“Что читаешь?” – “Учебник по квантовой физике”. “А почему вверх ногами” – “А какая разница?” Основная и единственная беда “Теории всего” – глубокая концептуальность. Настолько глубокая, что лирическое наполнение и внутренняя философия пожирают всё остальное. Знакомиться с новым детищем Арьена Лукассена противопоказано без полотенца либретто. Несмотря на первооснову в виде сюжетных перипетий и диалогов, Ayreon с самого начала и до последнего времени был песенноцентричным проектом, а отнюдь не экспериментально-структурным. “The Human Equation” (2004) был длиннее новинки на 10 минут (100 против нынешних 90), но каждый трек обрел собственное лицо, припевы запоминались влёт, а частным не жертвовали ради целого. Теперь это правило нарушено. Лавры “Tales from Topographic Ocean” Yes явно на дают маэстро покоя. Четыре трека, каждый более 20 минут, схематично поделены на главки, но это не спасает. Да, амбициозный. Да, масштабный. Да, талантливо исполненный и изящно реализованный в студии – чёрт возьми, он плюс 17 сессионщиков. Но это концептуальная пьеса, где замысел бежит впереди целесообразности, структура “шлягер – филлеры” заменена на отчаянную затянутость, а детали и нюансы аранжировок (новый проект более инструментальный, чем любой из предыдущих) милее голландцу, чем композиторский фокус и лаконичность мелодиста. В музыкальном плане Арьен проходится по всей своей дискографии – от классики в рамках Ayreon, где основное влияние как раз “Human Equation” (звучание, риффинг, клавишные), до более агрессивно-космического Star One и погруженного в себя, созерцательного Guilt Machine. От синтезаторных экспериментов а-ля Жан-Мишель Жарр из конца 70-х до фолка, от ближневосточных мелодий, скрипок и флейт до гитар разной степени остроты. От Gentle Giant и Pink Floyd до Jethro Tull, Kansas и “Tommy” The Who, но везде узнаваемо своё. Отчасти Арьен и сам смеется над собственной задумкой, черпая вдохновение для сюжета у Дугласа Адамса с его “ответом на главный вопрос жизни, вселенной и всего такого”. Помните, 42? Столько же глав в “Теории”.
Звучит новый альбом как сборная солянка из Ayreon, очень типично и почти без сюрпризов. Пространство построено так, что не дает передохнуть, каждая минута записи нафарширована инструментами, нередко чересчур при слишком частой смене настроений. Симфоническую основу пластинки помогают создать Кит Эмерсон, Рик Уэйкман и Джордан Рудесс. Интересных идей в “Теории всего” немало, но они растворены в огромной массе лукассеновского стандарта, где мелодии, припевы и соло вызывают откровенное дежавю. Лучшая часть – третья, “Phase III: The Entanglement”, самая разнообразная, свежо звучащая в сравнении с соседями и наполненная этими самыми идеями. Плюс эклектичный гранд-финал “Phase IV: Unification” с гнетущими виолончелями и мощным гитарным прессом. Выбор вокалистов подкупает. Хватит уже использовать всяческих Ланде и ЛаБри, растиражированных по индустрии. Томми Каревик (Kamelot), Кристина Скаббиа (Lacuna Coil) и в особенности Джей Би Кристофферсон из Grand Magus – точный выбор.
В целом “The Theory of Everything” – пластинка для долгого погружения, работа кропотливая и испещренная нюансами, при этом лишенная сколько-нибудь заметного развития. После близкого знакомства с этой прог-оперой остаётся приятное послевкусие – аромат чего-то грандиозного, трудоёмкого и талантливого. Но припомнить конкретные припевы или мелодии из всей этой круговерти элементов – задача не из лёгких.«
Данная команда сначала привлекла самое поверхностное внимание. Ну мало ли коллабораций из музыкантов групп второго-третьего эшелона, которые собираются вместе, выпускают "ниочёмный" альбом-другой и снова разбегаются по своим норкам. В Amaranthe собрались как раз товарищи из групп крепких, достойных, но не хватающих звёзд и не собирающих стадионы. Впрочем, кто сейчас стадионы собирает...
А вот результат получится неожиданным. Казалось бы, что могут играть ребята из шведской пауэр-дружины Dragonland (гитарист Олоф Морк), вокалист Dreamland Джейк Берг, драммер-многостаночник Мортен Соренсен (Mercenary, Koldborn, снова Dragonland и даже Icon In Me!) во главе с симпатичной фронтменшей Элизой Рюд и при участии ещё одного (третьего!) вокалиста Андреаса Солвестрёма? Пауэр-хэви? Не без этого! Готика? И она тут есть! Что-то поинтенсивнее и побрутальнее? Да на здоровье! Чуток чего-нить модного? Кушайте большой ложкой!
На самом деле Amaranthe в какой-то момент вызвали определённое восхищение. По большому счёту эта шестёрка не придумав ничего нового, выпускает уже второй альбом, который слушается на удивление легко и приятно и бОльшая часть песен запоминается со второго прослушивания. И при этом, не в обиду группе будет сказано, здесь нет ни капли хоть какой-то оригинальности! Зато есть какая-то дикая музыкальная конструкция, вобравшая в себя всего понемногу и замешанная как безумный и забористый коктейль! Отчего и стиль однозначно определить трудно. Девушка на вокале – все дружно вспоминают Nightwish, Within Temptation, Epica и прочая? Правильный ответ – Nightwish с Аннет Олзон. Голос Элизы очень и очень похож на вокал Аннет – такой же сочный, красивый и по-хорошему попсовый. Я бы даже сказал, что Аннет проигрывает Элизе в этом плане. А схожесть вокалов такова, что включив недавно сольник Тимо Толкки (Timo Tolkki's Avalon) с участием Элизы и услышав там женский голос, был уверен, что это Олзон и есть. Определённая часть материала, что логично, тоже вызывает определённые ассоциации с Nightwish. И дальше не менее интересно – харш-вокал, ревущий совершенно в духе Алекси Лайхо под соответствующее околобрутальное пилилово и клавишное поливалово а-ля Янне Вирман, отличные хэви-пауэр соло от Морка, блестящий чистый вокал Джейка, который поёт здесь чуть ли не хард-роковой манере, обволакивающая симфо-готичная атмосфера и всё это припорошено и присыпано ноткой модерновости, танцевальноэстрадности и электронщины – вспоминается Петер Тагтгрен и его Pain. Удачное решение – чему подтвержением и контракт с Universal и куча концертов и прочая-прочая. Но вот сколько лет можно писать такую музыку? Первая пара-тройка альбомов ещё могут удивить, понравиться и закрепиться в ваших вертушках, но дальше может стать скучно... Поживём и будет видно. А пока все-таки уделите им немного времени!«
Шведские хэдлайнеры современного прог-рока грозились целенаправленно записать ностальгический диск с кучей винтажных клавиш и тёплым аналоговым звуком. Плюс одновременно выпустить “политическое заявление” в традиционном ключе, вдоволь критикуя продажных политиков, бессмысленные войны, горести Матушки-природы и религиозных фанатиков всех мастей. С обеими задачами вполне справились, но общий настрой на пластинку, максимально близкую к вольности студийного концертника да с явным движением в прошлое, наложил отпечаток на итоговый результат. От формата звучания времён старого и очень доброго “Retropolis” (1996) здесь TFK отходят редко – в плане настроения, пожалуй, только на более мрачной вещи “White Tuxedos”, которая своей политической окраской (старт с речи президента Никсона) и блюзовым мотивом напоминает сольник Ройне Столта “Wallstreet Voodoo” (2005), и семидесятнической “Dark Fascist Skies”. Плюс в паре других треков, но местечково. В остальном это более чем типичный и универсальный (вне их музыкальной эволюции) симфо-прог-рок от “цветочных королей”, разнообразный, не скованный воедино современной формой, как это было на блестящем “Banks of Eden” (2012), в большей степени пространный, свободный и расфокусированный, угощающий холодными клавишами (отсылки к “The Rainmaker”, 2001) и исколотый мелодическими самоповторами до бесконечности. Целые куски, очевидно, вырваны из знакомого контекста в русле тихони “The Resurrected Judas”, которая копирует “Train To Nowhere” с дебютника 1995 года. При этом в своём ретроградском заплыве Столт – по-прежнему генератор отличных мелодий, пусть они и описывают ностальгический круг. Яркие припевы и вокальные линии есть как минимум в половине композиций. Лучшие – на эпике “Tower One”, нежной, но драматичной вещи “Desolation Road”, грувовой “White Tuxedos” и динамичной “Last Carnivore”. И везде – максимальное внимание к деталям, где любой на первый взгляд мелкий штрих вроде крошечной партии Хаммонда, меллотрона или минимуга делает кассу. Особенно хорош бас, тогда как гитары Столта вполне типичны и поданы без душащих драматизмом роскошных соло прошлой работы.
“Desolation Rose” в пику желанию выдать живой альбом не хватает именно энергетики, целостности и свежести восприятия, которых на “Banks of Eden” при до боли знакомой “таблице Столта” было предостаточно. Синдром “стандартных TFK” – без прикрас. Более того, пластинка в своей ностальгии выглядит как выполненный в короткие сроки срез ранних хиппарских “королей” (с элементами других периодов) – в противовес очевидно Yes-образному трибьюту “The Sum Of No Evil” (2007). Тёплый и умный альбом, который хочется переслушивать. Без откровений.«
Похоже, что времена, когда проект мускулистого Криса Иерихона создавался, как дань почтения Оззи Осборну, и занимался исключительно каверверсиями, окончательно канули в вечность. Свежий альбом группы благополучно довершил начатое на "Chasing The Grail". И очень успешно – если так пойдет и дальше, уже недалеко появление команды, предназначенной исключительно для услаждения самолюбия нынешнего состава Fozzy. Сказать, что "Sin and Bones" удался, это значит, не сказать ничего. Прежде всего потому, что дела обстоят далеко не просто. Пятый номерник, впускающий в себя предельно осторожно и недоверчиво, особой покладистостью нрава не отличается. И треки, идущие согласно внутреннему распорядку, ничуть не расположены это впечатление смягчить. Скорее наоборот.
Можно понять, когда группа в конце диска, пользуясь свободным местом, в изобилии оставшимся на 80-минутной болванке, вставляет всевозможную отбраковку. Ну там, неликвидные номера, всякие концертные– и демоверсии. Но кто и когда слышал, чтобы бонусами открывался основной альбом? Нет? Так спешите воспользоваться шансом, и, не откладывая дела в долгий ящик, быстрее познакомьтесь с "Sin and Bones". Присвоив заодно самой группе сомнительный статут первооткрывателя. Потому что, на мой пристрастный взгляд, иначе как бонусными треками "Spider in My Mouth", "Sandpaper" и "Blood Happens" назвать трудно. После их прослушивания остается стойкое ощущение, что, принявшись за создание своего нового альбома, группа некоторое время бессмысленно топталась на распутье. А дни, потраченные на выбор устроившего всех направления, вылились в три вышеупомянутых композиции.
"Spider in My Mouth" будучи первой из них, является просто стандартным хард’н’хэви боевичком. Эдаким здоровяком – крепышом, не отличающимся особой индивидуальностью и наличием мозгов. И без которого рецензируемый альбом вполне смог бы обойтись. "Sandpaper" – неудачник номер два, больше похожий на итог неразумного желания попасть сразу на несколько стульев, и потому, естественно, оказавшийся на полу. А "Blood Happens" – третья композиция, и, по совместительству, главный аутсайдер – нескладный нервный уродец, являющийся закономерным результатом несложившегося начала.
Волшебство начинается с "Inside My Head" – песни, настолько совершенной, что впору объявить ее лучшей в пределах 52-минутного пространства "Sin and Bones", наиболее удавшейся среди обитателей всех пяти альбомов группы и самой "изюмистой" из созданного Крисом сотоварищи за последние 14 лет! Причем, прошу обратить внимание – сама композиция отнюдь не хит. После оглушительного выступления "Inside..." заглавная тема уже не смотрится так достойно, как того хотелось бы. Хотя ее стремительность и захватывает, после роскошной игры мелодиями, отзвучавшей четырьмя минутами ранее, ей далеко. К сожалению. Следующая за ней "A Passed Life" – очередное чудо альбома, уже по истечении половины собственной длительности ожесточенно бросающееся в драку с "Inside My Head" за звание самой-самой… ну, вы поняли. Удивительно сбалансированный трек, в котором со сказочной эффективностью воплотились перемены темпов, настроения и фантазии музыкантов. "She's My Addiction". Э-ээээ…. что тут можно сказать? Вы помните, что Fozzy – в общем-то, американская группа. Помните, да? Тогда все. "Shine Forever" – самая обычная композиция для команды, оставшаяся, судя по всему, невостребованной со времен "Chasing The Grail". Почему невостребованной? А кто его знает – песня вполне достойная.
"Dark Passenger". О да! Третий кандидат, обладающий всеми необходимыми достоинствами для того, что бы оказаться втянутым в групповую драку на почетное призовое место. С Дипперпловскими мотивами, хорошо выстроенной мелодикой, и отчаянной похожестью на сильно погрузневшего Глена Хьюза (по настроению). И это прекрасно! После его окончания имеет смысл признаться, что ничего более от альбома ожидать не приходится – все, что только было можно, группа высказала. Поэтому мини-опера "Storm the Beaches" завершающая сложный, спорный, капризный и заслуживающий самого пристального внимания альбом, выглядит лишь большим прощальным подарком.«
Мухи отдельно, котлеты отдельно. Всю вторую половину неоднозначных 2000-х, в продолжение которых Виктор Смольский тихо и мирно выживал Пиви Вагнера из категории "автор музыки", Rage недвусмысленно намекали на то, что скрипки, виолончели, свистелки, дуделки и общий симфонический лоск – отныне их атмосфера, нечто более постоянное, чем эксперименты 90-х в виде трилогии Lingua Mortis. Поэтому результат "LMO" – не то чтобы простая логика жизненного сюжета группы, а скорее и есть эта самая жизнь. Рано или поздно восьмичастная "Suite Lingua Mortis" со "Speak Of The Dead" (2006), к которой прилагались и более стандартные рейджевские номера позднего разлива, должна была скинуть балласт и отдаться полностью сюжетно-оркестровой пьесе. В этой связи приписка "feat. Rage" кажется какой-то нелепой промоутерской шуткой. Это и есть Rage плюс симфоника и прогрессивно-эпическая структура, отнюдь не наоборот. Вовсе не далёкий сайд-проект с теми же фамилиями в буклете, а чётко узнаваемые жёсткий и модерновый риффинг Смольского (оркестр – не основа вещей, а равноправный партнер для шестиструнок), привычные гармонии и басовые партии Вагнера, акцентированный и мощный драмминг. Но в заточенности под канву есть как минимум пара явных проблем. Если вернуться к литературному интро (о котлетах и мухах), структурная эклектика и в основном позитивное, нередко почти балаганное настроение никак не отвечает сюжетному прессу – речь идёт о сожжении ведьм, инквизиции и прочих любимых вагнеровских делах. Та же "Suite Lingua Mortis", не говоря уже о работах второй половины 90-х и сольнике Смольского "The Heretic" (2000), гораздо успешнее решает эти вопросы. Во-вторых, оркестровки Виктора в отличие от тех, что были написаны к классической трилогии 1996-99 годов, выполнены в более авантюрном ключе, броско и часто наивно. Они далеко не всегда гармонично ложатся на стандарт Rage, костяк в виде гитар и остального – где-то более удачно, но временами существуя отдельно, отваливаясь кусками.
В целом новинка напоминает скорее театральную постановку не очень умелого режиссера, бенефис Виктора Смольского, его ярмарку тщеславия. Ну как же – масштаб, размах, идея как первооснова, сотня музыкантов, два оркестра. Opus magnum, не иначе. Но для полного концептуального счастья не хватает оркестровой консервативности и строгости "Lingua Mortis" (1996) или "Ghosts" (1999), там всё было спаяно идеально. Кроме симфоники не нашли адекватного места на пластинке и двум дамочкам – чужеродность вокала (оперного в том числе), который призван передать ощущения ведьм от средневекового "гриля", очевидна. Если же откинуть в сторону все эти предрассудки, и воспринимать "LMO" как должное (современный Rage плюс оркестр плюс эпический размах), то альбом в рамках поздней дискографии, за десять прошедших лет выходит наиболее глубоким и многогранным – с хорошими мелодиями, густым соусом неоклассики в гитарах, мощной риффовой частью, тонкими атмосферными клавишными подкладками, тёплым вокалом Пиви и нескучным динамичным музыкальным сюжетом. Хотя и не без ощущения затянутости (упихали сюда всё, что Виктор написал).
Для нынешнего Rage "LMO" – пожалуй, удача. Отгородившись от основной группой новым именем, Смольский купил себе индульгенцию – если и не всё здесь гладко, то это уже официально и не Rage. Пластинка не вызывает диких восторгов, начинает располагать к себе постепенно, но это всё же плюс в дискографии великой группы, которая с Виктором за штурвалом потеряла курс в 2006-08 годах и только-только начинает находить его заново. Только бы чуть меньше показушности.«
Канадские классики трэша Annihilator под управление Джеффа Уотерса прямо как та бутылочка сока, которую надо "перед употреблением встряхнуть". На этот раз после встряхивания Джеффом его группы из лайн-апа смыло барабанщика, на смену которому пришёл очередной рекрут – не сильно-то известный даже в узких кругах Майк Харшоу. Вокалист Дэйв Падден снова сохранил свой пост вокалиста главной трэшевой банды страны кленового листа и вышел на первое место в списке долгожителей этой группы! Не считая, разумеется, самого дядьку Уотерса, который вечен, уникален и категорически непотопляем :)
Девочка Элис, которая на обложке предыдущего альбома просто грустно взирала на нас бельмами своих глаз, на этот раз нехило проголодалась, взъярилась, выдрала кому-то сердце и приготовилась им полакомиться. По сути, не считая очередной смены драммера, изменение настроения Элис – единственное изменение в концепции развития Annihilator. Точнее даже не развития, а жизненной линии, которая уже третий альбом подряд не взлетает в небеса, как на лучших работах Джеффа, но и не стремится в пропасть. Думаю, Annihilator уже вполне может претендовать на звание "Motorhead от трэш-метала", ибо Уотерс последние несколько лет продолжает петь примерно одну и ту же песню – где-то меняется темп, где-то чуть ниже или выше скорость, где-то обязательные для данного жанра упругие и напористые гитары, где-то балладные вкрапления, но по сути, нынешняя музыка Annihilator – прямая, честная и жёсткая как рельс, просто разрезанный на несколько одинаковых кусков, на которых написано "Schizo Deluxe", "Metal", "Annihilator", "Feast" и далее по списку. Не могу сказать, что это плохо, ведь основная часть поклонников группы – люди, начавшие слушать Annihilator в конце восьмидесятых, а значит либо уже перешагнувшие сорокалетний рубеж, либо приближающиеся к нему, так зачем нам потрясения? В мире и так всё плохо, политика – сплошь дурдом, экология ни к чёрту, всяческие откаты, распилы и курбанбайрамы, сердечко начинает пошаливать, а тут ещё и канадцы вдруг фортель какой-нить выкинут, взяв вдруг девушку на вокал или там ударившись в этот ваш модерн-дэт или, простите, в готику... Нет уж, пусть и дальше нарезают тот же самый забористый трэш, который включаешь – и сразу давление в норму приходит и вообще жить становится как-то спокойнее.«
Шведская трибьют-группа, состоящая из тру-фанатов, под командованием "дедушки" Мартина Мисси из оригинальной обоймы нарезает оголтелый и динамичный трэш-дэт с олд-скульным звуком, ближе по характеру к "A Shedding Of Skin" (1991), но с очевидными аллюзиями 1988-89 годов. Сказка о потерянном времени? В каком-то смысле да. Не уверен, что, соберись они в классическом составе (кроме ударника Михаэля Хассе, по ту сторону Стикса с 1992 года), получилось бы лучше. Иногда копия, выполненная с душой и искрой в глазах, ярче и убедительнее потенциального оригинала. Подражание, конечно, неаутентичное, скорее восприятие само додумывает, что это тот самый "протектор", чьи "первопрессы" валяются в шкафу, но и то сахар. А именно уйма стремительного риффинга с трэшевой доминантой, неспешные олдовые дэтовые полотна (заглавный трек прессует что надо), классические паряще-визжащие трэшевые соло, ритмическое разнообразие (обязательная среднетемповая остановка после серединки, разбег-пауза-разбег), бластбиты, а также чистенький, замаскированный под 80-е, но при этом до определенной степени современный звук и отменный вокал Мисси. Он – пожалуй, самое нарочито сильное звено "Reanimated Homunculus" (ещё бы), а звучат вокальные партии чуть ли не увереннее и мощнее, чем на классических альбомах. Немаловажно, что пластинка нигде не проседает, в своей гармонии и многообразии материал несётся от начала и до конца без видимых провалов, ровно и убедительно, а вещи прямолинейные и более вдумчивые грамотно чередуются, не создавая ощущения постоянных самоповторов – для современного трэша последнее характерно.
В пассиве – некоторые особенности саунда (неотчётливость партий бас-гитары во многих моментах, хотелось бы более мясистого звучания риффов), всё-таки монотонный вокал и общее впечатление того, что парни творили с оглядкой на тот самый старый и добрый Protector. Элементы эдакой стилизованности не прикрыть, включая работу со звуком. Но за добротную попытку и атмосферу классического трэша без стероидов современного звука и некоторой вальяжности метров – низкий им поклон.«
Информация о появлении на музыкальном небосклоне новой группы Ashes Of Ares вызвала вполне объяснимый интерес – ведь за микрофонной стойкой там не кто-нибудь, а сам Мэтт Барлоу! Этот полицейский офицер, если вдруг кто не знает, повинен за вокальные партии на полудесятке альбомов (не считая всяких там ИП-ишек и концертников) отличнейшей команды Iced Earth. Среди этих альбомов числятся поистине блестящие "The Dark Saga" и "Something Wicked This Way Comes", лично для меня давно и прочно укрепившиеся в золотом фонде тяжёлой музыки. Посему в груди теснилось вполне объяснимое томление до того момента, пока этот диск не попал в руки. И вот при первых звуках голоса Мэтта на "открывашке" "The Messenger" по щеке, как это обычно бывает, поползла скупая мужская слеза, с трудом пробивая путь сквозь щетину...
Но так уж вышло, что слеза быстро высохла, а на смену ожиданию и томлению пришли недопонимание и не то, чтобы удивление, но какая-то непонятка... Из колонок полился, в общем-то, Iced Earth, но не тот, где Джон Шаффер писал шикарные песни, а Барлоу их озвучивал. Материал "Ashes Of Ares" скорее смахивает на что-то вроде демо-записей, сделанных в период 1995-1998 годов для Iced Earth, но забракованных и не попавших ни в один альбом, а теперь извлечённых на свет и перезаписанных заново. Пятьдесят минут весьма тягучего, давящего и грузящего американского пауэр-трэша вызывают скорее головную боль и ощущение потраченного времени. И ведь исходные данные давали ощутимую надежду – про вокалиста уже упомянуто выше, вместе с ним в группе оказался не менее заслуженный товарищ Ван Уильямс, барабанивший в Nevermore с момента основания группы и вплоть до 2010-го года. Третий участник – Фредди Видалес, ответственный в Ashes Of Ares за гитарные и басовые партии, а до этого проведший 4 года в Iced Earth с басухой в руках, зафиксировавший своё имя в выходных данных концертника "Festivals Of The Wicked" и "Dystopia" и даже посетивший по этому поводу Россию. И оставивший, по общему мнению, очень хорошие впечатления после московского концерта. C вокалом с Мэтта до сих пор всё в полнейшем порядке и остаётся только жалеть, что их пути с Шаффером разошлись, в медленных вещах слушать его всё также приятно, чему подтверждением – отличная акустическая версия "The Answer", весьма гармонична "This Is My Hell" – самая жёсткая и пронзительная песня альбома, но остальной материал – довольно беззубые попытки нагнать трагизма и драйва "в лучших традициях" понятно кого. Тут и там, как вата из древней телогрейки, торчат огрызки и обломки то "Burnt Offerings", то "I Died For You", но в итоге – довольно грустная и утомительная картина.«
Перепили они энергетиков или просто были столь заряжены на студийную борьбу, трудно сказать, но "The Dream Calls For Blood" получился даже слишком агрессивно-трэшевым, скоростным и во многом однотонным, особенно если вспомнить гораздо более свободного предшественника с его ритмическим и песенным многообразием, увесистыми грувами и чуть ли не стадионно-роковыми гармониями. Не говоря уже о давно забытой, пусть и неоднозначной сборной солянке (от Beatles до фанка) – ей слушателя кормили на "Act III" (1990), хотя это совсем другая история и по сути иная группа. У Death Angel, которые никогда звезд с неба не хватали и коих назвать трэшевыми хэдлайнерами язык не повернется (ветеранами – да, безусловно), за годы после реюниона появились очевидные новые фишки, местами эдакие вишенки на торте, по сути украшательства, но отлично клеившиеся к их стилю. Теперь их почти целиком смыли в унитаз, оставив не без апелляций к собственному дебюту орду лютого риффинга и стандартных трэшевых соло, привычные партитуры ритм-секции Bay Area, включая мощный акцентированный на каждом ударе драмминг, и перегруженный надрывом вокал. Сорвавшись с цепи после мелодического интро (зубы заговаривают), калифорнийцы пробегают в быстром темпе почти до самого конца, позволяя себе разбавить пространство лишь парочкой малозаметных интермедий и бесконечно стреляя уймами клише из своего измерения стиля в русле Exodus и Testament, а также ввинчивая отрезки, до боли напоминающие американский пауэр-трэш – к примеру, в русле Iced Earth на "Don’t Save Me". Да и вокал Марка Осегеды в определенных нотах явно пересекается к Тимом Оуэнсом. Из общей пляски выбираются лишь структурно и ритмически ломаная "Detonate" и среднетемповый финал "Territorial Instinct / Bloodlust".
В такой злости есть и плюсы, и минусы. В одной обойме с коллегами по заливу (речь о географии), которые в своих реюнионах звучат максимального модерново, размеренно и даже вальяжно, такой олд-скул авантюризм DA, даже при современном жирном звуке, можно признать удачей. Во всяком случае, слушается "The Dream Calls For Blood" более чем уверенно, как никогда ранее прямолинейно и сыро, а поиск мелких "тараканов" вроде фанковых басовых партий или хитрых гармоний, которые вылезают постепенно, делают альбом вполне удачным. С другой стороны, в отличие от "Relentless Retribution" (2010) здесь нет ярко выраженных шлягеров – пожалуй, за исключением "Succubus". Припевы почти не запоминаются, хотя и качают, когда надо, риффовая гонка довольно скоро наскучивает. Плюс ломаные ритмические отрезки песен, поначалу очень радующие работой ритм-секции, начинают повторяться из трека в трек. Но в целом в энергичной пробежке ветеранов ("Empty" – чем не намек на "Ultra-Violence"?) есть свой сок.«
Мексиканец Альфонсо Куарон со своей каннской "Гравитацией" создал, пожалуй, самую правдивую экранизацию музыкальных экспериментов Oranssi Pazuzu. Умирающий от ужаса комок клеток, закованный в неуютную оболочку скафандра посреди пустоты и в окружении холодных звёзд, цепляется за жизнь на нитке троса, соединяющего его с консервной банкой орбитальной станции. Без комичных лазеров, оглушительных взрывов и прыжков на парсеки. Третья попытка финских психоделических пост-блэкстеров изобразить в нотном стане теоретические ощущения от чуждого пространства, которое никогда не станет пригодным для жизни (и уж точно не ждёт человека), – ни в коем разе не копия первых двух. Таблица элементов, впрочем, та же – перегруженное гитарное роу-звучание, во многом навеянное ранними Satyricon, Burzum и Darkthrone, густая атмосфера краут-психоделии, трайбал-ритмы, гипнотизирующие намеренными повторами, щепотки нойза, моменты из спейс-рока и экспериментальной электроники 70-х а-ля Жан-Мишель Жарр и Kraftwerk, ассоциации с авангардистами Ved Buens Ende, мистические клавишные пассажи и обильные инъекции дарк-эмбьента. Но при том, что стилистика Oranssi Pazuzu сформировалась полностью и узнаваема на все сто, "Valonielu" в отличие от предшественников выходит гораздо более однородным и концентрированным сгустком настроения – последовательным, драматичным, кинематографичным и в большей степени рассчитанным на рефлексию, чем на поиск чего-то нового. Во многом потому, что блэковая (или пост-блэковая) составляющая максимально растворена в окружающем пространстве, смешана с другими элементами.
С этой точки обзора материал дебюта "Muukalainen Puhuu" (2009) кажется наиболее прозрачным по звучанию и тонким в плане использования палитры элементов, с упором на состаренный клавишный антураж психоделик-рока 70-х, а сиквел "Kosmonument" (2011) – наиболее ярким, эклектичным, разнообразным и живым, где свой инструментарий финны расширили до невозможности. Вероятно, испугавшись такой прыти, новинка резко ограничивает палитру и использует в качестве цемента атмосферу, на этот раз под соусом слегка приглушенного, невнятного, но тонкого звука. Все вещи проходят в едином параде, где балом правят аранжировки, какие-то отдельные нюансы вроде ведущей клавишной мелодии с "Tyhjä temppeli" или блестящих мотивов "Olen Aukaissut Uuden Silmän". Здесь нет ставки на акценты отдельных треков, всё своеобразие каждого из них погребено под общим звучанием пьесы. Пространство проработано до безумия детально, с тщанием буквоеда, начиная от глубоких басовых партий до перкуссии, столь прилежно, что в этом водовороте 11-15-минутные треки, которые пробуют обвинить в затянутости и временном излишестве, кажутся логичным и вполне оправданным решением.
В конечном итоге своей цели – снова погрузить слушателя в упорядоченный хаос космоса и вымочить его в великолепной атмосфере, где каждый найдет свои ассоциации с научной фантастикой или личными переживаниями – они достигают без труда. Зрелые и уже неавантюрные Oranssi Pazuzu.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
