В Греции есть всё. Вы, наверное, сто раз слышали эту избитую фразу. Сто первый раз вас не расстроит точно. Есть в Греции и хорошие команды, и хорошее вино (каюсь, ценитель!) и даже гитаристы-виртуозы, способные заткнуть за пояс нашего незабвенного Ингви Йоханновича. И речь идет не о Gus G из суперпроекта Firewind, а о скромном афинском пареньке Майке Димарели.
Начать следует с того, что диск записан просто отвратительно. Оно и понятно – вылезши из греческой столицы на большую сцену, оплатить услуги незабвенных корифеев Кармиллы и Юсилы тяжеловато, вот почему греческий самородок и звучит как... местечковый греческий самородок. Грязно, с электронными барабанами и отдает просроченной Metax'ой. Но что касается непосредственно самого материала, то тут полный порядок.
В наше паскудное время трудно найти живой нео-классический гитарный инструментал, который нынче выродился практически на корню. Такую роскошь позволяет себе лишь небедный Джо Стамп, да еще бескорыстные любители типа японца Келли Симмонза, да вот греческий виртуоз Майк Димарели. Дабы не томить читателя, скажу сразу – материал весьма неплох. Типичный возврат в благословенные девяностые, когда гитарный Олимп оккупировала фирма Shrapnel и её протеже – Малмстин, Вини Мур, Джо Таффола, Фридман, Беккер, МакАлпайн и пр. Майк Димарели – типичный представитель этой самой практически вымершей породы гитарных динозавров. Олдовый минорный нео-классик, скоростные поливы, слезливые баллады – короче в Греции есть все. Даже свой местный Ингви Йоханович. Если бы не "бюджетная" запись и не самое удачное сведение данного релиза, то греческому самородку можно было бы поставить и высший балл. Все слагаемые успеха налицо – безупречная техника, интересные идеи, в общем, всем ценителям незаурядного гитарного инструментала – сюда! Но тем же, кто к данному жанру равнодушен – однозначно проходить мимо.«
Просто так у голландцев ничего не бывает – музыканты у них изобретательные, что не группа, то свои особенности, практически каждую можно назвать в своем роде культовой, особенно из мало-мальски приобретших известность. Правда, этот пример не из подмеченного, потому как ничего нового группа предложить не решила на своем первом альбоме.
Ordo Draconis это симфонический, даже нет, неоклассический блек-метал в чем-то схожий с Cradle Of Filth и Enslavement Of Beauty, отдаленно с Limbonic Art и некоторыми другими группами, насытившими клавишными аранжировками свою музыку. Две гитары – одна выпиливает простенькие блековые риффы, а другая располагает на них размашистый, мелодичные и возвышенные партии соло и ведущих тем, коих, как и полагается, большое множество. Они разнообразны и вездесущи, занимая почти половину музыкального наполнения материала. Вторая половина отдана симфоническим клавишным аранжировкам в равной степени располагающим и к фоновым тональным раскладкам, оркестровым патетическим вкраплениям и к виртуозным пробежкам по клавишам в виде пианино или синтезатора. Любовь к классической музыке местами приобретает не просто характер влияния, а вбирает в себя и все остальные инструменты, ориентируя даже структуру композиции в классическом плане. Неудивительно, что некоторые аранжировки очень похожи на что-то классическое. Стоит отметить, что не везде клавиши и металлическая часть звучат в едином порыве – иногда они словно записаны отдельно, а потом соединены, а порой бывает, и не согласуются в чем-то кардинальном, кроме того, задранные по высоте, они звучат с не очень убедительными гитарами жидковато. Впрочем, для такой музыки простительно. Остальное состоит из не очень типичных для блека барабанов (куда уж тут, коронную дробь было бы куда вставить), высокого не самого приятного скрима, атмосферных частей и эпизода совершенно неадекватного женского вокала.
Музыкантам явно было, что рассказать миру – многословные тексты мелким шрифтом с несколько столбцов умещаются на одном развороте в количестве одной штуки. Тематика в основном мистико-эзотерическая и историческая (так первая песня о семье Медичи). Так и музыкально композиции, в постоянно меняющемся калейдоскопе скачущих нот и звуков весьма многословны, из-за чего теряется часть атмосферы. Несмотря на приятную многослойность с такими милыми трезвучиями пианино на фоне иных развивающихся мелодий, различных добавок с излишествами в виде попыток развития в импровизации, музыке не хватает тонкости и изящества как у моих любимых Enslavement Of Beauty. Собственно, некоторые песни сваливаются в наитипичнейший symphonic black, вроде какого-нить Old Man's Child, каких тогда было тьма ("Four" как явное доказательство), другие пытаются сочетать и то и другое, как следующая "A Crimson Dawn", а мне больше пришлись по душе, наиболее классические вещи первая пара вещей. Хороша седьмая песня, вполне в духе авангардного норвежского блека. А вот зачем нужно сорокасекундное завершение диска, я не понял – ведь еще и название к нему нужно было придумывать, и не лень!
Загибая пальцы в конце прослушивания диска, понимаешь, что ничего плохого найдено не было, а все, что было упомянуто, не сможет перевесить желания прослушивания, окунув диск в забвение. Так, что в целом, красиво, эстетично, технично и со вкусом, местами зло и мясисто, а иногда и атмосферно. Не хватает, чтобы тягаться с сильными мира сего, но для приятного прослушивания, вполне.«
Американцы Chimaira вроде как не последнее имя в сплаве металкора и нео-трэша, но музыка "The Infection" на удивление безлика и сильно уступает материалу "Resurrection". Совершенно не характерный, преимущественно медленный риффинг, который за всё звучание альбома так и не складывается во что-то монолитное, сплошные бесформенные нарезки. Иногда музыканты входят в такой ступор, что хочется подкинуть угля в топку, дабы разгорелись привычной динамикой. Отличный пример того как не следует играть этот стиль. Когда казалось что альбому можно смело ставить 2 балла, на помощь пришёл 15-ти минутный опус "The Heart Of It All", в своём вступлении напоминающий прогрессив в духе Communic. Эта композиция заставила немного смягчить абсолютно негативное отношение к альбому. Действительно красивенная, талантливо написанная тема, с интересной мелодикой, атмосферными наплывами и изменчивым настроением. Правда и она слегка не без изъяна, на 10-й минуте композиция затихает и оставшееся время приходится слушать далёкий гул. Но это уже мелочи. Даже обидно становится за группу, могут создавать такие произведения и при этом альбом на 90% наполняют музыкой, наверное побитой какой-то инфекцией.«
Прежде, чем решился писать эту рецензию, послушал альбом неимоверно большое количество раз. Ибо все творения монстроузного шведа Питера Тагтгрена воспринимаются мной не сразу и неоднозначно и чтобы сформировалось чёткое мнение, нужно время и терпение.
Начну, пожалуй, банально – сравню новый альбом с предшественниками. В первую очередь, естественно, хочется сравнить альбом с предыдущим. Что чётко прослеживается – песни стали заметно менее сухими. Музыка стала разнообразнее. За что люблю Pain, так это за уникальность каждого альбома. Благодаря любви Питера к экспериментам, каждый раз у него выходит что-то новое, отличное от всего остального. Только в одном он повторяется без конца – это тематика песен. Ну вот не хочет он отходить от заданной линии и всё тут. Ни в право, ни в лево. Уже затронутая на прошлом альбоме тема его любви к выпивке ("Bottle's Nest") опять поднимается в "Have a Drink On Me". Остальные песни тоже не ушли далеко, достаточно послушать пару альбомов Pain и Hypocrisy и ничего нового вы уже не услышите.
Самым вкусным в этом альбоме стало участие в его записи небезызвестной ныне вокалистки группы Nightwish, Аннэт Олсэн. Не берусь судить, сделал ли её голос интереснее творчество уже упомянутой группы, но вот "Cynic Paradise" он сделал интереснее на все сто процентов. Как любителя смеси грубого мужского голоса и красивого высокого женского, меня бросало в экстаз от композиций "Feed Us", "Follow Me". Не поленился, нашел и послушал ремикс "Follow Me" без вокала Аннэт. Совершенно не тоже самое. Песня сразу лишается изюминки. Остается интересной, но при этом удивительно обыкновенной Pain'овской песней. Вот теперь я плавно подошел к самому неприятному. По-началу альбом показался мне откровенно разбавленным и жидким. Через какое-то время это ощущение оформилось в чёткое чувство – некоторые песни прямо-таки высосаны из пальца. Совершенно никакого удовольствия не доставила песня "Generation X". Нет в ней Тагтгреновского запала, мощи. А песня "No One Knows" вообще вызывает откровенную скуку и желание щелкнуть на следующую композицию. Взять бы и убрать с альбома 2-3 песни и он вышел бы пусть коротковатым, но ярким. Я бы с радостью поставил ему минимум четыре с плюсом, а то и пять и пошел бы дальше слушать так понравившиеся "Follow Me", "Feed Us", "Monkey Business" и "I'm Going In". Но сделать это я могу только лишь в своём плэйлисте, чего и вам желаю, если моё мнение оказалось вам близко.«
Наступило время, когда создание продукта высшего качества стало доступно любой, даже начинающей и молодой группе, вне зависимости от стиля, тем сложнее слушателю становится выбрать своих фаворитов. А с начала 90-х шведский дэт метал (и не важно говорю я просто о шведятине или о мелодик-дэта) с поразительной проникающей способностью забрался в головы многих и многих музыкантов. Говоря сегодня о молодой шведской группе Zonaria, мне приходится соединять обе высказанные мысли в единое целое под названием "The Cancer Empire".
Второй диск шведов, созданный под руководством мастера вопроса Fredrik Nordstrom и смонтированный Peter In Be Betou, если и не является прорывом в смертельном метале, как видят свой путь сами музыканты, то пропитанный шведским дэтом в смеси с элементами блека и мощными симфоническими аранжировками оставляет многие другие коллективы барахтаться далеко позади. Ассоциируют музыканты свой материал с такими группами, как Hypocrisy, Dimmu Borgir и Arch Enemy. Я бы еще добавил в плеяду шведский Satariel, Inactive Messiah и еще парочку.
Можете себе представить, какое мощное впечатление оставляет тяжелый, качевый, идеально прописанный симбиоз современного блека с обширными симфоническими кусками и того самого шведского дэта с мясным гитарным звуком и утробным низким гроулом, при этом все это, то и дело погружается в бластбит впечатляющей ритм-секции. Мелодическая составляющая, безапелляционно сопровождающая все песни диска, сменяется с клавишных аранжировок, компьютерными эффектами и частями красивых мелодик-дэтовых соло. Вокал старательно разнообразится выходами из гроула в отчаянный скрим и чистоголосые распевки в духе Hypocrisy. Это с одной стороны, восхитительное ощущения прилива сил и мощи.
С другой стороны слишком явны периодически, даже не заимствования, а целые куски, характерные для перечисленных самими музыкантами групп. Так если взять, на вскидку, соседок – третью и четвертую песни, обе потенциальные любимчики, то "Crowning King Cancer" окажется чистым экстрактом Dimmu Borgir, а "Contra Mundum" бесстыдно повторяет путь песен Hypocrisy с типичнейшим звуком и строением. Проще говоря, почти все, что вы услышите на диске, уже бывало в вашем музыкальном центре. И пусть это никак не влияет на качество материала, все же несколько снижает его музыкальную ценность, а о новизне говорить и не приходится. Что-то свое, более отдаленное от эталонов, проявляется в особенно буйных композициях, чисто дэтовых с элементами мелодика – "From Abysmal Womb", но по всем законам, они чуть менее цепляют. Оформление диска и тексты о тотальной угрозе и ничтожестве человеческой расы, обычны и не вызывают ни удивления, ни вдохновения, но опять же, весьма качественно.
Еще слушая этот альбом на mp3, я отметил его для себя, как возможное удачное приобретение, где все подчинено слову "качество". Идеальный звук, идеальная подборка музыкального материала, идеальная реализация своих, упс, а вот тут, не совсем – чужих идей. Хотя, откровенно говоря, отметив эту несамостоятельность, я еще не раз возьму "The Cancer Empire" с полки и прослушаю от корки до корки, чего и вам желаю.«
Кто-то скажет, что, дескать, с самого первого релиза своего проекта Sirenia – "At Sixes And Sevens" (2002) – Мортен Веланд так высоко поставил планку, что теперь просто не в силах прыгнуть выше совей головы, а способен лишь выдавать однозначно качественные альбомы, четвертым из которых и является новейший его диск "The 13th Floor". Быть может именно так оно и есть, но по мне так картина выглядит несколько по-другому. Веланд просто застыл в музыкальном развитии, причем очень давно и очень плотно, но так как музыкант и композитор, он, вне всяких сомнений, потрясающий, то однозначной фигни не способен сделать чисто физически. Вот и мается бедный, меняя вокалисток, раз уж саму музыку изменить не в состоянии.
Итак, на "The 13th Floor" слушателя ожидает голос новой красавицы-вокалистки Айлин, девять новых композиций, записанных в студиях Stargoth в Норвегии и французской Sound Suite и сведенных в датской студии Antfarm, а также три бонус-трека (радио-версия "The Path To Decay" и два инструментала – "The Mind Maelstrom" и "Winterborn 77") и мультимедийная секция (фотогалерея, "обои" на рабочий стол, скринсэйвер). Кроме осноного состава Sirenia в записи приняли участие Jan Kenneth Barkved (Elusive и Tristania), французская скрипачка Stephanie Valentin, а также хор Sirenian Choir, который является неотъемлемой частью музыки группы с самого начала.
Теперь по существу. Мощные гитарные рифы, убойная ритм-секция, симфонические вставки, величественные партии хора, приятный голос Айлин, ревущий вокал Мортена и обилие хитовых мелодий определенно сделают этот альбом одним из лучших в своем жанре в этом году. Все как всегда хорошо, не больше, но и не меньше, а хорошо сделанная работа заслуживает хорошей оценки, которую я и ставлю этому диску. Несомненно, он прекрасен, прекрасен на столько что большинству команд стиля до детища Веланда как пешком до Луны, но не всем... кто-то не стоит на месте, повторяя по десятому разу одни и те же удачные ходы, кто-то развивается, кто-то создает новое. Кто же эти герои? Ответ не однозначен, тут каждый сможет решить для себя, достаточно слушать больше музыки и читать рецензии на Metal Library, мы сделаем все, чтобы не дать вам пройти мимо настоящего шедевра!«
Вот уже на протяжении многих лет история, написанная оксфордским профессором англосаксонского языка, английского языка и литературы Джона Рональда Руэля Толкина будоражит умы не одного поколения людей. По его книгам ставят спектакли, снимают фильмы, пишут авторские продолжения истории Средеземья, рисуют картины, делают компьютерные игры и создают музыку. В последнем особенно преуспели разные авангардные коллективы, и не последнее место среди них занимают творения в области тяжелой музыки. Одним из подобных музыкальных актов является финская команда Battlelore, участники которой представляют на суд слушателей вот уже пятое свое творение – диск " The Last Alliance".
Хотя сами музыканты именую музыкальный стиль своего коллектива не иначе как True Arctic Fantasy Metal, по сути, звучание команды представляет собой сочетание таких стилей как black metal и gothic metal со значительной долей фолка, точнее псевдофолка, так как мелодии Средиземья вряд ли дошли до нашего времени в каком бы то ни было виде =)
В основу саунда нового альбома Battlelore как и прежде положена мощная комбинация ударной ритм секции и жестких гитарных рифов, дополненные россыпью клавишных партий, звуками флейты и эпичными симфоническими вставками на заднем плане. Традиционны дуэт красавицы и чудовища в исполнении Kaisa Jouhki и Tomi Mykkonen звучит красиво и убедительно. Вот только отчего-то самые сильные переживания от всей этой истории я получил именно тогда, когда читал третий том "Властелина колец", а все эти игры, фильмы и музыкальные альбомы не добавляют к творению Толкина абсолютно ничего нового, в особенности, если пять раз подряд повторяют одно и тоже, а именно это и происходит с Battlelore. Со времен дебютного "...Where The Shadows Lie" финны не создали ровным счетом ничего нового, впрочем, кому-то именно это у них и нравится, посему не буду судить строго...«
Хотя Entwine всегда считались одной из команд плеяды финского love metal, их творчество до последнего времени выбивалось в лучшую сторону из ряда однообразных клонов HIM. При этом загадкой оставался тот факт, что группа всегда была мене известна, чем Charon или сборище алкоголиков To/Die/For, к слову, недавно, прекративших свою жизнедеятельность. Можно предположить, что именно эти, или какие-то другие факторы постоянно толкали участников группы к поиску нового звучания, новой тропинки к сердцу фанатов, и в особенности фанаток. И что в итоге? Узкая и извилистая дорожка завела группу в совершенно непроходимые музыкальные дебри. В этот бурелом группа бросилась еще во времена создания предыдущей работы "Fatal Design" 2006 года, когда утяжелился общий саунд, и заметно поубавилось клавишных партий, а следовательно утонченности и мелодичности. На "Painstained" клавишных еще меньше, и это не удивительно – команду покинула пианистка Рита, зато стало еще больше жестких гитар с индустриальным налетом и ломовой ритм секции. Такие метаморфозы в звуке уже никак не располагают к светлой грусти об ушедшей любви вечерком на диване с бокалом вина, или чего покрепче в руке, тем более что за поворотом судьбы всегда ждет новая. Собственно Mika Tauriainen и компании хватило ума это понять и вместо того, чтобы продолжить размазывать розовые сопли готической грусти по отнюдь уже не юношеским лицам они обратились к социальной тематике песен ("Greed of Mankind", "Dead By Silence"). Но, черт возьми, голос рокера 70-х, которым поет Мика на этом альбоме, абсолютно не сочетается с модерновым звуком пластинки, всеми этими семплами и эффектами... сплошное расстройство психики и раздвоение сознания.
Не знаю, стоит ли ставить на этой команде крест, так как даже на "Painstained" нашлось место для пары вменяемых композиций как "Caught By Desire" и "Greed Of Mankind", и все еще возможно. Плюс, в любом случае в моей музыкальной коллекции есть альбомы ShamRain, на которых вокал Mika Tauriainen звучит на все 100 %, да и музыка пробирает до самых костей, так как идут от сердца.«
Не надо быть семи пядей во лбу, чтобы понять, какой продукт может быть озаглавлен "Потерянный безжизненный свет" (или вроде того). Итак, как говорилось в "Спокойной ночи, малыши": Филя включай кинопроектор! Началось всё закономерно – с "Intro", и это было интригующее, многообещающее начало, которое могло предвещать всё что угодно – от хорошего funeral до неплохого sludge-doom'а. Однако всё куда проще, классический doom-death – вот, что сегодня у нас в меню. А орган, отвечающий у меня за восторженное восприятие этого стиля за последнее время притупился, потерял свою чувствительность в связи с многочисленными повреждениями. Слушая вторую композицию, "I Know Your Pain", я успел ознакомиться с содержанием буклета, мои подозрения того, что кто-то из думстеров втихую на скорую руку написал программку для генерации текстов разнообразных doom-metal команд подтверждаются снова и снова, сейчас эта программка проходит очередное тестирование... На том будем считать, что своё мнение о текстах я озвучил. Полагаю, что с моей стороны разумно придумать программу для генерации рецензий для таких вот случаев – монолитно, депрессивно, величественно и суицидально. А что делать, если так и есть? Не то чтобы я зажрался, и всё это скверно – отнюдь. Однако от "I Know Your Pain", написанной по всем канонам жанра, стало откровенно скучно, так как всё это мы не раз и не два слышали. Зато следующая за ней "Ariadne" привлекла внимание всерьёз: думается, что в этом направлении и надо было двигаться музыкантам, потому как при некотором композиционном разнообразии трек отмечен ещё и примечательными партиями превосходного чистого вокала, исполненными, как я понимаю, вторым гитаристом группы Эдмундсом. Эдмундсу салют! Однако и гроул получает высокий балл. Так или иначе, именно эта песня подтолкнула меня к мысли о том, что действительно стоит посмотреть приложенный к компакту DVD с записью выступления группы на Shadow Doom Fest в одном московском клубе. DVD вошёл в комплект лишь двухсот дисков из тысячного тиража, так что достанется он, очевидно, не всем желающим. Но о музыке. Остальные дорожки при безупречном исполнении и высоком качестве записи не запомнились какими-то интересными ходами, в череде неторопливых doom-death вариаций на известные темы, среди гроула, чистого голоса и не весть зачем нужного на этом альбоме надрывного, близкого к скриму, вокала был обнаружен великолепный номер под кодовым названием "A Summer to Die", чей мелодичный, драйвовый зачин заставил меня прибавить звука так, чтобы колонки завибрировали, правда, ненадолго, потому как дольше трёх минут Frailty не стали держать этот темп и вернулись к лирике и – в противовес ей – более прямолинейному гитарному крошеву. Так подошло время заключительного трека – кавера на песню Monro "Lugsana", интерес к которой у меня опять же отбил скримогроул. Отслушав последнюю дорожку, просмотрел DVD. Гм, ну что же, сделано хорошо, даже некоторое меню есть, так что можно сразу выбрать понравившуюся на диске песню и оценить, как она звучит вживую. А вживую все они звучат положительно приятно, при неплохой (но, ясен пень, не идеальной) съёмке, могу заключить, что такой бонус пришёлся к месту. Вообще эта концертная запись хороша именно как промо-материал, и я надеюсь, что поставленные группой цели будут достигнуты, пусть даже и в пределах Европы. Я рад, что альбом группы из Латвии был выпущен на российском лэйбле; я рад, что таким образом ребята смогут о себе заявить далеко за пределами своей страны – в конечном счёте им есть, что показать, тем более, что релиз качественно хорош, если не принимать за минусы тот набор штампов, который взяли на вооружение музыканты, сочиняя тексты и разрабатывая дизайн буклета (последний пункт – привет дизайнеру). Для первого альбома отлично, однако в рамках жанра – где-то в районе "хорошо". От себя же могу только пожелать команде Frailty дальнейших успехов в творчестве, я был бы рад увидеть их на одном из наших doom-fest'ов.
Из стилистик, которым по плечу неканонические вариации на тему классического металла, пауэр-трэшу на орехи достается более всего. Видите ли, для трэшеров он чересчур мелодичен и не акцентирован однозначно на риффовые структуры, а для адептов пауэра слишком зол и ритмически неусидчив. Вот и мотаются команды вроде Imagika многие годы в поисках своей аудитории, да так и не могут дозваться. Начинали они ещё шестнадцать лет назад с техно-трэша, но, недолго промаявшись, изменили молодецким принципам. В последнее десятилетие это более чем осязаемо. Трэшевая составляющая мельчает, пауэрная увеличивает своё присутствие, но при этом американцам удаётся сохранять баланс. Особенно это заметно благодаря добротному продюсированию и качественному современному звуку за авторством Энди Ла Рока (King Diamond), в котором нет и намёка на закос под старину и олд-скул. Несмотря на возраст Imagika – команда из XXI века.
Местами эти подопечные губернатора-Терминатора напоминают неприлизанный вариант Iced Earth без тематической шелухи и умопомрачительного патриотизма, но ритмически они гораздо изощрённее, а мелодически – столь уверенно разнообразны. За редкими исключениями не допускают экспериментов, и последний диск по сравнению с "My Blooded Wings" (2006) выглядит более проработанным, детализированным, драйвовым. Мощнейшие риффы перемежаются с качественными мелодиями, вовлекая слушателя в великолепно организованный шторм. А дополняет картину по обычаю вариативный вокал Нормана Скиммера, который то поднимает ноты, уходя в чистый "сверхзвук", то кидается на нас агрессивным недогроулом. Возможно, здесь параллели с Тимом Оуэнсом и ориентация на напевность, особенно в припевах, подхлёстывают воспоминания о соотечественниках, но ненадолго. Совершенно другая акустика и более жёсткий материал даёт понять, что у Imagika до сих пор просто не ладилось с лейблами. И пока пятёрка из Сан-Карлоса не нашла того единственного, кто бы их нормально покрутил. Может быть, это дело ближайших лет, хотя такое ощущение, что у них на роду написано быть за пределами мейнстрима.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
