оккультным и профессиональным. Название второго альбома Caronte "Church of Shamanic Goetia" говорит само за себя: взяв на вооружение концепцию "корневого", условно "индейского" шаманизма, о котором на первом альбоме говорилось в песне "Navajo Calling", исполнители добавили чёрные практики древних гримуаров, ассимилировавших языческие традиции. Новые песни Caronte, представляя собой переосмысленный опыт участников группы, стали завуалированными воззваниями к первобытным силам, новыми шаманскими обрядами, живым воплощением ритуала в музыке. К слову, основные характерные черты первого альбома сохранились и на втором. Это по-прежнему давящий, умеренно динамичный материал с объёмным и тяжелым, как надгробная плита, гитарным звуком, с характерным горловым и не менее характерным чистым пением Дориана Боунса, который, похоже, находит вдохновение в песнях Danzig. Композиции "Church of Shamanic Goetia" выдержаны в одном ключе, но среди неспешной doom-мессы есть два заметных исключения из общего правила. Первое – ураганный скоростной хит "Wakan Tanka Riders" с плотными, бульдозерными рифами, галопирующим пульсирующим ритмом и экзальтированными вокальными партиями Дориана. Второе исключение – "The Sulfur Shaman", инструментально почти ничем не отличающийся от других трек, но с агрессивным сладжевым вокалом, почти полностью заменившим глубокое чистое пение. Продолжительность всего альбома – час, поэтому внеся такое разнообразие в монолит своего doom-творения, Caronte сделали доброе дело. Хотя о каком "добре" можно говорить, если речь идёт о таких нечестивцах как эти итальянцы!
Стоит обратить внимание на эту оригинальную команду, если, конечно, их тексты не оскорбят ваши религиозные чувства. Вместе с тем, Caronte служат хорошим примером того, что группе, играющей "оккультный" doom rock не обязательно пороть горячку про ведьм, дьявола и прочие сюжеты милые сердцу исполнителей (и их слушателей) с не богатым воображением. Слушайте, но не пытайтесь повторить это дома.
Итальянская группа с холодным осенним названием, безусловно, относится к явлениям культуры в своей нише, а не просто музыки, но при этом всю свою карьеру успешно сочетают элементы иных групп и стилей, созданных не ими, но смешанных именно с ними. Каждый альбом со своим оттенком музыкальным или эмоциональным и кучей сравнений все равно не приводил ни разу деперсонализации коллектива, и параллели употреблялись лишь для описательной, но не критической части. Не удивительно, что к шестому альбому они добрались, так или иначе, собрав все меланхолическое сообщество в примеры и аналоги, на данный момент, финишировав альбомом "The Blue".
Лучший он в дискографии или нет (безусловно, были слабее, так что не худший), но именно со сравнений стоит начать и закончить с ними до конца текущего материала. В музыке коллектива практически ничего не осталось от основной параллели ранних дисков – Opeth – зато понабравшись эстрады за годы работы, итальянцы явно имеют в загашнике финский gothic love metal, в любом фактическом выражении ярко сочетающийся с современной Katatonia в основе композиций (сведение в Finvox не прошло даром), а сверху привалены агрессивные эпизоды похожие на скримящие зарубы My Dying Bride и личный вклад протяжных соло, нестойкой акустики, да чисто итальянского эмоционального вкуса любовной лирики, в данном случае минорной. Множественных прогрессивных элементов заметить пришлось много меньше прошлых дисков, от них осталась в основном многослойная сложность композиций. Финальная аналогия этого диска может приближаться к металлическому варианту Poets Of The Fall.
Звук на альбоме мясистый, обволакивающий, при этом не скрывающий вездесущую акустику, так или иначе выводящую вторую мелодическую линию, что бы ни звучало на данный момент. Можно пожаловаться на некоторую смазанность ритм гитар, смешивающихся в поток звука на брутальных частях, однако это значило бы пожаловаться на самое интересное в "The Blue" – тот самый поток эмоций, окрашенный лирическим баритоном вокалиста, при повышении нот, переходящим в любовную мольбу. Не удивительно, что при этих вокальных данных брутальная часть вокала чуть низковатый горловой скрим. Музыка обретает ту самую двусмысленную мягкую и светлую печаль – так поет о своей прошлой любви, одинокий человек под холодным зимним дождем, пока эта любовь его согревает. Очень много теплоты и практически нет трагедии – чисто по-итальянски, курортный роман с doom metal, который уже давно просто правильный gothic metal.
Наиболее удачные песни находятся в начале и конце диска: так первые две композиции, эмоционально похожие, с цепляющими, красивыми мелодиями и примерно равным балансом жесткости и лирики (чуть боле во второй). Именно эти композиции в большой степени характеризуют весь диск. Как составные неологизмы в названиях песен, музыканты составляют музыку, мягко переплетая составляющие, иногда это приводит к суматошности, а иногда перегружает звучание. А ближе к концу находим красивейшую песню "Cantus Christi", переходящую в инструментальную "Zenith", во время которых очень хорошо чувствуется, насколько личного, собственного дает Novembre вокалист – без него группа вплотную приближается к скандинавскому сонму депрессирующих. В пику небрежность этого же вокала превращает "Argentic" в самую плоскую эмоционально композицию диска. Последняя "Deorbit" отдувается во всю длину жесткостью звучания и многократными скримом. Вопреки обычаю песня с женским вокалом не стала лучшей на альбоме с мужскими голосами. Порой впечатляют определенные моменты – очень свежо звучит клавишное соло на "Bluecracy", всплески прогрессивности на "Iridescence", софт роковый припев скомканной "Sound Odyssey".
Продолжая тему коллективного творчества, обложку для альбома создал Travis Smith, изящно подчеркнув тонкость чувственных граней восприятия музыки, однако дальше обложки дело не ушло, и все остальное обычная фотосессия от других авторов в синих тонах. Как-то так получается и с текстами, ожидая от них запоминающихся куплетов, красоты аллегории и воображения, но очевидной связности оттуда не почерпнуть, а с ними, как с музыкой попытки понимания вне рамок смысла, не удаются. Итоговые впечатления хорошие, с мелкими, но тут и там встречающимися оговорками, и диск не оседает, к сожалению, в памяти, как хотелось бы, оставляя группе пространство для самосовершенствования, даже толком ничего не меняя в ближайшем релизе, о котором уже поговаривают.«
Четвёрка нерасторопных, но талантливых голландцев шла к своему первому большому альбому почти шесть лет. По пути к насыщенному stoner-шедевру "Ananta" группа, названная именем буддистского божества смерти Yama, успела записать лишь демо и очень приличный, но всего в три песни длинной, Ер "Seaquake". Абсолютно не спеша, на мой взгляд, едва ли не вынужденно, Yama подошли к записи "Ananta", с изданием которого им помог небольшой местный лейбл Lighttown Fidelity. Лейбл неплохой, все друзья, но с таким сильным материалом парни из Yama могли рассчитывать на большее.
Песни этого альбома показывают всё лучшее, что группа смогла найти в мире stoner-влияний, и нечто индивидуальное, плохо поддающееся классификации, что-то, свойственное только этим энергичным и бесспорно талантливым голландцам. С первой же песни чувствуется, как Yama, захлёстываемые энтузиазмом и идеями, выкладываются, не щадя живота своего. Их песни звучат так, как будто были записаны на одном дыхании, при этом музыкантам нельзя отказать в профессионализме – играют ловко, чётко, по-взрослому, с огоньком. Качающий и рокочущий stoner отлично исполнен на первой же песне "Ananta". Второй трек "Anchor In Time" начинается плотной панк-роковой атакой, короткой передышкой которой служит живописная "десертная" интерлюдия. Оставшейся с Ер "Seaquake" хитовой песней "Hollow" группа отдаёт группа дань памяти старомодному тяжёлому stoner року, а на "Ruah Elohim" демонстрирует современный подход к desert rock. Изматывающая "Migraine City" посвящена Санкт-Петербургу (пруфы здесь http://www.metallibrary.ru/articles/interviews/557.html), и настроение этой песни понять, в принципе, не сложно. При всём изяществе и мелодичности нового материала Yama умеют звучать агрессивно, на "Swordsman of the Crossroads I" инструментальная часть песни вполне могла бы удовлетворить почитателей sludge-угара, ну и добавьте к этому небольшой бластбитовый кусок, для него в этой композиции тоже нашлось место.
Итак, на "Ananta" вы найдёте интересный, разнообразный, эффектный и далёкий от примитива stoner-материал с органичными включениями элементов смежных музыкальных направлений. Вокалист Yama Алекс Шенкельс может похвастаться не только сильным голосом и харизмой, но и достаточно широким диапазоном, так что вокальные партии на высоте и, безусловно, являются одной из сильных составляющих этого альбома. Философский склад ума вокалиста отразился на текстах песен, поэтому и здесь придраться не к чему, да и к чему – отличный же альбом получился, старались.
О том, что мы знаем этих людей можно догадаться с первых нот первой композиции альбома. Подобранные лейблом Prophecy, половина участников в дальнейшем дадут нам еще один замечательный бэнд – Autumnblaze, а в Paragon of Beauty они пока разминаются. Это совсем не значит, что альбом и группа не имеют собственной ценности, просто все характерные интонации, ноты и детали имеют место в обеих командах. Если же смотреть на творчество команды с большей высоты, то это одни из успешных и талантливых (иных попалось не много – видимо слишком большое душевное напряжение нужно для такого выражения эмоций) проповедников немецкого художественного романтизма, крепко обосновавшегося в металической музыке.
Касательно этого альбома, чтобы понять, откуда что выросло, надо заглянуть в буклет, увидев не столько шикарные поэтические тексты песен или минималистичное и стильное оформление, сколько благодарности. Вот, за логотип поблагодарили некоего Сундина (и действительно отличный лого в его стиле), в приветствиях In flames, Empyrium (вообще – начало начал для большинства, ну и соучастники лейбла), Blackheim и Samsas Traum (вот вам поэзия и истерика). И того, перед нами немецкие поэтические дары, корнями уходящие поклонение природе и незаметно перемещающееся на любовь и тоску, оформленное в достаточно жестком gothic metal, выросшем поочередно из мелодичного блека, который уже дал начало раннему, гетеборгскому мелодик-дэту. Тремоло гитара в быстрых проходах, хитросплетенные акустические вставки и беспрестанно вещающая, чуть притушенная соло гитара, сопровождающая мелодической темой каждый новый поворот композиции. На фоне этого голос вокалиста, страдающий, возносящийся и периодами переходящий в высокий гроул и скрим. Итог похож на застывшее в экстатической агонии дитя Dark Tranquillity и Empyrium, присыпанное меланхолией и воображением Blackheim (ведь именно он вырастил Katatonia).
Весь альбом как одна большая песня, и тут это скорее плюс, нежели иначе – получается единая, связная эмоциональная исповедь пробужденного весной человека, добравшегося до сонма небожителей и космической расы фей, живущих между солнечных лучей. Уже нет очевидных блековых интенций, хотя резкость подачи сохраняет его непокорных дух, благодаря чему меланхоличность не кажется, опухлой от горя, опустившей руки бесхребетностью. Вторая песня, как копирка мелодик-дэта того времени, прерывающаяся на монологи под акустическую гитару логично продолжает бесконечно разгоняющуюся, но так и не расходящуюся первую композицию, одну из двух на немецком языке. В течение первых композиций подмечаешься и минусы звучания – так ударные в некоторые моменты, уж слишком "плюхающего" звучания выделяются в общей картине (бочки звуча т отвратительно), благо в большинстве моментов, следя за эмоциональными мелодиями, перестаешь концентрироваться на них. Очень хороша, о чем заявляет с первой же мелодии, внезапно заканчивающей предыдущую композицию, "Snowfall Summerdream". Уровень эмоциональной и художественной нагрузки в десятиминутной композиции практически венчает альбом как кульминация. Выразительные гитарные соло переходят в динамичные скримящие проигрыши и темповые мелодические части, вновь ниспадая на вкрадчивое шептание. Эпик сменяет простая, звонкая и чистая во всех аспектах "A Cosmos For A Lovestarved Child" отвлекающая от перипетий эмоциональных горок, опять-таки почти мелодэтовая, если бы не повсеместный чистый вокал, раскрывающийся на этой композиции. Дальше, вплоть до конца альбома все чуть спокойней и ровней, скорее на базе уже прозвучавшего. Выделяется балующаяся классикой "Sunset Funeral", и, пожалуй, это блестящая композиция для завершения диска (правда, подчеркивающая те ужасные бас-бочки).
К концу альбома ощущается некоторое утомление от происходящего, и последняя композиция, чуток прогромыхав грозовыми раскатами, вовремя заканчивает действо. Слишком уж альбом наполнен эмоциями, серьезно, ничем не прикрытыми – прямолинейность звучания и желание отдать свои чувства в естественном, нагом виде вызывает переполнение. Нету определенной изысканности художника, делящегося со своим зрителем – оно будет появляться позже у музыкантов и успешно разовьется. А именно это творение, крепкое, столько крепко связанное со временем создания и участвовавшими людьми претендует в основном, чтобы стать хорошим пополнением коллекций хорошо знакомых с темой людей.«
Как ни странно, именно с этого альбома, в котором норвежские блекари пошли по пути усложнения и эксперимента, не со звуком, но с формой, группа стала наиболее похожа на викинг ориентированную. Это связано не только с четкой и интересной концепцией смерти и посмертия в скандинавской мифологии, и тут же перенос – быте и жизни, которую блистательно поддерживает тематическая и эффектная обложка (лучше у группы не было, в том числе до настоящего времени, то есть на 2 альбома позже), но и с восприятием видоизмененного блека от которого они постепенно отходят все более и более. Другой вопрос, что им не хватает яркости и самобытности, отбрасывая их на второй план лукавых мудрствований викинг-блека.
Как ни был предыдущий диск "Yersinia Pestis" похож на современный Satyricon (причем, в основном на "Rebel Extravaganza" и лишь только образом), именно этот альбом устанавливает аналогию на полноценный уровень совпадения, но уже относя к "Now, Diabolical" и все что выше. Касается это звука в первую очередь. Задержавшиеся в средних частотах стальные гитары, ровной поступью создающие фундамент, укрепленный взрослым, плотным басом, а уже над ними выпрастывающиеся мелодические элементы резкими высокими частотами. Все это единение современного звучания и классического содержания с народными северными мотивами, волнообразной раскачкой классического викинга. В отличие от большинства их же альбомов композиции не придерживаются среднего темпа и с легкостью набирают высокие скорости, предлагая яростные, боевые риффы без потери качества.
Альбом разделен на три главы и вступление, в качестве которого выступает композиция "Veneration For The Dead". Она же показывает все намерения коллектива в следующие сорок минут: в начале драйв и динамика ритм гитар, в конце интересные мелодические построения без потери темпа. Все композиции, в которых есть что-то сверх основной темы можно считать на диске лучшими, а такие как "Dead Man's Eyes", где при залихватских рифах нет акустического фрагмента и трепещущего соло, как на "The Bewitchment", более слабыми. Слабость их в плохой запоминаемости – не отметившись яркой мелодией, они быстро уходят из памяти. Впрочем, первая глава вся мрачная, быстрая и блековая, когда вторая (из композиций "Helheim 5" и "Oaken Dragons"), пригласив в свои недра вокалиста чешской команды Root, блистает классическим подходом к викингу с оркестровками, чистым вокалом, раскатистыми, повторяющимися мелодиями. Последняя глава продолжает эпичность предыдущей, чуть спускаясь в средний темп и возрождая в памяти первый альбом группы: не так плотны, но резки гитары, мелодичный переборы и нагнетаемый мрак с атмосферностью происходящего прекрасно завершают повествование. Имейте в виду, что там еще приятные тексты, отсутствие затянутости и общее разнообразие, которое пыталось найти отражение в этих строках.
Ничем не обусловленный, но не меняющийся статус середняков сцены, вроде, как и не выпускавших откровенно плохих дисков, даже отметившихся парой удач, к сожалению, даже лучший альбом в их дискографии, собственно, обсуждаемый – побороть не в состоянии. Получив вершину своего творчества, команда, словно не заметила ее и двинулась дальше, создавать формы. На следующем будет много клавиш и стремление за Enslaved, как предыдущей паре стремление за кем-то другим, как на ранних стремление идти вслед за сценой вообще. Возможно суть именно в наличии именно этого стремления, а не рывка в сторону, да хоть в обратную. С другой стороны меня как слушателя, вполне устраивает статус команды – я не схвачу ее слушать первой, но второй в проигрыватель пойдет именно она. Пока мы с Helheim совпадаем во мнениях по этому поводу.«
Под занавес 2013 года мы делали интервью с Александром, вокалистом французской doom группы Fatum Elisum. Хорошая была группа, со своим колоритом... Мне запомнился их death doom, он был близок к традиционному, а в песнях также обращали на себя внимание звучные, преимущественно чистые, хоть и с хрипотцой, вокальные партии. Fatum Elisum не были широко известны, но, скорее, только от недостатка раскрутки. Закончили мы наш разговор с Александром на том, что у группы уже есть пара новых песен, плюс музыканты почти полным составом занимаются традовым проектом Forsaken Peddlers.
К июню 2014 мужчины решительно заявили, что Fatum Elisum всё. Но чтоб никто из заинтересованных лиц сильно не горевал, одновременно с похоронами одной группы они собственноручно выпустили дебютный четырёхпесенный альбом своего второго проекта Forsaken Peddlers "Songs of Fate and Freedom". С первой же песни новая группа в открытую демонстрирует свою дееспособность, начиная с интересной эпической саги "Brave". Тягучие риффы не настолько монотонны, чтобы набить оскомину, и умеренное для doom-композиции разнообразие, как и приличные, героические по тексту, вокальные партии однозначно указывают на перспективность проекта. Кстати, вокалист Fatum Elisum в Forsaken Peddlers не перешёл – какая-то мутная история... Тем не менее, за вокальную стойку встал сам Александр, и это было стратегически верное решение. В третьей композиции, одноимённой названию группы, помимо мелодичной средней скорости риффовой doom-волны присутствует солидная акустическая вставка, претендующая на раскрытие "исторического" характера тематики песен этого релиза. Тексты песен этого альбома, по словам Александра, рассказывают историю таких персонажей как Уильям Уоллес и Вильгельм Завоеватель. Между прочим, последний трек альбома так и называется – "Conqueror" ("Завоеватель"), и он раскрывает уровень влияния на Forsaken Peddlers шедевров Bathory эпохи знатного "Hammerheart" (с поправкой на doom-направление, само собой), это самый боевой и напористый трек альбома, но имейте ввиду, что его продолжительность составляет почти двенадцать минут, что для французов, похоже, является нормой. Запись получилась, к слову, почти такой же сырой и колючей как на упомянутом квортоновском шедевре... С одной стороны, это указывает на малый бюджет альбома, с другой стороны, дух того времени передан достоверно, так что жаловаться не на что. Forsaken Peddlers записали свои фантазии на тему творческого союза Bathory и Candlemass с некоторым трепетом и любовью, оттого "Songs of Fate and Freedom" несмотря на недостаток чистоты звучания получились мощными и привлекательными. А было бы иначе, вряд ли стал бы писать о них.
Первый альбом для группы может не дать ничего, а может определить всю их судьбу. А может быть просто первым альбомом, лакмусовой бумажкой слушательского интереса – именно такой вариант избрал интернациональный коллектив Jesus On Extasy, отработав известную и успешную (на тот момент уж точно) схему диффузии индастриала и электронной эстрады, практически без собственных черт, зато с запоминающимися хитами. Сейчас уже не актуально, отброшено на задворки, но все еще действенно, если выходя из дома, ты второй день напеваешь припев композиции.
По большому счету это большой миник – один ремикс, два кавера – девять песен на полчаса в остатке, большая часть из которых затмевается стартовыми боевиками. Собственного в представленном диске, пожалуй, только акценты, получившиеся в процессе смешения стилей: результат ни каким боком – нет ни плотности звучания, не основан на гитарном саунде, нет эксперимента с электроникой – не достигает industrial, не является чисто электронной эстрадой и не относится к готической среде. Ближе всего получившийся результат к electro gothic с некоторой дозой лишней энергетики. Основными составляющими звука являются несложные гитарные риффы, иногда переборы, как основная тема в "Alone" и электронная мелодическая составляющая, также не отличающаяся высокими материями. Ударные живые, но настолько формальны в построении композиций, что замени их битом или драм-машиной изменений не случилось бы. Вокалы в неравной степени поделены на мужской – большинство композиций – и женский, звучащий по-детски попсово, но мило. Мужской голос варьируется от индастриал грязных роковых ноток, хрипа а ля Deathstars, до вполне приличного тенора с небольшим охватом. Итог очень легкий, воздушный и многократно повторяемый, что несомненный плюс для пластинки.
Пока музыканты не заморачиваются серьезными мелодиями и работают в рамках электронного жанра из-под их пера выходят хиты, один за другим: "Assassinate Me", "Nuclear Bitch", "Neochrome". Эти песни с легкостью попадут в любой плейлист и будут там жить бесконечно, ибо не надоедают. После несколько затянутого, в рамках пластинки, медлительного кавера The Chameleons Иисусы решают сделать пятиминутку готик рока, внедряя тот самый перебор и замедляя темп, включают эмоционально нагруженную тематику, явно меняя вектор в неуместную здесь сторону, ведь в попсовой легкости нет ничего плохого, впрочем, куда бы они не метнулись, аналогов будет море и всем они проигрывают, не имея даже конкретного концепта. Истины ради "Puppet" тоже на низком темпе, но с интригующей фортепьянной мелодикой. Заглавная вещь вновь выбирается в сторону электромузыки, и второй кавер "Nowhere Girl" снова поддерживает хитовую мощь начала диска, почетно завершающуюся на ремиксе первой композиции от KMFDM с соответствующими энергетикой и мощью.
Выпустив первый диск, по большому счету Jesus On Extasy ничего не сказали, представив легко собранный из известных частей запоминающийся материал, но утвердили себя на сцене уже играющей и боевой единицей. И дело за следующими дисками, которые отталкиваясь от аморфного первого, могут пойти в любую сторону из опробованных. Рассматривая же альбом отдельно, следует иметь в виду, что это необязательное, но приятное и хорошо развлекающее приобретение для любого меломана, даже вне стилевых предпочтений.«
История итальянской doom stoner группы Misty Morning примечательна. Впервые команда собралась в 1995 году в одном из пригородов Рима, состав тогда ещё виртуального проекта ограничивался всего двумя участниками, их звали Лука Моретти (вокал, гитара) и Макс Бакс (басс). Планы у парней были грандиозные, но Лука уехал на пять лет в Японию, где играл в классическом театре, и только к 2007 группа раскачалась, в ней появились ещё два участника (ударник Фрэнки Инсулина и "электрик" Реджетто), и Misty Morning стали что-то записывать. Как и многие команды этого региона Misty Morning, кажется, с молоком матери впитали навыки сочинения doom-музыки с prog-оттенком, однако по какому-то аномальному стечению обстоятельств их не затронул популярный штамп итальянской (да и не только) сцены – приязнь к старинным фильмам ужасов. Да-да, обошлось без Ардженто, слепых мертвецов и джалло-эстетики. Группа без лишней спешки выпустила два ярких мини-альбома, и вот подошло время делать полноформатный релиз. Итак, почему "GA.GA.R.IN"?
Лука Моретти, поющий гитарист Misty Morning, приходит мне на помощь с интересным комментарием: "Я помню, что ещё в детстве история Гагарина поразила моё воображение. Отец рассказывал мне про Лайку или Гагарина, о том, как он кружился вокруг Земли в своей железной коробке. Поэтому когда я решил написать песню о космосе, единстве людей во всём мире и человеческой воле, мой выбор само собой пал на Гагарина. Наконец-то у меня появился шанс воздать должное его знаковой фигуре. Первый человек в космосе, какие экстремальные условия он перенёс! И меня всегда вдохновляли его замечательные слова: "Главная сила в человеке – это сила духа..."
Такой подход не может оставить русского слушателя равнодушным, особенно когда заглавная песня альбома воплощает в себе практически все милые сердцу думера элементы. Убойный и цепляющий риффинг, олдскульные клавишные, грубоватый вокал Луки, запоминающийся припев – харизма группы становится очевидным фактом после первого же знакомства с песней "GA.GA.R.IN"! Если трек вам понравился, и вам мало, то впереди вас ждёт ещё один сюрприз. Тот же лихой угар и удаль вы найдёте в безоговорочном лидере нашего хит-парада – песне "Doomzilla". Риффы и ритм-секция потрясающе достоверно передают тяжесть поступи неуклюжего морского чудовища из космоса, и под стать ему Лука ревёт громогласное "оооуе"! Текст песни остроумен и в сочетании с наигранным пафосом откровенно фееричен: "Carousel Macabre! Marshal Shaman Bard! Satanic Mutant Shrimp! The Earth is turning green!"
Забегая вперёд, скажу, что у альбома есть две бонусных дорожки: итальянская версия песни "GA.GA.R.IN" и вариант "Doomzilla" с японским текстом. Как это звучит? Сумасшедше круто! Misty Morning склонны к некоторой театральности и любят перемежать части концептуальной истории "GA.GA.R.IN" короткими инструментальными вставками, дополняющими основную сюжетную линию необходимыми штрихами. Поэтому пропустив их, отмечу три громоздких композиции, составляющих костяк альбома, это "Mourn O'Whales", "Black Monk Lives", посвящённая Джордано Бруно, и "Ballo In Fa#Min". Первые две – грузный, насыщенный спецэффектами doom с драйвом, качем, акустикой и плотными риффами. "Ballo In Fa#Min" интересна необычным построением вокальной партии, звучащей торжественно, раскатисто, с чувством – как со сцены Мариинского театра. Оказалось, что это кавер-версия песни известного итальянского исполнителя Анджело Брандуарди, который в своей музыке часто использовал классические и традиционные инструменты. Так что получился средневековый doom на тему сюжетов Танца Смерти и экзорцизма, отсюда и театральный вокал, и необычное построение композиции.
Когда я искал альбом группы в сети на отечественных ресурсах, я не менее двух раз наткнулся в раздаточных топиках на обращение музыкантов Misty Morning к качающим слушателям. Суть обращения предельно проста: мы рады, что вам интересна наша музыка, но в работу над ней вложено немало средств, будьте добры – покупайте наши альбому на CD. Неделю назад мне пришёл стильный дигипак "GA.GA.R.IN." с текстами песен (даже для японского бонуса напечатаны иероглифы) и необходимыми комментариями к ним. Смотрится круто, звучит отлично, поэтому присоединюсь к Misty Morning – приобретайте диски у производителя. Этот релиз пропустить просто нельзя.
Краткое, емкое и броское название у группы, изо всех сил разукрашенное в логотипе приблудами дьявола, но мало того – оно еще и не частое: всего две активные команды, а живых и действующих вполовину меньше обладают именем Pest. Примерно такими же характеристиками обладает первый для Season Of Mist альбом группы, едва-едва перебравшийся из колыбели тру-блека No Colours. Диск дышит краткость формулировок, сырыми и броскими идеями в минималистичном исполнении.
Честно говоря, в наше время прогрессивной и авангардной музыки такие примитивные, даже в хорошем смысле альбомы уже неожиданность. Дуэт с черной музыкой в одну гитару и отдающим эхом, кричащим скримом... сейчас даже тру-блековые альбомы звучат с изюминкой, а тут, прямо царство прямолинейности. Сухая резкая гитара с работой аккордным боем вместо тремоло и периодическими переборами; вместо барабанной дроби сплошной бластбит, а порой и вовсе колотиловка (долбежка все же звучит плотней), кричащий вокалист и раз в песню развитием темы в виде простого, подрагивающего вибрато соляка. Все вместе напоминает помесь треша и блека, не добравшуюся ни до одного из источников – чуть более черный вариант "Requiem" Bathory.
Первые три композиции, построенные по схожему типу: пара блоков повторяющихся куплетных риффов, смена темпа на соло после второго, практически не задерживаются в голове, являя собой некоторое разочарование от прямолинейности диска. Хотя, вскипающая на пару секунд мелодия из "Nights In The Cursed Chapel" хороша по любым меркам. Но с момента заглавной песне, в которой во всю расписаны на полноценный рифф переборы становится интересней, появляется определенная вариативность. Потому что напора, выдаваемого дуэтом, далеко не всегда хватает для убедительной сырой агрессии – если уж треш-блек, то должен быть пенящимся кровью и гноящимся злобой. Та же "Bestial Devastation" обладает хорошим темпом, гитарной резкостью и динамикой впечатляющей больше, чем стартовые композиции, приближаясь к своему эталону, и... снова отдаляясь в следующих композициях. Просто слабая с броским названием шестая и неплохая, но перегруженная мелодическими излишествами "Shadows OF The Dead". В конце нас ждет главная неожиданность – медлительная, почти думовая композиция на 11 минут, сама по себе вполне приличная.
Также стоит отметить первую в истории коллектива цветную обложку первого же диска на новом, большом лейбле, двухстраничную вкладку вместо буклета без содержания и трешевый имидж музыкантов на забавной фотографии в той самой вкладке. Итого, в наше время альбом ничем не удивляет и не восхищает, простоватый, короткий, не заливающий яростным угаром. Как кажется и по тем временам, альбом не был лидером. Зачем в такой форме коллектив пригодился этому лейблу, осталось загадкой, а вам может пригодиться, если вы упертый фанат такой музыки, в остальном середняк.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
