Финская occult doom rock команда с милым сердцу названиемVinum Sabbatum записала свой первый релиз, весьма и весьма недурственное Ер "Songs From The Convent" всего-навсего в 2010 году, но пусть вас не смущает этот факт – финны звучат так, как если бы писались в 70ых, естественно таков был план! Идею триумфа ретро-звучания на современной независимой сцене они закрепили сплит-альбомом с командой Groan и окончательно утвердили отличной полноформатной работой "Bacchanale Premiere", изданной в августе сего года лейблом Eyes Like Snow, хозяева которого известны хорошим нюхом на качественные новинки. Сегодня суббота, и если вы не в церкви, предлагаю вам попробовать "первую вакханалию".
Да, я согласен с тем, что сейчас львиная доля зарубежных команд решительно берёт ориентир на старомодный саунд и без особых сложностей оказывается на гребне новой doom rock-волны. Так же верно и то, что часть этих групп обычно не заботится о высоком качестве своих работ или их оригинальности, а на это неплохо обращать внимание. Случай с Vinum Sabbatum нельзя назвать чрезвычайным, финны играют убедительно и часто захватывающе, за основу взята беспроигрышная комбинация наработок Black Sabbath, Uriah Heep и ряда других групп того периода. Что характерно для их звучания? Акцент на риффинг минимален, как и гитарная тяжесть, отчасти за счёт этого и достигается эффект аутентичности, усиливаемый вездесущим хэммондом, прогрессивными связками и блюзовым heavy, на котором сделали себе имя Pentagram. Вокал Янне Сало идеально гармонирует с звучанием Vinum Sabbatum, он насыщает новыми красками винтажность атмосферы релиза и остаётся одной из причин, по которой ряд песен хочется переслушать не один раз. Но вот на первом треке "Earthrise" группа только раскачивается, и, добавь они тяжести гитарам, был бы тот самый настоящий doom, однако цели стояли другие, и трек шаг за шагом перетекает в более ударную "Gospel of Mary", которая хороша мелодичными вокальными партиями, впрочем, выведенными на ровне с хэммондом поверх гитар. Лучший трек альбома идёт третьим номером – это "Tombstone Rider", если он вас не увлечёт с первого раза, то можете "Bacchanale Premiere" дальше и не слушать, так как эта знаковая дорожка воплощает в себе квинтэссенцию всех задумок Vinum Sabbatum единовременно и бесспорно удачно. Олдскульной проговой гитаре дали слово наравне с клавишными, а мелодия хороша ровно настолько, что кроме как покачивать в такт головой и мычать под нос "here comes tombstone rider" ничего не остаётся. "In And Out Of Faith" и "The Devils' Cradle" мало в чём уступают "Tombstone Rider", и только "Culdremne", мягкая, балладная композиция, создаёт настроение отличное от общего, провоцирующее вечернюю меланхолию и теребящее разные воспоминания, которые трогать бы и не стоило. После демонстрации чувствительной стороны своей натуры, Vinum Sabbatum будто в оправдание минутной слабости запускают самый тяжёлый (вы понимаете, что тяжёлый относительно остального материала) трек альбома – собственно "Vinum Sabbatum", блюз-думовую колыбельную протяжённостью в одиннадцать минут.
Чем хороши Vinum Sabbatum? Во-первых, это профессиональная команда, которая знает, чего хочет, и решительно добивается нужного результата. Во-вторых, песни "Bacchanale Premiere" по-своему уникальны: они могут понравиться тем, кто давно следует медленному тяжёлому року 70ых, и во многом причиной этому будет очевидная связь творчества финнов с наследием той культурной эпохи, точно также они могут прийтись по вкусам тем, кто подсел на ретро doom rock не так давно, и плюс будет в том, что в силу недостаточно глубоких познаний в этой области (как у меня) этот материал может быть в новинку, что тоже неплохо. Есть ещё вариант, что вас Vinum Sabbatum вообще не тронут, но это едва ли проблема – команда найдёт свою аудиторию, в этом можно не сомневаться.
Рецензию на этот уже довольно старый образчик True Black Metal я затеял неспроста, но об этом позже. Начну издалека. Всем известно, что из себя представляет типичный Black Metal-сплит. Как правило, это сборка, объединяющая в себе никому не нужные выбросы двух-трёх безвестных банд, создающаяся исключительно по принципу тематического наполнения. Главное – идея, нужное звучание и монохромное оформление. Фанаты андерграунда купят, и не важно, что качество содержимого никуда не годится. На первый взгляд, сплит могилевчан Aphoom Zhah и гомельчан Šmiercieslaŭ из той же оперы. Релиз содержит первые демо-записи обеих групп – "Вечная боль" и "Biessmjarotny Czorny Mietal" соответственно. Как отметил когда-то в своей рецензии на этот же релиз коллега Lightbringer, "Есть диски, которые распространять за деньги должно быть стыдно – сегодня мы как раз с таким случаем и столкнулись". Есть одно маленькое "но"... загибаем пальцы. Демки издавались в 2000-ом году на кассетах, тиражи полностью раскуплены. CD-издание от Possession 2004-го года выпуска (666 копий) также разошлось подчистую. Затем – внимание – переиздание от Greek Unisound Recordings, тиражом в 1000 копий, тоже осело в частных коллекциях. И, наконец, переиздание от колумбийцев Tribulacion Productions, с вручную пронумерованными копиями, осталось на данный момент в мизерных количествах всего на нескольких лейблах. Само по себе количество копий не так уж велико по сравнению с тиражами дисков мажорных групп, но ведь речь идёт о демках (!) малоизвестных беларусов! Это как-то не сходится с "дисками, которые за деньги распространять стыдно".
А всё дело в том, что материал сплита представляет собой вовсе не бездарную чернуху, а превосходные, пусть и короткие, Black Metal-работы. Начнём с "Вечной боли". Это 24-х минутное демо, звучащее как дань уважения раннему Black Metal-движению. В сравнении с разнообразием полноформатника "Symbol of the new Aeon" демка звучит довольно примитивно, зато здесь присутствуют все непременные атрибуты истинного чёрного метала – скорость, простота, ритмичность и тёмная атмосфера. Ориентиром может послужить "Under a funeral Moon" Darkthrone. Звук записи сырой, однако не сливается в кашу, всё слышно замечательно. Слова песен даже можно разбирать на слух – лирика "Вечной боли" написана на русском. Повествуется там о зле, боли, смерти, холоде. Вокалист по прозвищу Навь, кстати, вскоре после записи угодил в лечебницу, после чего Aphoom Zhah продолжили творческий пусть вдвоём. В целом, "Вечная боль" хоть и не представляет ничего из ряда вон выходящего, зато звучит именно так, как должен звучать истинный Black Metal. Этого музыканты и добивались. Много кто пытается сыграть так же, как отцы самой злой музыки на земле, но мало кому это удаётся.
Smierceslau со своим "Biessmjarotny Czorny Mietal" (эрудированные читатели должны знать, что беларусский язык раньше писался латиницей, так что здесь нет никакого исковерканного английского) – другая история. 4 трека, составляющие на данный момент весь творческий багаж группы – это истовое поклонение первой волне блэка и прото-блэка, той, что зарождалась ещё в конце 80-х. Начинается всё с длинного разыгрывания несложной гитарной партии, а потом музыка внезапно рвёт с места в карьер. Трио Darkut – Radzim – Modgud заряжает ураганный BlackThrash Metal с молниеносными соло, смешивающий и ускоряющий лучшее от ранних Bathory и Venom, добавляя к этому безумный скрипуче-хрипящий вокал. Прелесть записи не только в сорванных тормозах, но и в том, как она сделана. Если поставить её рядом с лентами конца 80-х – начала 90-х, никто не заметит разницы. Всё сделано именно так, как в те безумные времена, когда музыканты творили всё, что им вздумается. Комично-злой образ Смертеслава – чёрная смерть с косой, изображённая на обложке демки – прибавляет записи крутизны. Здесь же сумасшедшие тексты, окончательно очерчивающие атмосферно-стилистические рамки "Бессмертного Чёрного Метала". Это демо чудесно своей искренностью перед слушателем. Оно – гимн первичному Black Metal, злому, примитивному, контрэкспериментальному, отпугивающему неподготовленных и слабохарактерных.
Как и обещал в самом начале, раскрываю причины создания этой рецензии. На днях был анонсирован выход первого полноформатного альбома Smierceslau, к которому бонусом сразу же будет добавлен ещё один миньон. Запись была сделана 10 лет назад, заброшена, а сейчас перезаписана и готовится к выходу уже этой зимой. Это будет настоящая бомба, окончательный отрыв башки и pure fucking armageddon, я вам даю слово!«
Пародисты бывают плохими и не очень. Кто-то до икоты разыгрывает друзей по телефону уверенным голосом Путина, над кем-то потешаются за "плёхой кавказький аксент, вах". Kamelot из второй ипостаси – да ещё в полной, почти святой уверенности, что вокруг все надрывают животики. Драматический побег из группы Роя Хана, основного автора всей этой нуарной сказки, разумеется, не заслуга г-на Томаса Янгблада, а обстоятельства, с которыми американскому гитаристу нужно было справиться, сохранив лицо. Но формат и общий характер "Silverthorn" вызывают уйму вопросов. Вместо того чтобы дать начало новой главе в истории Kamelot, мастермайнд отчаянно цепляется за призраки прошлого, нанимая на работу пародиста из Швеции Томми Каревика. Ладно, он довольно топорно и неискренне копирует эмоции, театральность и трагические ноты в голосе Хана, боясь хоть на шажок отойти от оригинала, так и всё остальное подвергается тотальному передиранию – жесты, повороты головы, манера солировать. Достаточно взглянуть на дебютный клип, чтобы от этой сухой и странной пантомимы начало тошнить. Гнаться за уникальностью норвежского фронтмена – попросту дискредитировать себя. Ну да, похоже, но не более того – нет погружения в роль, где Хан буквально проживал жизнь на сцене. Кто видел группу в турах, поймет. В дополнение и сам Янгблад с мастерством Винокура пытается спародировать старые релизы начала хановского периода, но оставляя со слушателем "Poetry For The Poisoned" (2010), возможно, не лучший релиз в истории Kamelot, но яркий, эффектный и разнообразный материал с блестящими вокальными мелодиями авторства Хана. В рамках "Silverthorn" выходит максимально полированный набор клише из разных альбомов группы – совсем не пропитанный мраком, как все работы, начиная с "The Black Halo" (2005), а более лёгкий и светлый, хотя и далекий от ранних пластинок с Роем на вокале, воздушных и хитовых. Пауэрный стандарт, который последние годы активно нивелировался атмосферными элементами и драмой спектакля за микрофонной стойкой, вернулся в значительном количестве. Серьезно попахивает финятиной, но с поздним атмосферным симфо-налётом и каким-то очень пластиковым звуком, смывающим даже с острых концептуальных моментов груз драматизма. Гитарам, также модифицированным по риффовой части, и ритм-секции банально не хватает мощи, а клавишные переливы до безобразия дежурны. Такой вариант для самых маленьких.
Вместо тонких и душевных моментов в составе полноценных вещей нам предлагают (о ужас!) классические баллады, которых у Kamelot не было черти знает сколько времени. Там, где проговые элементы обезличены (нередко), американцы напоминают какой-то готик-металлический проект, максимально доступный по материалу, несильно хитовый и какой-то безвкусный. Общее впечатление слепка, копии полотна, сделанной студентом с последних курсов академии, не оставляет. Вроде та же самая группа, узнаваемые мелодии и ритмика, голливудщина лоска, сложные аранжировки, умелые перестрелки клавишных и шестиструнок, сильный вокал Каревика, хит а-ля "Ghost Opera" в "Sacrimony" и так далее. Но перемена в составе не придала Kamelot ускорение, а наоборот явно добавила неуверенности Янгбладу-композитору, которая сквозила в его слабых работах до прихода Хана. Отныне ему придется справляться в одиночку. И пока он не научится создавать такие же яркие и запоминающиеся вокальные партии, группа дальше не пойдет. Next time, без пародий, пожалуйста.«
Сегодня просто праздник какой-то! Казалось бы ещё недавно ты царапал на парте логотип любимой группы, копируя его с картинки на кассете, а тут оказалось, что пока ты водил носом по сторонам, заканчивал университеты, устраивался на работы и, как мог, делал мир лучше и чище, у этой самой группы случился солидный юбилей. Таким образом, совершенно непредсказуемо в этом году мы празднуем двадцатилетие творческой карьеры легендарных шведских естествоиспытателей от меланхоличного тяжёлого метала – Lake f Tears. Я думаю, что и сами музыканты с трудом вспомнят дату образования команды, но по умолчанию для отмечания этого события идеально подходит осень. И естественно по такому случаю хорошим подарком будет tribute-альбом имени юбиляров.
Tribute-традиции в России не задались. С содроганием вспоминаю первый блин в виде колченогой "Москвалики", с недоумением воскрешаю в памяти трибьют им.Арии. А тут дань самим Lake of Tears! Это кто тут покусился?! А покусился официальный российский фан-клуб группы, и надо сказать, что парни подошли к работе не только с большим энтузиазмом, но и с посильным профессионализмом, набрав для релиза полных двадцать шесть (26) треков от групп из России, Украины, Швеции, Мексики и Швейцарии. Были и ещё участники, отвалившиеся по ходу дела, включая самих Cemetery, но об этом уже достаточно сказано в кулуарах. Что характерно для любого трибьют-альбома? То, что песни, входящие в подобные издания, можно условно разделить на три типа: сделанные один в один ("потому что мы любим группу"), сделанные толково и по-своему ("потому что мы любим группу, но была возможность и своё слово вставить") и сделанные как-то так ("потому что так получилось"). Это, конечно, условное разделение, но оно правдоподобно, и вам придётся с этим согласиться. Да-да!
Итак, "Twenty Years In Tears" состоит из двух частей. Песни представлены в хронологическом порядке: таким образом, сборник начинается с композиций, вошедших в культовый death doom альбом "Greater Art" и заканчивается треком с последнего прогрессивного опуса "Illwill". Справедливости ради скажу, что ещё есть бонус-трек, но о нём позже. Как вы понимаете, группам, взявшимся за death doom наследие разгуляться, разбрасываясь собственными идеями, было буквально негде – простора для этого не оставляют стилистические границы "Greater Art". Однако, ни Atra Horum, ни Sacratus, сыгравшие незыблемые "Under the Crescent" и "Upon The Highest Mountain" практически в неизменном виде, не разочаровали. Grobut Neerg вызвали искренний восторг, порядком оживив самый драйвовый номер альбома "As Daylight Yields" – в оригинале песне не хватало хорошей резкости, чёткости и, за счёт этого, жёсткости, так вот наши соотечественники добавили и того, и другого, впрочем, не перегибая палку. Adfail перепели "Evil Inside" злее чем было в оригинале – в этом вся заслуга вокалиста, по инструментальной части изменений, равно как и нареканий, нет, так как кашу маслом едва ли можно испортить. Aglarond (вот она Мексика) добавили песне "Tears" уместной готичности: звучат и пианино, и скрипки, и клавишные аранжировки – уже и не вспомню, какова была их концентрация в оригинале, но, так или иначе, в этом случае всё пришлось к месту. Если в двух словах, то кавера на песни "Greater Art" получились одинаково хорошо, от части причина и в том, что оригинальный материал был записан в 1994 году далеко не идеально. Своим появлением на альбоме удивили недавно вернувшиеся в строй москвичи Mental Home (почти ровесники Lake of Tears, дата образования гурппы – 1993 год), продемонстрировав в полном объёме то, что называется "творческим подходом". Культовая "RavenLand" теперь зазвучала на русском, но имейте ввиду, что такой перевод называется "художественным", поэтому он близок к оригиналу, но не повторяет его. Ускорился темп композиции, и естественно характерный для Mental Home надрывный вокал добавил настроению песни хорошего, настоящего мрака. Украинцы Tectum без ненужных кривляний сделали "Dreamdemons", получилось немного сыровато, но с душой. Заглавный трек "Headstones" взяли на себя Hexentraum и, сделав такой ответственный шаг, ни разу не подвели! Песня зазвучала в "народном" ключе, и тут, конечно, постарался вокалист, хотя главной находкой стал аккордеон, удивительно хорошо зазвучавший в новой аранжировке. Привет с Дальнего Востока шлют Zerokarma, решившие зарубить канонический боевик "Burn Fire Burn", живо, свежо, но эту песню на альбоме я обычно перематывал. Остроумно подошли к своей части работы петербуржцы Dominia. Известные своим концертным хитом "Mountains of God's Depression", они проявили последовательность и взяли себе "The Path Of The Gods" (Upon The Highest Mountain II), но песня, в оригинале сильная, в том числе, вокалом, зазвучала в их исполнении довольно сухо, и ставка на скрипку не сработала, так как все остальные инструменты на её фоне звучат тускло. Satanation чуть было не совершили святотатство, но в итоге их версия "Cosmic Weed", претерпевшая серьёзную мутацию, звучит пусть и слабо узнаваемо, но за счёт отличных партий женского вокала крайне привлекательно, а кого-то, вероятно, привлечёт и melodic death-финал. Первую часть трибьюта закрывают Tartharia, препарировав "Devil's Dinner" до полной неузнаваемости и навешав на рокнрольный танцевальный хит дэзового мяса, на мой взгляд, результат сумбурен, хотя фанаты death metal могут со мной не согласиться.
Второй диск начинается с перепевки популярной "Four Strings Of The Morning" – в игру вступают финны Awake In Shades, собравшиеся только для записи этой песни, и, честно говоря, меня их кавер не тронул – слишком ровно звучит вокал. Мексиканцы Aglarond, как оказалось, записали для релиза две дорожки, и вторая – "Raistling And The Rose", такая же трагичная и гнетущая как и оригинал. Музыканты Draconian и Doom: VS представили вниманию слушателей "Hold on Tight" в исполнении своего относительно нового проекта Shadowgarden – от исходника не отличишь, и это меня вполне устраивает. Inside You (Истра), одно время относительно успешно следовавшие заветам немецкого поп-ансамбля Crematory, запороли заглавную песню "Forever Autumn" – инструментальная часть выполнена блестяще, но вокалист, видимо, даже не слушал свою запись, и это прискорбно. Draconian, кстати говоря, присутствуют здесь не только в форме вышеупомянутого проекта, но и лично, ими максимально, по-фирменному, перегружена "Demon You / Lilly Ann". Шведы сделали из вобщем-то проходной песни солидный doom-памятник, а в этом деле они, поверьте, поднаторели. "All-stars" pagan thrash / death metal коллектив Путь Солнца надругался над "Return of the Ravens", переделав её целиком и полностью под себя, если им это самим понравилось, что ж, я рад... Сразу двумя песнями отметились соотечественники юбиляров – The Equinox Ov Gods, осваивавшие шведскую сцену ещё в 1989 году. Они идеально перепели "Let Us Go As They Do", насытив её просто дремучим мраком и потусторонней атмосферой, что у подручных Фредерика Уоллина всегда получалось успешно. Кроме того, музыканты абсолютно демонизировали "Planet Of The Penguins", что опять же им свойственно – беспросветно, тяжело, гнетуще. Выходцы из gothic doom формации Bessech выступают сегодня под вывеской The Mary Major, и я им искренне благодарен за их видение "The Greymen": драйва стало больше, эмоции максимально накалены, а чередование партий роскошного женского вокала (спасибо, Лотта, ты классная, Лотта!) с хардроковым мужским голосом – это стоящая находка! "Black Brick Road" не входит в число моих любимых альбомов, но, видимо, я переслушаю его, чтобы напомнить себе о том, как же звучит "Dystopia", из которой швейцарцы Xicon сделали модерновый боевик для dark electro дискотек. Handful of Stars (Украина) начинали за здравие (и их "Sister Sinister" звучала поначалу вполне соблазнительно), но закончили за упокой – с припевом пошли неуместные трэш и угар, и разнузданный хэммонд единственно звучит к месту. Дважды на альбоме выступают "бастард-рокеры" Egonaut (если я всё правильно понял, там в составе гитарист Lake of Tears): "Children Of The Grave" звучат положительно резко и драйвово, а новая для меня "Floating In Darkness", анархичная и агрессивная, напомнила об альтернативных группах конца девяностых. Однако, я говорил о бонус-треке, который создатели сборника выделили отдельно, это трек от московской формации Type V Blood, которые со всей ответственностью, подключив смекалку и соответствующие навыки, записали мощнейшую "heavy metal / drum'n'bass" версию "Burn Fire Burn", тем самым заставив меня пересмотреть свой взгляд на эту песню и переслушивать её в новой обработке до нескольких раз подряд. Отдадим должное, вокалисту – его голос оптимально передаёт настроение песни и её "металлический" характер, я исключительно доволен таким сюрпризом и рад, что организаторы включили трек в альбом. Хорошо, что "Twenty Years In Tears" выпущены не на кассете, иначе благодаря Type V Blood я бы её затёр до дыр.
Итак, рассчитывать на то, что два с половиной десятка треков, вошедшие в "Twenty Years In Tears", будут прекрасны и восхитительны, не приходилось, да и скажем прямо, на последних альбомах Lake of Tears количество хитов на единицу времени не так уж велико. Тем не менее, предлагаю считать удавшимся этот tribute. Более половины команд предоставили действительно интересные треки, релиз отлично оформлен, да и усилия по организации его выпуска были, очевидно, приложены не малые. Это порядком лучше чем получить по такому поводу ещё один сборник "лучших песен", так что привет всем участникам и многая лета юбилярам.
В последнее время я часто сталкивался с psychedelic / stoner / doom командами из Перу: оттуда родом широко известные Reino Ermitano, Don Juan Matus и El Hijo de La Aurora, а также безвременно почившее пауэр-трио Tlon. Но южноамериканская сцена не замыкается на одних лишь перуанских группах, поэтому сегодня я предлагаю вам познакомиться с представителями чилийской сцены – это El Gran Temor, прошу любить и жаловать.
К сожалению, группа сейчас находится в подвешенном состоянии, так как в 2010 году после нескольких концертов в поддержку только что вышедшего тогда альбома "Jugando Con La Muerte" ("Игра в Бога") участники разбежались, и от оригинального состава остался только её основатель команды Хорхе Луис Пайллао, который, впрочем, сейчас не сидит сложа руки, а записывает новый материал и набирает состав для El Gran Temor. Материал, вошедший в "Jugando Con La Muerte", включает в себя песни, сочинённые группой в период с 2005 года по 2009, тогда-то этот альбом и был записан в студии Пабло Наваррете, басиста чилийской stoner / metal команды Hielo Negro (год основания – 1996), и Пабло, очевидно, не новичок в этом деле, так как запись альбома он вывел на достойный уровень, а это, как известно, важный фактор, исключительно способствующий усвоению материала слушателями. Так что у нас сегодня в меню? А в меню у нас то, что сами музыканты называют "electric blues rock", в основе которого фактически лежат как характерные риффы stoner и proto doom, так и фирменное психоделическое звучание из 70ых. Что интересно, звучание El Gran Temor не сводится к одному только перегруженному риффингу и расплывчатым кислотным аранжировкам, хотя и первое, и второе получается одинаково убедительно. Среди источников своего вдохновения Хорхе, гитарист и автор почти всей музыки, называет не только столпы современного stoner, классического doom rock или работы Джими Хендрикса, сюда же он относит босанову (смесь бразильской музыки и кул-джаза), оригинальную латинскую музыку и таких исполнителей как Жуан Жилберту (основатель босановы), аргентинского рокера Луиса Спинетта, чилийского фолк-исполнителя Эдуардо "Gato" Алквинта, блюзового гитариста Паппо и поэта и певца Виктора Хара. Это слишком сложно, правда? Тогда в суждении о том, что вы услышите на "Jugando Con La Muerte", опирайтесь на ссылки в конце рецензии, по которым можно лично ознакомиться с командой, и на мои заверения в том, что в этот альбом вошли восемь отличных треков, впитавших в себя дух психоделического рока 70ых и драйв добротного, тяжёлого stoner. Первая песня альбома "Infortunio" как раз привлекает внимание именно удачным сочетанием элементов этих жанров, а кроме того первоклассным чистым голосом Хорхе, который поёт на родном языке. Я всегда высоко ценю группы, вокалисты которых поют на родном языке, в случае El Gran Temor такой выбор вдвойне оправдан – вокал действительно хорошо и в его исполнении тексты на испанском звучат очень привлекательно. По словам автора, тексты песен альбома представляют своего рода дневник, раскрывая разные проявления "радостей и горестей" в человеческой жизни. На блюзовую "Jugando con la Muerte" музыкантов вдохновил известный в 70ые годы "готический" сериал "Мрачные тени", а громогласная "La Niebla" посвящена родному городу автора – Темуко. Тоска по дому вылилась в тяжёлый трек с часто меняющимся темпом и грузящим мотивом. "Estrella" ("Звезда") посвящение старинной хардовой команде Grand Funk Railroad, а заодно и одной девчонке с юга Чили. Очевидно, и с тем, и другим у Хосе связаны хорошие воспоминания, потому как трек звучит ярко, эмоционально и позитивно; такие впечатления во многом вызваны мелодичностью песни и её чуть более лёгким и быстрым темпом. В один ряд с "Estrella" я бы поставил романтическую композицию "Noctambula", в которой есть и ударная ведущая stoner-тема, и фантастический space rock пассаж, завершающийся мощным, запоминающимся припевом. Что касается влияний босановы, которые были упомянуты в числе ключевых, то таковые можно разве что услышать в пространной блюзовой инструменталке "Solitaria" ("Одиночество"). Развёрнутый психоделический трип "Alturas" звучит в преддверии последней песни альбома "El Tiuke", боевой настрой которой объясняется тем, что она записывалась в поддержку "мапуче", "людей земли", единственного племени Южной Америки, которое не покорилось ни инкам, ни испанцам. Так что не удивляйтесь, когда услышите во второй половине песни индейские барабаны – это дань уважения предкам.
El Gran Temor нельзя назвать уникальным явлением для южноамериканской stoner сцены, но песни "Jugando Con La Muerte" удачно впитали в себя как то, что принято называть "местным колоритом", так и влияние "западной" культуры. Результатом этого стал материал, о котором сами музыканты очень хорошо сказали следующее: "Мы играем музыку, которая не могла быть написана в Чили в 70ых годах". Почему бы и нет... За вычетом попыток подвергнуть эти песни сухому анализу, в итоге я хочу обратить ваше внимание на то, что на альбоме есть несколько по-настоящему крутых композиций, которые могут дать фору трекам маститых команд, но вы определите их для себя сами. А я рассчитываю на то, что Хорхе в ближайшее время всё-таки наберёт новый состав для El Gran Temor, пока же в его планы входит переиздание "Jugando Con La Muerte" на виниле с бонус-треком, который не вошёл в оригинальное издание.
"Envenomed" – предтеча современного стиля моих любимых дэтстеров Malevolent Creation. На сыром "The Fine art of Murder" при помощи временно вернувшегося Роба Барретта звучание зарождалось, а здесь было выведено на качественно новый уровень. Американцы чётко разделили музыку на отрезки разной скорости, сообразив 11 превосходных цепляющих композиций. Никаких неожиданностей здесь нет, только прямолинейный олдскульный death metal, большую часть времени горящим поездом рвущийся вперёд на сорванных тормозах. Звук – фирменный для Malevolent Creation. Железобетонный грохот гитар пока что в прошлом (на "The Will to Kill" он появится вновь), всё заделано "под Morissound", но чуть разборчивее и громче. На гитарах бессменный Фил Фасиана и Роб Барретт, за ударкой замечательный Дэйв Кулросс, бас дёргает Гордон Симмс, а вокал отдан на растерзание Бретту Хоффману, для которого этот альбом стал последним во время второго пришествия в группу (третье пришествие состоялось в 2007-ом). Будущий вокалист Кайл Симмонс дерёт глотку на третьем и седьмом треках. Ударная часть восьмого трека сыграна будущим барабанщиком Гасом Риосом. В общем, засветились все знакомые лица, кроме Джейсона Блаковица.
Альбом целостный, однако хитов здесь хватает. "Homicidal Rant", "Bloodline Severed", "Viral Release", "Conflict" – всё это превосходные вещи, исполненные чисто малеволентовской ярости, которую они с годами не теряют, а только преумножают. "Viral Release" вообще сама по себе является торжеством олдскула, так как здесь группа даёт самого настоящего thrash metal, злющего и кусачего, как голодный пёс. Ритмика "Envenomed" потрясающая, только Malevolent Creation умеют так классно соединять дэтовую тяжесть и трэшевую энергию.
Существует переиздание альбома под условным названием "Envenomed II". Его отличие – три бонус-трека. Один – превосходный кавер на "Perish in Flames" Dark Angel. Второй и третий – перезаписанные версии двух неизданных композиций с первых демо-записей. Если "Epileptic Seizure" просто крута, то "Confirmed Kill" – это срыв башни и тотальное безумие. В неполных двух минутах заключён ядерный взрыв бешеной злости, шлющий нам привет из конца 80-х, когда группы ещё могли "be sick as you want and be fast as you want". Если бы сейчас Malevolent Creation записали целый альбом в том же ключе, что и эта композиция, цены ему бы не было. С этими тремя бонусами альбом заслуживает пятёрки с плюсом, но я остановлюсь на оригинальном варианте, который не намного хуже и получает за это свои 5 баллов.«
Результат "God Is An Automaton" отчасти лежит в философской плоскости. Если брать взросление и возмужание, как на порядок лучше по ТТХ прописанные сэмплы и строгую последовательность, однородность материала, то швейцарские кибер-металлеры Sybreed действительно вышли из школы и пошли в универ. Но тогда придется просто не заметить потерю фантазии, разнообразия фактуры, банальное отсутствие мысли в сэмплировании и ещё целый ряд схожих проблем. Кто-то пытается прозвать процесс усреднения материала дорогой домой, возвращением к корням после лихого эксперимента в виде "The Pulse Of Awakening" (2009), где вещи скакали по форматам и содержанию – от попсового грува и электропопа с новой волной в придачу до синтетического блэк-метала в виде "I Am Ultraviolence" и финального 10-минутного космического светопреставления "From Zero To Nothing". Но корни нужно искать, когда борода вырастет, а пока можно расщедриться и на дальнейшие поиски прекрасного. Швейцарцы Sybreed явно больше слушали продюсера, чем себя, пребывая в вакууме – конкурентов у них нет, да и узнаваемость мелодий так и никуда не делась. Если в прошлый раз группа застряла в космосе, то теперь все вещицы ровно и сочно пропитаны индустриальным духом, эдакой ржавчиной, которая подходит к аскетичному грув-металу идеально. Благо синтетикой в том числе занимался Рис Фалбер, известный когда-то по Front Line Assembly, но сейчас больше как закадровый идеолог Fear Factory пост-реюнион, где он творит атмосферу. Сходства есть. Звучат теперь Sybreed монолитно, в едином ключе, чётко и сурово. В каждой теме схожие структуры, один или два отличительных сэмпла и более мастеровитый вокал дяди Бена. Фирменная гнусавость до конца не испарилась, но её стало в разы меньше, а парень как будто посещал свою "консерву" по классу вокала. Партии слегка усложнились, а баланс между чистоганом и скримом более умелый. Интереснее стали гитарные партии в купе с ритмикой. Ничего амбициозного, как на предшественнике, здесь впрочем нет. Выделяется лишь закрывашка "Destruction And Bliss", пытающаяся, отчасти успешно, но слишком предсказуемо, взять и повторить результат "From Zero To Nothing". Тот же космос, эпическое аутро и прочие прелести футуристического металла с плевком в киберпанк.
Вроде бы по многим, по крайней мере, чисто техническим показателям Sybreed пошли вперед. Но за деревьями не видно леса. Материал слишком инертный и шаблонный – в нем нет сюрпризов, коих было множество в 2009 году, нет стилистического разнообразия и сонма ярких мелодий. Плавание от прото-готической новой волны до космического блэк-метала в соседних треках превращало "The Pulse Of Awakening" в неидеальное, но интересное путешествие. Новинка выбирает шаблон "куплет – припев", посыпая округу отлично проработанными сэмплами, но они кажутся лишь украшательствами и изредка несут креатив. Ничего нового, чего мы не видели на ранних пластинках или местечково в составе предшественника, здесь не найти. Формат завернут в красивую обертку, сделан сложно по ТТХ, но слабо запоминается, а ближе к середине превращается в рутинный поток треков-близнецов с парой ярких моментов. Как зрелый "Antares" (2007), с которым много общего, очень неплохо. Как ожидание сиквела к "пульсу" – ремесленная поделка, рассчитанная на студийные бдения больше, чем на создание идей.«
Хоть и шведы, а привычка создавать себе проблемы и затем их решать чисто русская. В 2011 году в виде "Dystopium" прог-металлеры Loch Vostok подложили себе аккурат под ноги банановую кожуру, залив пространство модерновым саундом и взяв на вооружение трендовый, предсказуемо безликий местный MDM, который ранее проскакивал только лишь аллюзиями. Теперь они осваиваются в этом мирке, который стал ярче и опрятнее, но всё равно слишком далек от гармоничного "Reveal No Secrets" (2009) – пластинки, что в значительной степени создала самобытность LV, чтобы через два года ее напрочь смазать. Жёстких перестановок не случилось – они по-прежнему временами звучат, словно Scar Symmetry и Soilwork решили адаптировать материальную и вокальную часть поздних Evergrey. Но бесхребетное чудо со скупыми мелодиями и навязчивым маревом привычной гетеборгщины за год слегка обросло кожей и мясом, отыскав компромиссный вариант между отполированностью "дистопии" и элементами раннего творчества. Успех новой "доктрины" в деталях – похорошевших, более ярких припевах, многослойных и отнюдь не куцых аранжировках, симфонических вкусностях, поданных ненавязчиво, ритмических разнарядках, разнообразии в использовании гитар и баса. Более того, если в предыдущий раз можно было с трудом накопать полтора шлягера, то внутри "V: The Doctrine Decoded" претендентов на это высокое звание воз и маленькая тележка. Интенсивность симбиоза мелодэта, прог-метала и пауэра возросла. Партии скачут от трад-хэви до модерн-метала и грув-метала с кучей сторонних элементов. Топорно выструганные настроения из прошлой работы подпоясаны глубоким драматизмом, в основном в виде хороших синтетических подкладок и голоса. Вокал Тедди Мёллера также не всегда можно отличить от тембра Тома Энглунда из Evergrey, но, по крайней мере, исполнение удачнее, а спектр – шире, чем годом раньше. Кинг Даймонд мог бы гордиться визгом своего шведского коллеги на "A Tale Of Two Kings".
Нет на "доктрине" и вопиющей дисгармонии "дистопии" – речь об острых углах, которые отделяли мелодическое симфо и проговые припевы от мелодэтовой долбежки. Теперь в основном с этой проблемой справились. Несмотря на риффовые атаки и жесткое гудение гитар поп-припевы в тризне а-ля Evergrey никуда не делись. Если чуть-чуть копнуть вглубь, можно встретить и слегка джазовые аранжировки, и элементы гитарного фьюжна, если не джента вовсе, разные акценты на соседних треках (где-то на ритм-секцию, где-то банально на припев и клавишные подкладки). Модерновый фон всё еще мозолит глаза, но уже не столь вопиюще, как на "Dystopium". Похоже, со временем LV смогут примирить таки своих старых почитателей с новой реальностью.«
Первого сентября 2012 года, пока школьников гнали палкой к ненавистным рудникам знаний огребать опыта и навыков, барселонский лейбл Aloud Music LTD, плевав на кризисы евросоюзов и движимый исключительно желанием нести тяжёлое, доброе, светлое в массы, издал третий полновесный альбом своих соотечественников Toundra. Испанские виртуозы от инструментального post metal, видимо, ничего не слышали о французах Monolithe и назвали альбом также как они (и, пожалуй, ещё пара других команд) – "III", тем самым обозначив место релиза в своей дискографии.
За два года, прошедших с выхода альбома "II", Toundra немного переосмысли своё видение проекта: первое, что обратило на себя внимание, это тенденция к утяжелению звучания, в этом они теперь сравнялись с коллегами из Exxasens; хотя тяжесть и добавляет звуку однозначности Pelican, по ловкому варьированию скорости и темпа, по частичному усложнению композиций группа уверенно выходит на один уровень с God Is An Astronaut... Эй, но что на счёт индивидуальности? Помнится на "II" таковая проявлялась, например, в ловком оперировании с народными мелодиями и инструментами. Хорошо, на первой же дорожке "Ara Caeli" вы услышите скрипку, хотя, следуя крещендо, композиция буквально обрастает "тяжестью", и вот эта "умная сила" становится одним из столпов следующего трека "Cielo Negro" ("Чёрное небо"). Вместе с тем, "Requiem" – спокойная, трогательная композиция с плачущей скрипкой, сдержанной акустикой и ритмикой торжественной погребальной процессии, которая к финалу песни заметно утяжеляется и подготавливает слушателя к галопирующей "Marte" ("Марс"). Захватывающий, шикарный трек, пожалуй, непривычно брутальный для Toundra, так что на его фоне пятая композиция альбома "Lilim" ("Тень") звучит просто камерно, интимно, хотя основная мелодическая линия за семь минут успеет обрасти несколькими слоями тяжести и даже сбросить часть из них ближе к своему завершению. "Espirita" ("Душа") подводит итог "III", являя нам безупречный образчик современного post metal во всей его непредсказуемости и разнообразии, окончательно определяя исключительный статус Toundra не только на испанской, но и на мировой post-сцене.
Грандиозная работа... Я иногда задаюсь вопросом, почему инструментальные команды отказываются от услуг вокалистов, и тому есть простые объяснения, а в том, что касается Toundra – здесь никакие слова не нужны, музыка красноречиво компенсирует их отсутствие. Кому-то это может показаться странным, но такая высокохудожественная работа как "III" посвящена смерти и жизни после неё. Тоска и яркие, роскошные образы уступают мраку, неизвестности, небытию, но как же всё это оформлено! Талант участников проекта ни для кого не станет открытием, но с новой работы Toundra превзошли самих себя.
За этим экспериментальным death doom проектом из Австралии стоит всего один человек – зато какой! Терри Вайнорас известен знатокам экстремальной сцены своим значительным вкладом в работы таких команд как Cryptal Darkness, The Eternal и Insomnius Dei. Подустав от жанровых ограничений Терри пришёл к созданию сольного проекта и теперь под заголовком Subterranean Disposition демонстрирует нечто, что можно обозначить как экспериментальный или, почему нет, интеллектуальный death doom.
Раскрывать все свои козыри Терри явно не спешил, и для детального восприятия его дебютной работы потребуется терпение, наработанное годами прослушивания doom-опусов, так как пусть и ограничив состав альбома всего пятью композициями, автор со смаком растягивает время их звучания от девяти до четырнадцати минут. Не опускаясь до избитой, но по-прежнему привлекательной для неофитов формулы "ангелы и демоны", мистер Вайнорас первым же треком "Between Apes and Angels" определяет место современного человека, облекая этот неприглядный образ в музыкальное полотно, сотканное из диссонанса и тяжести. Первая песня звучит сурово, жёстко, мрачно как смертный приговор, вместе с тем, ей не досталось никаких новаторских элементов – это медленный, грузный death doom с редкими короткими передышками, оставленными на нагнетание атмосферы и брутальными атаками, во время которых гроул приобретает более брутальные оттенки. С них, по сути, начинается вторая, одна из самых интересных дорожек альбома – "Prolong This Agony". Агрессивный, близкий к сладжевому темп как-то просто сменяется акустическим пассажем, во время которого место у микрофона занимает солистка с нежным джазовым вокалом. Её роль в этой песни из-за продолжительности можно было бы назвать эпизодической, но по ощущениям – она играет одну из главных ролей, тем паче, что такой необычный переход неожиданно элегантно вписывается в структуру песни. В "Seven Sisters of Sleep" Терри снова делает ставку на чередование дисторшированного брутального напора и мрачных атмосферных вставок, но кульминацией песни по замыслу остаётся более прогрессивная, вторая часть трека, характерная для представителей экстремальной половины post-сцены. Тоже можно сказать и о самом длинном (эй, у кого тут самый длинный?!) треке альбома "Most Subtle of Storms": почти пятнадцать минут автор на разные голоса (и шёпотом, и чистым голосом, и звериным гроулом) аккомпанирует своим авангардным поискам, пока в дело не вступает саксофон, первые звуки которого провозглашают начало небольшого трип-хопового отступления от ведущей, скорее post'овой, чем doom'овой, темы. А это уже немного другое настроение и совсем другая, более изящная, динамика, впечатление от которой немного портит затянувшаяся игра со "звуками природы" – шум прибоя оттягивает финальную, акустическую, часть композиции тогда, когда их можно было бы безболезненно поменять местами. Заключительную композицию "Wailing My Keen" можно описать как характерный для Subterranean Disposition материал: частая смена темпа, временами нестандартная для death doom конструкция мелодии, которая временами опять же близка к post-ритмам, краткая партия женского вокала и много захватывающих своей атмосферой решений.
Subterranean Disposition – это не только исследование музыкальных горизонтов, но и размышления на тему человеческой природы и её аномалий, как следствие Терри отвёл значительное место в своих песнях текстам – любопытным и достаточно глубоким для жанра. Описывая свою музыку, автор оперирует такими константами как "диссонанс, атмосфера, динамичность, тяжесть, мелодичность", и вы можете смело довериться этому определению. По существу это далёкий от знакомых всем стандартов медленный death doom, в котором действительно можно услышать пусть и не радикальные, но порой свежие эксперименты, благодаря которым время от времени у меня появляется желание переслушать ту или иную песню. В таких случаях, когда мне попадается достойный, подобно этому, материал, хочется закончить обзор словами надежды о выходе нового релиза проекта. Не стану изменять этой привычке: интересно, что в следующий раз преподнесет нам Subterranean Disposition?
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
