"Liquid Tension Experiment 2" – второй альбом американского суперпроекта Liquid Tension Experiment. Работа записана октябрь-ноябрь 1998 года, выпущена на лейбле Magna Carta 15 июня 1999 года. Высокопрофессиональная продюсерская работа участников проекта Liquid Tension Experiment. Состав не менялся со времени записи "Liquid Tension Experiment". Воодушевленная успехом дебютного альбома, четверка виртуозов продолжает свои безумные джемы. Демонстрируя слушателям всё, о чем можно только мечтать: безукоризненное владение инструментами, фантастическое чувство партнера, гениальный авторский материал на стыке Dream Theater, King Crimson и Frank Zappa, и, что немаловажно для такой музыки, уникальный по своей чистоте и мощи звука, микшированием которого занимался великий продюсер Kevin Shirley (в частности принимал участие в микшировании "How the West Was Won" – тройного концертного альбома Led Zeppelin, выпущенный Atlantic Records на CD 27 мая 2003 и на DVD-Audio 7 октября 2003). Композиция "914" была записана, когда отсутствовал Petrucci по причине радости отцовста. Levin, Portnoy и Rudess решили разложить на троих. Получилось изумительно! Композиция представляет собой клавишную импровизацию Rudess на три с лишним минуты под акомпонемент Levin и Portnoу, которая не надоедает и не утомляет. К такой музыке событие прихода еще одного человека в наш мир подходит более чем органично – познание окружающего нас мира! "When The Water Breaks" получила свое название из-за того, что когда Petrucci записывал центральную секцию, к нему пришло известие, что у его жены отходят воды. В том месте, которое он записывал в тот момент, была вставлена запись крика младенца. В комментариях к альбому John Petrucci сказал, что композиция "Hourglass" была составлена и записана в предрассветные часы на старых струнах. Прогрессив-рок, прогрессив-метал, джаз-фьюжн – плотная и горячая музыка! Однозначно заслуживает отнесения альбома к категории КЛАССИКА.«
"Liquid Tension Experiment" – первый альбом американского суперпроекта Liquid Tension Experiment. Работа записана с 20 по 25 сентября 1997 года. Выпущена на профильном лейбле Magna Carta 10 марта 1998 года. Продюсерская работа участников проекта "Liquid Tension Experiment". Состав: John Petrucci – гитара, Mike Portnoy – ударные, перкуссионные (работают в Dream Theater); Tony Levin – бас-гитара, Chapman Stick (работает в Tony Levin Bahd, далеко не полный перечень, с кем работал – King Crimson, John Lennon, Pink Floyd, Paul Simon, Yes, Alice Cooper, Lou Reed, Laurie Anderson, Dire Straits, David Bowie, Steve Hackett Claudio Baglioni, Eros Ramazotti, Gigi D'Allesio, Ivano Fossati, Fiorella Mannoia, Raf, Vasco Rossi); Jordan Rudess – клавишные (работает в The Dixie Dregs, не полный перечень, с кем работал – Ian Hammer, David Bowie, Paul Winter Consort). Композиции изобилуют красивыми мелодиями, сменяющимися и очень грамотно наслаивающимися друг друга; очень удачны мелодичные ходы (это прослеживается на таких композициях, как "Osmosis" и "Universal Mind", которые попадали на различные сборники прогрессивной музыки). Кроме логически завершенных композиций, в альбоме присутствует получасовая композиция Three Minutes Warning ("Трехминутное предупреждение"), разделенная на 5 частей и целиком представляющая собой запись импровизаций. Композиция получила свое название от того, что Tony Levin периодически грозился уйти домой, если остальные музыканты не начнут через три минуты импровизировать. В отношении этой композиции на обложке была такая заметка: "Внимание: "Three Minute Warning" не для музыкальных слабаков, нетерпеливых, и не для тех, кто очень критично относится к и свободному полёту творческой мысли. Если вы попадаете под одну из этих категорий, пожалуйста, остановите ваш CD-проигрыватель после восьмой дорожки". Музыканты из Dream Theater играют невероятно быстро! Меняются по ходу отдельной пьесы её размеры и ритмический рисунок с головокружительной быстротой! Техника исполнения безупречна, музыкальная мысль стремительна, импровизация спонтанна. В самом названии проекта заложена основная идея. Ведь поверхностное натяжение тонкой плёнки на границе водяного пузыря имеет какую-то лимитированную величину, способную выдержать давление извне. А есть ли предел человеческих возможностей при исполнении музыки? Это и выясняют члены проекта! Композиции сложные, энергичные; музыканты отлично чувствуют друг друга, что позволяет им играть интересные джемы.
Несколько слов об использовании Tony инструмента Chapman Stick в композициях, который был приобретен в 1976 году у самого его создателя Emmett Chapman. Данный инструмент сочетает получение извлекаемого звука получающегося от использования техники hammering on на бас-гитаре и, кроме этого, tapping и finger tapping. Использованы более сложные и усовершенствованные техники игры на Chapman Stick: guitar side (Tony Levin пользовался, например, на некоторых альбомах King Crimson) и bass side. Используемая бас-гитара, созданная компанией Music Man, дающая хороший сустейн и, в результате, получается особый саунд, подходящий не только для джаза и фьюжна, но и для более плотной и горячей музыки – прогрессив-рок, прогрессив-метал, джаз-фьюжн! Атака, рок-драйв, кач наиболее полно раскрываются именно при использовании гитар Music Man.
Mike Portnoy так назвал время работы над альбомом "Liquid Tension Experiment": "Самые сумасшедшие, самые стрессовые и в тоже время прекрасные, волшебные и самые творческие недели в моей жизни". К непростой музыке дебютного альбома проекта Liquid Tension Experiment эта цитата подходит более чем органично. Особенно к последней почти получасовой композиции, которая является одним из самых гениальных джемов в истории прогрессива! К категории КЛАССИКА, относится эта работа великих виртуозов современности.«
Прощай Katatonia, здравствуй Swallow The Sun, во всяком случае, на этот сезон, на эти месяца, которые будут съедены временем, проведенным в печальных тенетах последних выпущенных альбомов. Финские удальцы, как не проваливаются вживую, как ни остаются на том же стиле, в отличие от всех коллег, стабильно взрослеющих к четвертому и далее альбому, все равно умудряются делать достойные и красивые работы, слушать которые можно долго и упорно.
Стонущая гитара на волнах мятежных риффов, рвущихся от чего-то, словно пугающего их, неистово стремящихся прочь клубками сумрачного тумана, плотные вяжущие, а потом затихающие, убаюканные мерным стуком гипнотизирующих ударных, и совсем засыпающая на аккуратных касаниях пылинок, кружащихся в спасительном свете единственной лампы комнаты. А все чтобы, вновь плестись, нескончаемой походкой судорожной печали затухающей ровно настолько, чтобы вновь шагнуть вперед. Незаметно она рисует узоры на темной поверхности мрака, жидкого, осязаемого мрака, в котором, словно смоле, постепенно тонет все пятьдесят с лишним минут. Чистый голос оказывается только в тему, впрочем, не превалируя по длине произведения, а просто имея значимую часть повествования в своих связках. Вокалы к тому же, видимо, специально сделаны, в известной степени, тише музыки, словно не хватает легких ни у гроула, ни у голоса. Приглашенных вокалистов, подпевающих то там, то тут (в их числе даже Dan Swano) и вовсе не вычленить из соития со звуком.
Только слишком четко очерченная "And Heavens Cries Blood" становится пришельцем из другого мира, во всем остальном я чувствую утерянный вкус ощущения присутствия в трагедии, ушедший из музыки Katatonia после 2003 года. Собственно смешением "Viva Emptiness" с "Discouraged Ones" с поправкой на все равно узнаваемый финский почерк Swallow The Sun через коряги ассоциаций этот альбом и есть. Не мешает этому ни слишком думовые, забытые современными трагиками формы "Sleepless Swans", ни внезапный истерический дум-дэтовый срыв в изначально нежной, тонкой, хрупкой "Lights On The Lake" с женским вокалом. Отличная полнота музыкального содержания музыки с уместными соло гитарами, украшающими завитушками статичные мраморные статуи образов, с клавишами, настолько незаметно внесенными, что вынести их слухом становится сложнейшей задачей. Расписываются они в своей величественности в последней композиции "Weight Of The Dead", соединившая в себе все названия альбомов, выходивших у группы в предисловии, звучит симфонизированным, массивным, страшным и мощным апофеозом альбома, каким и задумывалась. Великолепная концовка великолепного альбома. А мелодии все текут, плывут и разворачиваются перед нашими взорами чувствами и видениями идеально выполненного буклета – эх, давно я таких шикарные вкладок не видел – это просто произведение искусства, от которого не хочется отрываться: читать и читать и читать морфийные, летучие и гнетущие тексты, написанные тоже не без таланта.
Что не говорите, а без явных очертаний, выставочных хитов, хотя почти все песни оказываются в формате небольшой длительности, новый альбом цепляет и дает прочувствовать себя. Обычный, похожий, типичный, но чувственный и замечательный подарок металистам меланхоликам.«
Марко Хиетала не похож на смурную гадалку, напускающую на себя таинственный вид и что-то там высматривающую в расстеленных на столе картах. Одна из старейших команд тяжёлого жанра из страны Суоми превратилась в придаток Nightwish, на который у яркого и харизматичного басиста банально не хватает времени. И "Gravity Of Light", отчасти меняя внешний вид Tarot, зависает в пространстве обрывками идей, кусками клавишных находок, пятнами энергетики, что не успели или не смогли довести до ума. Приличным наброском уже не сырого, но ещё не готового материала, где зачастую до определённой планки не хватает чуть-чуть. И проработка звукового оформления в какой-то степени становится весомее, чем внутренний мир самих композиций. Вкрапления традиционных скандинавских модерн-металлических добавок в разухабистый и вполне жёсткий хэви на это раз невозможно игнорировать. То, что на "Crows Fly Black" (2006) казалось забавой, здесь превратилось в полноводную тенденцию. Дебютный рифф "Satan Is Dead" намекает на мощную, агрессивную картинку с изрядной долей необузданности, но уже спустя пару секунд всё меняется – гитарная часть разжижается, мелодика становится прозрачной, а сам вокал Хиеталы вдруг оказывается прожженно-пауэрным. Даже в дебюте своей работы в Nightwish его голос был заковыристее и горше, словно кофейная гуща на дне дорогой чашки кофе в небюджетном ресторане. Логично было бы услышать джунгли из быстрых, прессующих хэви-партий, хоть немного рваной ритмики, но Tarot окончательно вязнут в среднем темпе и модерновых структурах. Последствиями трансформации, в частности, становятся абсолютно заурядные, местами техноподобные ударные партии и засилье синтезаторов. И если работу барабанщика вряд ли можно выдать за плюс, то клавиши почти всегда к месту. На фоне хэви, ищущего вдохновение в стандартном пакете услуг – от Дио до Judas Priest, и европауэрных инкрустаций нескрываемо наивное почитание простеньких сэмплов подкупает.
"Gravity Of Light" размашист и эпичен в припевах, которые хоть временами и неказисты, зато последовательны, выстроены в единой манере, не лишены хитовости. Таковы кроме "Satan Is Dead" ещё и "Hell Knows", пауэрная "Pilot Of All Dreams" с вокалом в стиле Энди Дериса, а также "Sleep In The Dark", напоминающая какую-то чужеродную случку Iron Maiden и очищенного от шелухи Grave Digger. Намеренно принесённую в жертву синглу "I Walk Forever" в расчет не берём – коммерция в чистом виде. Новинка братьев Хиетала вряд ли может составить конкуренцию старым дискам Tarot, в которых простота была не хуже воровства, но где не находилось места модным влияниям звукозаписывающей индустрии страны Суоми. Хотя и в таком дружелюбном виде, помноженном на банальные недоработки (как правило, в плане вокальных партий), альбом не тушуется.«
Датские гончие с вечным московским пятном в биографии возвращаются в невинность. Визит на два десятка лет назад, который можно назвать каким угодно кроме внезапного и неожиданного. Андре Андерсен, скрывающий лукавые глазища за тонированным стеклом очков, привык на каждом углу выплёскивать свою внутреннюю накипь. Несправедливость мира в его устах выглядит, словно обиды Малыша, когда вместо собаки к нему в комнату залетает обжора с пропеллером. Он легко расстаётся с оруженосцами, не испытывая сожалений, устраивается на виртуальное ПМЖ в Стране восходящего солнца, пишет пластинки исключительно для одного рынка, обещая покарать пиратов невыпуском диска в Европе, если он утечёт в Сеть. И даёт себе установку – нарезать работу в духе классики хард-рока, его любимых Rainbow, если читать между строк, но через призму Royal Hunt. В каком-то смысле десятка в дискографии, прозванная лаконично и бесхитростно, является тем самым анонсированным камбэком. Без толстого слоя концептуального шоколада, что залил "Paradox II – Collision Course" (2008), расставания с очередным фронтменом, но с глубоким привкусом эстрадной Радуги золотых годов Джо Линн Тёрнера, мелодической лёгкостью и непреодолимым духом пауэр-метала даже в тех моментах, где ритмически ничего не выдаёт предрасположенности к стилю. Старомодные гитарные партии встречают в лицо укрытые временем семидесятнические клавишные – да при минимуме прогрессивности, свойственной значительной части пластинок скандинавских охотников. Прекрасно записанный и гладко отстроенный компакт с деликатным звуком успокаивает и вводит в дрёму, создавая идеальный имиджевый проект с налётом ностальгии для себя и паствы.
Даже в сравнении с компромиссным предшественником темы совершенно не боевиты, гуляя в среднем темпе в спокойных заводях размытого мелодик-рока. Для Марка Боалса, мутящего воду во второй раз, материал подходящий, ведь ему, человеку из 80-х, даже напрягаться нет необходимости. Визгливые нотки практически исчезают из арсенала, но от параллелей не спасают. Он безнадёжно проигрывает двум классикам за микрофонной стойкой – очень среднему по силе голоса, но безумно экспрессивному и красивому в части тембра Ди Си Куперу и фантастическому во всех творческих отношениях Джону Уэсту. Но вне подобных альтернатив вечный "вокалист Ингви Мальмстина" успешен в океане расслабленного, состаренного звучания, где на корню убиты все гитарные огрубления – точнее, те отрезки, где они могли бы быть. Инструментальные партии будто намеренно упрощены, пущены пунктиром в обход клавишных соло Андре. Такая неспешность с предопределенностью не лишают пластинку динамики, своих взлётов и падений. Но, по большому счёту, композитор в нашем бывшем соотечественнике ещё не умер, но уже задремал. "X" – эдакий символ стабильности бёз иллюзий поиска. Диск для внутреннего японского потребления.«
Парадоксальный случай хорошего и плохого альбома одновременно. Хороший потому что, до этого момента, все творчество группы, весь их вампирский gothic metal, был настолько неслушабелен, что каждый раз берясь за новое творение команды, приходилось сознаваться в переоценке своих душевных сил, откладывая его обратно, стирая из памяти и пытаясь отрешиться, от уже услышанного. Плохой, потому что, адекватно оценивая работу группы на этом альбоме, можно совершенно точно сказать, что смена ориентации оказалась полезна, но прошла болезненно, и работа стала равной какому-нибудь дебюту молодой группы, а не очередному, известной.
Итальянцы, неожиданно синхронно с французскими блекарями Ad Inferna вспомнили про пустующую после стихания активности Evereve, нишу cyber gothic metal. Действительно – индустриальные команды крутятся вокруг, да около, но ни у кого не выходит подобного синтеза, чтобы и гитары и синтезаторы сдружились в одно целое. У французов вышло лучше, но сразу глубоко в электронику – здесь вышло хуже, зато всеми силами цепляется за металические корни. Хотя в целом, диск напоминает выставку достижений взрослеющих детей. Вот, вокалистка коллектива, Morgan Lacroix радуясь и озаряя коллектив своей широкой улыбкой, видимо прискакала однажды со словами: "смотрите, что я научилась делать в фотошопе...", демонстрируя без сомнения ужасную обложку, без зачатков смысла и формы, и сомнительный буклет с физиями граждан и страстными текстами. Все пожали плечами. В свою очередь, не менее довольный успехами на ином поприще, основной инструменталист группы Terry Horn, путеводная звезда, проникновенно нежной (а не порочной, как вы думаете по виду и голосу: достаточно почитать благодарности) Морган, показывает синтезатор. "А я тут семплов подкупил, и даже поставлял их в композиции, послушайте! Теперь я умею играть на синтезаторе электронную музыку". Выкладывает сырые наработки альбома ближайший час. Басист и барабанщик жмут плечами вновь и становятся главными отдыхающими при записи диска. А зачатки альбома так и остаются зачатками, слегка аранжирированными, и естественно не имеющими толком отношения к электронно-готической музыке, ни уже к металической, брошенной на произвол судьбы загибаться среди синтезаторных нововведений.
Но если поглядеть вглубь – то можно заметить, что фундамент диска, при должном старании и умении, мог бы оказаться безмерно удачной формой выражения кровавых готических оргий вампиров, ведь электроника, как никакие другие оттенки, на мой взгляд, подходят к пошловатой чувственности и порочности цедимой из участников группы, текстов и прочей атрибутики. Только вот, позаимствованные у Evereve, The Kovenant и Deathstars использованные и списанные семпл-шаблоны так и остаются грустным скелетиком, на который, по мнению группы, кроме морриконовских, эпически растроганных оркестровок и единичных, силой вдавленных в повествование гитарных риффов ничего класть больше не надо. Но ни коим образом, это не cyber замена готичности прошлого, а просто часть, которая уползает своим отростком в сторону нового горизонта, когда Mandragora Scream за этой часть не торопиться и продолжает оставаться на своих старых позициях. В большинстве композиций есть цепляющее слух ядро, к сожалению, не обрамленной атомарными единицами музыки, вокруг. За любую песню можно схватиться: "I'm Going Alone", "Deceiver", "Farewell", "The Calling From Isaiah" почувствовать задумку в полной мере – ведь отличные песни... могли бы быть. И я не знаю, что помешало просто сервировать их. Впрочем, ренессансная "Breaking Down" или драйвово-классическая "Nails", к примеру, и так отличны, а вроде бы неплохая "Killin' Game" настолько списана с кальки, что как в прятки, когда водила подглядел, не считается. Две перепевки: зазвездишаяся после "Kill Bill" "Bang Bang", испорченная вокалом, и "Fade To Grey" от Visage могут быть удалены подальше от ваших глаз, дабы не смущать и не занижать оценку. Между прочим, оцените судьбу последней: она уже успела стать гимном такого рода музыки, также перепетая, упомянутыми в начале французами, и всем светом, кому не лень.
В любом случае этот альбом показался шагом вперед, пусть и споткнувшимся о незамеченный подводный камень, по сравнению с прошлыми. Этот альбом однозначно можно слушать, изредка просто-таки нужно слушать, и ждать, что следующая пластинка станет фурором среди слушателей коллектива. Музыка легка и податлива, запоминается и пролетает с легкостью свой час звучания, так что, оставляю пластинку в коллекции, и рекомендую хотя бы ознакомиться без пристрастия.«
Что есть GWAR? Это ансамбль пляски с костюмированным шоу из кучки мутантных монстров извращенцев, которые помимо своего представления играют музыку, укладывавшуюся за время их существования в рамки от heavy metal до harcore и thrash metal, но стабильно не выходившую за рамки развлечения самих себя. Кто-то, скорее всего даже они, подали голос, когда их коллеги по костюмным делам, Lordi, выиграли Евровидение, став знаменитыми, но если брать серьезно – музыкальных достижений у GWAR в отличие от финнов не наблюдается. А потому использование похожего имиджа вполне простительная наглость.
Но американская банда, сосланная на Землю, еще жива, функционирует и достаточно часто выпускает свои диски. Прошлый год стал урочным – стабилизация состава, в котором перебывало полсотни человек, привела к учащению творческого подъема до 4 лет между дисками. И что же? Да, по опыту прослушивания данной банды все так же и на том же уровне – чуть меньше хаоса в композиции, чуть четче риффовка и более выделены мелодии, но все это валом, нагруженное навязчивым вокалом, разбегается от слушателя моментами треша и кроссовера, по углам, откуда совершенно не впечатляет. Реально цепляющих вещей на альбоме максимум парочка, и только если сидеть и всерьез прислушиваться к играющей музыке.
Быть бы счастью, если бы кто-то из полусотни человек, побывавших здесь, умели писать музыку столь же занятную как бред, который американцы тащат уже лет двадцать. Ничего интересного, выдающегося, а тем более нового альбом не предлагает. Примерно в одном темпе, достаточно быстром, крикливыми голосами с хоровыми прогонами музыканты вещают белиберду из буклета, в которой копаться не захотелось с самого начала. К тому же последняя страница эдакий ляпсус – повтор второй страницы. Начиная альбом в основном с треша с небольшой долей heavy, с середины они стабильно переходят на кроссовер. Стартовые песни вопреки всем правилам коммерции удались даже меньше последующих. Больше остальных приглянулись "Damnation Under God" почти Iced Earth подобная, особенно хоровой присказкой к строкам куплета, шизоидная "Where Is Zog?" и "Metal Metal Land" вопреки названию являющаяся ничем иным, как тем самым crossover из панка и хардкора, к тому же в текстовом плане ассоциирующимся с Placebo "Every You And Every Me" прямо-таки один в один "Metal You Metal Me" – это я уже брежу, в тон музыкантам. С "Uberklaw" треш, превалировавший в музыке, начинает стабильно давать сбои на американские народные стили, и вплоть до конца диска.
Общее впечатление как обычно от них, пусть далеко не весь GWAR сложил свои ноты в моем багаже – глуповатые, аляповатые, перегруженные дурновкусными деталями костюмы полностью характеризуют музыку, остающуюся кучей металлолома подобранных стилей (и ведь пытаются найти что-то...). В данном случае отсутствует перенасыщенность и бурление хаоса, но спасти это от глубокой середнячковости команду в костюмах, на которые только и остается посмотреть, не может. Отправляем по этапу.«
С иглы слезть невероятно сложно – и не столь важно, нефтяная она или с афганской пропиской. Виктор Смольский, ненадолго бросив игры в пятнашки в составе Rage, помог голосу Марио Ле Моле почувствовать себя вновь востребованным, продегустировать аромат гастролей в составе возрождённых Mind Odyssey. Аппетит пришёл во время еды, и вслед за воскрешением из мёртвых дуэт поддержки белорусского виртуоза шести струн, где вторым номером числится гитарист Ден Уден, устраивает sidekick. Несмотря на попытку скромными изобразительными средствами вырисовать рок-оперу Pandea вряд ли достигает взрослого эффекта – если кто-то на него всёрьез рассчитывал. До некоторой степени хэви-пауэр проект с прогрессивным подтекстом и масштабной структурой похож на желание воплотить в реальность свои юношеские фантазии, поскольку Queensryche всё равно были первыми в заигрывании с концептуальными фантазиями на тему заговоров и козней сильных мира сего. В основу сюжета, который привлёк полтора десятка человек личного состава, легла антикварная антиутопия Ричарда Флайшера "Зелёный сойлент", вышедшая на экраны в 1973 году. Наполучавшая несколько престижных премий в сфере научной фантастики и сочинённая популярным sci-fi литератором Гарри Гаррисоном картина рассказывала о загаженном мире будущего, в котором главный продукт своего времени – сойлент – производили из человеческих останков. Отсюда и явное впечатление саундтрековости пластинки – она словно повторяет очертания киносценария, заваливая всё свободное место разномастными вставками и звуками. За счёт этого всё напряжение и условности будут понятны тем, кто хотя бы в общих чертах припоминает старомодную картину.
Музыкально Ле Моле и Уден взвалили на себя чрезмерную ношу, обладая ограниченными композиторскими способностями. При разнообразии элементов – от хард-н-хэви и далеко не передового немецкого пауэра до прогрессив-метала – всё свести в запоминающуюся картинку им не удалось. Временами материал более всего похож на Mind Odyssey в тех отрезках, где солирует Марио ("Clan Of Salutation", "Final Real"), где-то вспоминается Queensryche с его нестандартными распевками, на ускоренном темпе вылезает Gamma Ray ("Flesh And Light") и его союзники по европауэру. Исполнители успевают нас нещадно угощать акустикой, баловать диссонансными структурами и нагромождением элементов, которые ложатся пластами и мешают адекватно воспринимать друг друга. При более деликатном звуке они бы не сваливались в кашу, а в случае грамотного распределения акцентов и выведения на передний план первоосновы делали бы мелодии ярче. Но этого не происходит. Отдельно на "Soylent Green" существуют добротные гармонии, разные по направленности гитарные соло, усиленные инъекции клавишного раствора, но вместе они не собираются в работу с большой буквы, которую хочется крутить снова и снова. Отчасти вызывает раздражение опыт вокалистов – его можно назвать монотонным и не очень уверенным, в общем – не видно цепляющих мелодий, которые всегда оставались ведущей характеристикой Mind Odyssey. Но у гомеровских последователей есть Виктор Смольский – в Pandea пришлось разбираться самим.«
Пройдет еще немного времени, и глядишь, а у нас, среди металической общественности родиться еще один многозарядный, среднекалиберный талант-многостаночник, который будет радовать нас сочинениями в совершенно различных стилях, но со своей характерной ноткой. Вот только поздно взялся опытный стучалка Ed Warby за начало массовой творческой экспансии – отбарабанив свое в Gorefest, работая в Hail Of Bullets, поработав в Ayeron, ни где-нибудь, а в проекте Demiurg, он встретил некоего Rogga Johansson являвшего себя ранее в предсмертный период Edge Of Sanity, а ныне разделившийся знатную тучу отличных, но шаблонированных брутальных команд, они вместе заразились художественной омнипотентностью от соседствующего с ними Dan Swano и ай да, делать свой проект.
Уж не знаю, отчего именно 11th hour, ибо не является doom-death от этих ребят критически мистическим и таинственным, а ведь именно что-то такое, подразумевается в устоявшемся понятии одиннадцатого часа. Но мрачен он в вдосталь, скомбинировав правила построения классического дум-дэта и отчасти traditional doom, наносным в данном случае является привкус любимого автором музыки сыроватого, чуть съехавшего со скандинавских мерок дэта. Уже не первобытность, но еще не тонкость, то тут, то там всплывает среди слишком истинных, думовых риффов. В остальном все очень по делу, с хорошей чистой гитарой работающей с соло партиями в основном, потому как куплетные части сильно подсушены до угрюмого вязкого риффа, а ведущие темы обыграны на едва заметных клавишах, замеченных также на вступлениях и интерлюдиях между частями песен в облике пианино. А вот уж на чем разгулялся эквалайзер, так на коронных барабанах Эда, захватывающих все полосы движения. Можно сказать, среди набитого тарелками, бочкой и рабочими барабанами звука, как раз и живет сердце этой музыки – бьется и чувствует, даже навязчиво предлагая услышать свое "тук-тук".
Свое бремя коллектив выразил силами одного Ed Warby, которому друг-вокалист помог лишь написанием части лирики, по концепции выработанной также Варби. Целостность произведения я не смог уловить, но явственно прослеживаются две ветви повествования – о герое, страдающем смертельным недугом (впервые всплывает тема, конкретных последствий курения в думе!) и его близком, которого он между делом хоронит. Связи событий и трагедий размыты, повествование поэтично, но несвязно, хотя местами передергивает сырыми могильными подробностями, когда должно трогать внутри. Еще одна наследственность дэта, уже в лирике. Первая я же, как я уже упомянул, часто придает излишней брутальности происходящему, которая с мясистым рыком Johansson'а, недвусмысленно переводит стрелки в тот самый дэт, из которого все вышло, а при уменьшении скоростей на полном серьезе грозит сползти в funeral. Чистый вокал самого автора, разделившего роль фронтмена, может и подходит для реализации traditional doom компоненты, но уж больно гнусав – представляется высокий, желчный, очкарик с большим носом и желтоватой кожей, вместо широкой души, убиенной горем потерь, особенно на высоких нотах. Для начала ребята не стали хоронить нас длительностью, ограничившись всего пятьюдесятью минутами звучания и шестью умеренно длинными вещами. После скомканной первой вещи, "In The Silent Grave", "Origins Of Mourning" обладают наиболее высоким потенциалом для построения мнения о работе – положительного мнения. Партии лидирующей гитары без сомнения удались в наибольшей степени. Они обладают значимой художественностью, красивы и душевны, особенно на фоне звереющей от неизбежной медлительности ритм-гитары. Впрочем, порой, она вырывается на полноценный простор, как в концовке третей песни. В "Weep For Me" отмечен симфонизированный выход вперед клавиш с чистым вокалом на куплете, прощупываемый еще на предыдущем треке. Последние два трека не так сильны, кабы не окончание шестого, с неглупо вписанной семплами по черному гибелью персонажа, и поминальным словом – ей богу, мелодия в заключение именно такова.
Чрезвычайно мрачный, практически гробовой альбом от подрастающего проектировщика собственных идей, богатый сырой атмосферой смерти, пустых сумрачных комнат и запыленных предметов увядающей от рака жизни, ласкает отличными мелодическими решениями и гнетущим страхом перед курением. Этот привкус социально значимой болезни в личностном выражении, оказывается единственным реально новым, что придумал автор, впрочем, автор почти докопался до духа стилистики, а поэтому альбом однозначно стоящий.«
Есть что-то биомеханическое в мрачной асфальтовой картинке на форзаце, где пустая безмятежность переднего плана переходит в хаос горизонта. Вот только Джордж Лукас со своими лицензиями вряд ли будет рад увидеть затёртый в космических кинобаталиях TIE-Fighter вне родного ареала обитания. Гас Дрэкс, уроженец греческой Ларисы, где также жил и умер Гиппократ, к 22 годам успел прочно зацементировать за собой тёпленькое местечко в шизоидной и прогрессивной трэш-грувовой команде Biomechanical, ведомой соотечественником Джоном К. А заодно и трудоустроился у ветеранов немецкой сцены Paradox. Вряд ли незаслуженное начало карьеры. Но поскольку композиторские нити в обоих случаях далеки от блондинистого южанина, выброс на рынок инструментального сольника стал вопросом времени. И оно-таки пришло. Странно было бы увидеть на "In Search Of Perfection" нечто отличное от высококультурного и нехило техничного шреда на американский манер да с прогрессив-пауэрным размахом. Но для молодца, впервые вступающего на взрослый путь без команды поддержки, атмосферная, мелодически отработанная и выверенная гитарная смесь выходит убедительной и необезличенной. В определённой степени пятном графических и структурных ассоциаций в голове возникает соло-работа Джеффа Лумиса "Zero Order Phase" (2008), благо Nevermore у Гаса в числе основных музыкальных святых (и играет он на Schecter), а Стив Смит не побрезговал появиться на пластинке в качестве гостя. Но молитвенник грека явно увесистее – страницы исписаны именами Джона Петруччи, появление которого на телеэкране и заставило южанина попросить у папаши гитару, Марти Фридмана, Джейсона Беккера, Майкла Ромео.
В свой энергетический винегрет из неоклассической гитары на высоких скоростях, что вполне вписывается в наши представления об этом жанре, он добавляет инспирированные тем же Лумисом атмосферные, вдумчивые пассажи и бегает от прог-пауэра до техничного трэша и модерн-метала. Судя по роликам на MySpace, Гас Дрэкс покамест не отошёл от чемпионского вытравливания как можно большего количества нот из инструмента, но при этом зачатки собственного гитарного лица на дебюте прослеживаются. В первую очередь в заглавных мелодиях, поскольку технически в учебниках уже всё расписано. Попадаются и антуражные пятна Biomechanical с их странноватыми, психически неуравновешенными переборами, и стандартная среднетемповая передышка "In Loving Memory" с партиями навзрыд. Дополняет картину работу Боба Катсиониса, клавишника Firewind, чей полный послужной список занимает несколько строк. "The End Of Innocence" – ведущий трек с его западающей в память соло-мелодией, за которым в ТОП-3 следуют "Cerebral Chaos" с жёсткой тёркой основного риффа и заключительная, мрачная тема "Abnormal Sequence". Впрочем, и другие вещицы, несмотря на очевидные влияния, выполнены гармонично и последовательно. У парня большое будущее – это ясно уже сейчас. Как оно реализуется, пока не до конца очевидно, но важно, чтобы он не застрял в шреде надолго. Его товарищи по оружию должны помочь.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
