В "Now What?!" безукоризненно и дипломатично сталкиваются две логики. Не в лобовую на скорости 200 км и вовсе не всмятку. Эдакое легкое ДТП во дворе, когда двое дедушек возвращаются с краткого выгула своих видавших виды ретроавто. Логика №1: и после 45-ти можно не просто торговать лицом и барыжить миллионным брендом, а творить с листа, выдумывать, закидывая в топку элементы, которых не ждешь, по-буквоедски работать над бэкграундом, угощать отменными мелодиями и до максимума усложнять аранжировки. А в результате при всей этой мозаике получить настолько легкоусвояемое блюдо, песенное и симфоничное, что кажется, будто слушаешь филигранный джазовый джем – абсолютно ничего лишнего, нигде не жмет. Логика №2: пообещав возвращение в невинность первой половины 70-х и выставив 19-й альбом трибьютом почившему Джону Лорду, DP никогда еще не были столь далеки от своей классики. Прославленный продюсер Боб Эзрин сделал всё, чтобы "Now What?!" звучала старомодно, близко к первозданной атмосфере, дышала ностальгией, а старички подыграли ему в этом. И всё напрасно – в каждой ноте сквозит XXI век, никак не "Machine Head" или "Fireball", коим ловко находят место в структурах и настроении музыканты. Новый опус DP – самый лёгкий и лаконичный в звучании среди всех пост-реюнионовских, начиная с 1996 года, и в то же время наиболее разнообразный, нетипичный и креативный. Даже на "Rapture Of The Deep" (2005) сквозь дедушкин газон прорастали сорняки более энергичных и, если это слово вообще применимо к поздним DP, агрессивных вещей с вызовом в голосе Яна Гиллана. "Now What?!" же подстрижен просто идеально. Местами слишком гладко и прилизанно, особенно в треках, которые стараются тщетно влезть в шкуру боевиков, а кое-где даже глянцево, словно в рекламе.
Структурно все наоборот – британцы наворотили с лихвой. Это именно тот вариант, когда ветераны творят не с оглядкой на былые заслуги, а прекрасно понимают, что доказывать им нечего. Импровизации в любых формах, как инструментальных, так и идейных, здесь правят бал. Они хлеб и соль новой работы. От драматичной симфоники на интро и бэках "Out Of Hand" (не от мира DP вообще), вездесущего Хаммонда на полубоевике "Hell To Pay" (трибьют Лорду, забыли?) и клавишной патетики прог-рокеров а-ля ELP и Camel (берем "Above And Beyond") до джазовых аллюзий блестящей "All The Time In The World" и блюзового расклада "Blood From A Stone". Но для полного комплекта пластинке не хватает еще парочки мощных энергичных треков, поскольку в целом упор сделан на мягкие, медленные вещицы с прогрессивным отливом. Они выигрышны на все 100%, но зачастую новый альбом отдают чрезмерно на откуп монотонному течению. В нём просто нет доминанты – эдаких выставочных вещей, синглов номер один. К примеру, упомянутая "Blood From A Stone" справлена в русле отменной "Don’t Make Me Happy" с "Abandon" (1998), но при схожем взрыве припева звучит так же умиротворенно и гладко. Внутри "Now What?!" есть пара треков, которым самое место ближе к классике ("Body Line" явно тянется к "Machine Head" и прочее), но обещание ретро подкашивает всё та же глянцевая подача.
Значение Стива Морса в общем дебете композиций впервые занижено – он почти нигде не является доминантой (кроме, пожалуй, "Uncommon Man"). И, наверно, в DP ещё не делал столь много подарков фанатам Ричи Блэкмора. Минимально влияние Дона Эйри из-за всё той же дани памяти Джону Лорду. Гиллан наоборот почти везде на передовой, и его голос, учитывая мягкий эмоциональный характер альбома, ведет "Now What?!" по треклисту. Как и фирменные перестрелки Пэйса с Гловером – эдакое джемоватое ретро, что всегда к месту и ко времени. В итоге 19-я отметка в дискографии может получить пару тычков на орехи из-за массы нехарактерных элементов, нескольких проходных треков, которым самая дорога – на би-сайды, или дефицита 100%-ных боевиков. Но, чёрт возьми, после 45 лет в этом бизнесе все ещё удивлять, не увязая в нафталине и беззубой ностальгии по давно минувшим дням, – бесценно. Что Deep Purple с упоением и делают.«
Тихо и незаметно шведская формация De Arma доросла до первого полноформатника. Выпущен альбом был в формате Digipak в начале марта на маленьком лейбле Trollmusic, что серьёзно затрудняет попытки приобрести его в коллекцию. Мне это пока не удалось, потому слушать приходится скачанный mp3, слитый в сеть, на секундочку, спустя месяц ПОСЛЕ выхода альбома. В наше время такое случается крайне редко.
Сам же альбом действительно стоит того, чтобы купить его и никому больше не давать в руки. "Lost, Alien & Forlorn" был записан тем же составом, что и на сплите с Fen. Гитары и бас – Андреас Петтерсон (Armagedda, Lonndom, LIK), ударные – Йохан Марклюнд (LIK, Sorgeldom), вокал – Фрэнк "The Watcher" Аллейн (Fen). От треков со сплита новые песни отличает полное избавление от элементов Black Metal (пара моментов со скримингом и бластбитами не в счёт), а также тончайшее, едва осязаемое ощущение старины, присущее музыке 70-х и 80-х годов. Лично мне в голову почему-то упорно лезут Modern Talking, хотя сходства здесь вроде бы нет совсем. Возможно, чувства, испытываемые при прослушивании De Arma, похожи на те, что были в детстве при прокручивании старых пластинок. Музыка альбома заражает ностальгией по былому, как часто бывает с искренними, душевными работами. Хотя по форме она очень даже современная и модная. Успокаивающая, изредка волнующая смесь атмосферного метала с пост-роком, совсем не экстремальная – сейчас, в угоду хипстерам, такого добра навалом. Да только De Arma не пытаются кому-то угождать. Они не стали подписываться на мажорном лейбле (хотя с лёгкостью могли это сделать), не стараются особо выпячиваться и охватить как можно большую территорию. Они предпочитают оставаться в андеграунде, и это хорошо.
Музыка De Arma не так уж сильно выделяется на фоне собратьев по цеху – здесь нет экспериментов Fen, сложных загонов Agalloch и авангардности, скажем, Ulver. Простые ритмы, две гитарных партии, прекрасно дополняющих друг друга, разнообразный вокал (чистый голос Аллейна, как и прежде, чудесен) – не такие уж редкие вещи. Реже встречается то тщание, с которым группа подошла к сочинению своей музыки. Все мелодии, все партии инструментов созданы не только руками, но и сердцем. Меланхолия и красота альбома идут изнутри, а не снаружи. Они не предназначены для кого-то, они просто извлечены из глубин души. Оценим ли мы их – наше дело. Советовать какие-то композиции для ознакомления не стану, хотя своеобразные "хиты" тут есть. Либо слушайте всё, либо не слушайте вовсе. В последнем случае вам остаётся только посочувствовать.«
Ocean Chief – это регулярно действующая doom-формация из Швеции. Что характерно для группы (и не характерно для стиля), мужчины действительно посвятили своё творчество океану и в частности его покорителям – викингам, кроме того, Тобиас Ларссон, вокалист и ударник в одном флаконе, поёт на шведском, и это тоже в новинку. Новый альбом "Sten" – четвёртый полноформатник за 12 лет существования группы, помимо того были записаны два демо и три сплит-альбома, дискография солидная, если интересно, вы знаете, что делать, а пока пару слов о свежатинке.
Первоочерёдно "Sten" привлёк моё внимание знатной подводной обложкой, цветовая гамма и размытость рисунка которой напомнили мне о другом релизе I Hate Records – последнем, очень хорошем, альбоме Fall Of The Idols "Solemn Verses". Под обложкой же обнаружилось четыре здоровых, громоздких и давящих трека. И если "Stenhog" тянется всего пятнадцать минут, то финальный "Oden" играет все двадцать. Такой неторопливый сладжеватый traditional doom с налётом мухоморной упоротости и мрачноватой психоделии требует особого внимания и, как следствие, полного погружения. Все четыре трека подобны разным воплощениям морской стихии: они давят и крушат риффовым валом, они уводят по волнам в туманное марево, они рокочут дисторшированным грохотом волн и дают краткие мгновения мёртвого штиля. В части концепции Ocean Chief напомнили легендарный Scald, по тяжести – более молодой проект Conan, но от британской банды наших героев отличает более тщательная детализация замысла – шведам близок варварский топорный подход коллег из Ливерпуля, и они не идут на компромиссы, но вместе с тем присутствует изящество замысла и стремление проработать атмосферу композиции. Одна только эпичная мелодичная концовка "Slipsten" чего стоит! Но её эффект был бы много слабее, если бы не предшествовавшие ей семнадцать минут бури, грома и молний. Но в первую очередь шведы звучат грузно, гулко и грозно, тот же Тобиас орёт с большим успехом, зычно и от души, внушая некоторый трепет перед силами стихии, о да... Не последнюю роль в музыке Ocean Chief играют клавишные – на одном из самых старых и простых монофонических синтезаторов от Корг (MiniKorg 700) работает новый участник морской банды Йохан Петтерссон, и именно ему мы обязаны благодарностью за первоклассные мистические аранжировки, без которых "Sten" звучал бы чуть суше, чем хотелось бы. Все композиционные детали идеально подогнаны одна к другой, "Sten" – это глыба, это цельный кусок морского языческого doom, но на его переваривание вам потребуется время, будьте готовы к этому.
В конечном счете, Ocean Chief есть с чем поздравить, есть за что похвалить. Шведы подошли к записи альбома с известной долей смекалки, с заранее готовым планом и весьма удачно претворили его в жизнь. Другое дело, что предыдущий полноформат был записан группой ещё в 2009, так что чего уж тут – времени на подготовку было предостаточно, и оно было использовано с умом. Не пропустите Морского Владыку, "Sten" – хороший альбом.
Моё запоздалое знакомство с итальянской командой Midryasi осенью прошлого года вылилось не только в интервью и восторженную рецензию на их предыдущую работу "Corridors", но и в некоторую болезненную привязанность к проекту. И новый альбом мастеров психоделической терапии от retro stoner progressive doom пришёлся как нельзя к месту, прервав начавшийся было период ремиссии. Хотя с выпуска "Corridors" минуло четыре года, Midryasi не только не опустили планку, но и шагнули далеко вперёд, записав идеальный материал на хитроумной основе классического итальянского prog rock 70-ых, драйвового doom metal и изысканного psychedelic acid рока с лёгкой примесью kraut. "Black, Blue & Violet" наконец сменил в моём плэере своего предшественника, хотя трек "Lize" я так и не смог удалить из соответствующей директории.
Первым треком на альбоме идёт "The Counterflow". Пока ударник Midryasi Саппа отбивал шаманский ритм, а клавишник команды Умберто вторил ему сумасшедшими kraut-аранжировками, вокалист группы (до сих пор известный как Convulsion) будто набирал воздух в лёгкие, чтобы выплеснуть на слушателя весь вихрь безумия, бушующего у него в голове. И ведь выплеснул! Интенсивность, с которой Convulsion выкрикивает в микрофон весьма правдоподобную историю своей неравной борьбы с демонами, высока, но гитарист команды Пол "Paganhate" не отстаёт от своего коллеги и легко держит высокий темп композиции, меняя динамику и тяжесть мелодии. Хаотичная "The Counterflow" уступает место более размеренной, более doom’овой "Diagonal". Первое, что захватывает внимание – гипнотические клавишные Умберто, легко воспроизводящего атмосферу мистической одержимости, и это, похоже, неотъемлемый компонент музыки доброй половины итальянских команд, работающих в схожих направлениях. Кстати, Умберто до сих пор совмещает деятельность в Midryasi с работой в progressive metal группе Nekrosun, так что ему грех терять навыки, на него в таких делах всегда можно положиться. Удивительно, но кажется, что даже вокалист погрузился в этот гипнотическое марево и будто бы пришёл в себя. Кошмары в несколько иной форме возвращаются на "Behind My Ice": на фоне далёких детских голосов, вызывающих беспокойство, звучит psychedelic doom баллада – болезненная, надломленная и по-хорошему страстная. Образ запутанных коридоров и пещер подсознания, а также гипнотические опыты Midryasi были озвучены на двух предыдущих альбомах в полном объёме, для тех, кто забыл этот опыт, приготовлен сногсшибательный хаотичный убойный трек "Back In The Maze". Сбивчивый ритм сумасшедшего грувового progressive рока с добротной stoner тяжестью идеально задают темп безумной восторженной скороговорке, которую исступленно выкрикивает Convulsion: "Back in the craze, back in the haze-daze-craze! Back in the maze!" Самое интересное, что эффект панического бегства из лабиринта воссоздан очень достоверно, и это не удивительно – Midryasi знают, что играют. Заглавный трек "Black, Blue & Violent" снова погружает нас в мир галлюцинаций и оккультных переживаний, но встаёт вопрос, что скрывается за всем этим? Ответ на него даёт текст песни, и тут я должен сказать, что лирика на альбоме требует к себе особого внимания: она не только превосходно дополняет песни, без неё они не имеют полного эффекта, и по большей частью её темой, как и прежде, остаётся борьба с монстром внутри, а весь творящийся хаос и безумие – это следствие борьбы. На этой же волне звучит прямолинейный и яростный хит "Nuclear Dog" – яростный, безбашенный и, как обычно, бешенный. Энергетика Midryasi на этом треке буквально зашкаливает, на последней же композиции альбома "Hole of the Saturday Night" она идёт на спад, подводя итог работе итальянцев.
И это, тысяча чертей, превосходная, это безупречная работа! Комбинация ретро-элементов, напрямую взятых из psychedelic, kraut, space музыки и их эстетика создают уникальную атмосферу в сочетании с сумасшедшей динамикой и думовой тяжестью Midryasi. Вокал также остаётся одной из основных отличительных черт команды – Convulsion не жалеет себя, и его экспрессия буквально беспощадна к окружающим. Единственное, что тревожит, – воспроизводимое на "Black, Blue & Violet" безумие такое осязаемое и натуральное, что кажется будто эти талантливые парни записывали альбом прямо в психиатрической клинике... Да не... Такого быть не может – слишком хорошее качество...
Каждая группа в своей жизни переживает событие, известное под названием "Великий альбом". То есть почти каждая... Ну, скажем так – каждая, достойная упоминания. Но не каждой так не везет, как Хелловину. Команда на свою голову ворвалась в мир музыки настолько ярко, что подобное начало карьеры можно справедливо считать проклятием. Тем более с учетом прошедших лет. Да, был одноименный миньон, был "Walls of Jericho", каждый из которых мог бы послужить достойной вехой в истории любого коллектива. Но, к сожалению, участь Хелловину выпала куда более незавидная. Безрассудное в своей щедрости создание Хранителей не только заставило поблекнуть воспоминания об успехе первых шагов – оно практически обрекло группу на постоянное сравнивание всех ее последующих релизов с незабываемой эпохой 87-88 годов. И ни долгая жизнь немцев, ни постоянная смена участников так и не смогла послужить достаточно весомым основанием для оправдания в глазах поклонников. К сожалению, участники группы это ощущают ничуть не менее, чем их неблагодарные слушатели. И, стремясь избавиться от ига собственной истории, тем не менее, словно заговоренные, упорно штампуют бледные подобия Хранителей номер 3, 4, 162 и так далее. Не стал исключением и последний альбом.
Неприятности начинаются с первой же песни – "Nabataea", являющейся ярким примером несостыковки желаний и возможностей (ибо как еще можно охарактеризовать неуклюжую попытку вставить элементы прогрессива, не потрудившись затратить ради их приживления ни единой минуты?). И продолжаются следующими за нею "World Of War", "Live Now!" и так далее... отряд стандартных представителей проклятого племени, невыразительных, заштампованных синтетических клонов. Незначительные всплески оригинальности, пробивающие сквозь затертые до полной неразличимости пауэрные клише, немедленно стираются из памяти, будучи слишком слабосильными, чтобы разрушить стереотип. Что бы поколебать стереотип. Ну, или, на худой конец, хотя бы слегка поцарапать его порядком запылившуюся поверхность! Своего апогея самокопирование достигает на седьмой песне альбома – "Hold Me In Your Arms", которая вполне могла бы быть удостоенной чести оказаться отбракованной при записи демоверсии Хранителя номер 1. Но в моих глазах это отнюдь не комплимент, ибо что толку быть худшей среди лучших? Сомнительная, знаете ли, честь.
И вот тут, когда, казалось бы, все шансы услышать что-либо оригинальное (напоминаю – позади уже 7 песен) исчерпаны, Хелловины, устав лить слезы по ушедшим временам, неожиданно выдают первый самодеятельный трек – "Wanna Be God", ощущаемый на общем безрадостном фоне словно порыв свежего ветра. К сожалению, момент истины оказался не то, чтобы не вечен, а просто до отчаяния непродолжителен – испугавшись собственной смелости, группа тут же трусливо выпихивает насторожившемуся слушателю очередной эрзац – "Straight Out Of Hell". Но зерна сомнения уже посеяны, и, воодушевившись безнаказанностью первой попытки, Helloween продолжает прерывистую череду открытий. И на свет появляется "Asshole" – среднетемповая вещица с забавной мелодикой. Про такие обычно говорят – "миленькая". Для коллектива, играющего тяжелый рок, пусть и с приставкой "пауэр", подобная характеристика выглядит, наверное, не очень ободряюще. Но, опять таки, среди окружающей серости она становится произведением номер Два, ради которых имеет смысл знакомиться с этим немаленьким альбомом.
После нее становится тошно от "Years" – очередной неотличимой песенки, из-за которых начало альбома слилось в монолитную в своей серости массу... Настолько, что "Make Fire Catch The Fly" – трек под 12 номером (когда же они наконец кончатся?) уже не кажется привлекательным, несмотря на очень неплохое вкрапление прогрессива – возможно, лучшее в истории группы со времен "Keeper Of The Seven Keys" и "Halloween" (опять сравнение, да? А куда от них деться? Чем я, в конце концов, хуже остальных?). Но "Make Fire Catch The Fly", тем не менее, внимания более чем заслуживает. Веру в будущее укрепляет "Church Breaks Down" – еще один обладатель не только оригинальной внешности, но и привлекательной мелодии. Да и усложненная структура песни – уже третья попытка ступить на территорию прог-металла, оказалась на диво удачна. Честно говоря, будь весь альбом сделан на подобном уровне, возможно, ребятам и удалось бы стряхнуть с себя проклятие, тяготеющее над ними на протяжении уже 26 – страшно подумать! – лет. Но увы. "Another Shot Of Life". Неожиданный поклон в сторону Стратовариус. И, несмотря на абсолютную и беспросветную вторичность, песня смотрится неожиданно приятно. Думаю, это легко объяснимо – право, сколько же можно копировать только самих себя?
Итог – 14 песен, интерес из которых вызывает не более 5 – результат иначе как плачевным, не назвать. И уже как то не верится, что однажды группа, сколько бы перемен не ждало ее в необозримом будущем, сможет встряхнуться, оглядеться вокруг, и выдать нечто, позволяющее наконец-то сделать шаг прочь из заколдованного круга.«
Что же принимают эти безумные ребята из далекой, и, если судить по слухам, бесконечно холодной Швеции? Ибо играть столь бешено, разнузданно, весело и неуправляемо без дополнительных стимуляторов, да еще в столь недоброжелательном климате, попросту невозможно! Может быть, всему виной огненная горечь абсента? Или прозрачное очарование водочных озер? Или, наконец, кучерявый дымок каннабиса? Ну не могло рождение подобного великолепия подпитываться жиденькой водичкой кол и тому подобных химических суррогатов. И даже не пытайтесь меня переубедить! Три года паузы, прошедших между "C’mon Take On Me" и его предшественником, никак не отразились на группе. Оставим в сторону разговор об излюбленных напитках музыкантов – то, что содержится под традиционно никак оформленной обложкой, заслуживает куда большего внимания.
Начиная с издевательски звучащей инструменталки, которая сама по себе заслуживает вечной жизни в бесконечных рингтонах, сумасшедшая четверка разражается чередой стремительно несущихся песен, в неудержимой скачке безжалостно подстегивающих друг друга. Похоже, что шведы на самой заре своего существования умудрились подцепить таинственный вирус, перевернувший их взгляд на такое обыденное понятие, как время. И с тех под обречены с пулеметной скоростью строчить дикие ритмы, не замечая, что там, где их коллеги по цеху в поте лица делают два удара, они умудряются отбарабанить четыре. И не просто отбарабанить – в каждой песне присутствует Мелодия! И не беда, что эта мелодия проносится мимо на такой чудовищной скорости, что даже не успеваешь ей вдогонку крикнуть "Прощай!". И не стоит сожалеть (все равно не успеешь!) об ушедшем, так как взамен растаявшей в облаках поднятой пыли композиции на тебя тут же налетает новая, не менее привлекательная. И так снова, раз за разом.
Отдельного упоминания заслуживает "One More Minute", в которой явственно слышатся нотки "Sparks". Думается, что стилистические эквилибристы из Америки, попадись им в руки новый альбом самозваных суперзвезд, остались бы довольны. Но, так или иначе, а заигрывания с мелодическими рисунками братцев Маэлов бросаются в глаза, словно слон, проглоченный удавом. И даже блюз, неведомо какими путями затесавшийся в плотную нарезку "C’mon Take On Me", выглядит так, словно в любой момент готов сорваться с места, и, наведя вокруг хаос и разрушение, во мгновение ока исчезнуть где-то за горизонтом. Обуздав демона скорости, группа тем не менее умудряется довести песню до конца, практически не потеряв контроля над собственным произведением... но только почти. Ибо в последние секунды "Stranger of Mine" претерпевает волшебную трансформацию, становясь неотличимым от творчества Аэросмит. За одним только исключением – у американцев таких песен нет!
Суперзвезды.. нет, не хардкора, что бы они там себе не напридумывали, а глэма, обрушивают свое творение на ничего не подозревающего слушателя с таким самозабвенным упоением, что без определенной подготовки первое знакомство со шведами может окончиться как минимумом, кратковременным приступом заикания. Потом, конечно, он пройдет... приблизительно тогда, когда, дав ребятам разрядить свое оружие до последнего патрона, начинаешь опасливо ощупывать себя дрожащими руками на предмет опасного для жизни членовредительства. И только дождавшись, пока поутихнет звон в голове, понимаешь, что из всей обоймы один патрон все-таки оказался холостым. "Too Much Business". Песня, которая могла бы выглядеть вполне полноценным хитом у какой-нибудь группки, исповедующей стандартный подход к творчеству, на великолепном полотне "C’mon Take On Me" выглядит совершенно лишней. Слишком уж американской, слишком ограниченной и неловкой. А ведь вокруг такой неописуемый мастерский хоровод!«
Второй полноформатный альбом Stielas Storhett под названием "Expulse" вышел в сентябре 2011-го года на итальянском лейбле Code 666, известном как один из крупнейших издателей разного рода прогрессивно-экспериментальных штук вроде Aenaon, Aborym, Fen, Nachtvorst. По этому факту ещё до прослушивания можно было понять, что новая работа SS будет иметь мало общего с предыдущими. Так и оказалось. К стилистике и духу Black Metal "Expulse" имеет весьма опосредованное отношение. Damien T.G. перерос первичные true-формы "Vandrer..." и развитые "SKD". "Expulse" совсем иной. Он уродлив и красив одновременно, он режет по венам острыми лезвиями риффов электрогитары и ласкает кровоточащие раны акустикой. Он закладывает уши исступлёнными соляками и хриплыми криками, сбивает с толку чётким ритмом, на котором строятся почти что джазовые импровизационные конструкции (которые на самом деле созданы тяжким трудом). Он обжигает искренней ненавистью и страданием... страданием, которое портит всё впечатление. Альбом чересчур приторный, слезливый. Порой он напоминает побитого подростка, размазывающего сопли по выпачканному грязью лицу. Да, в "Expulse" вложено много личных переживаний, но их подача вызывает раздражение. Однако широкой публике, на которую альбом частично и был рассчитан, понравилось. Среди фанов SS даже появилось два лагеря – до "Expulse" и после "Expulse". И те, и те имеют свой резон. Альбом шикарен с композиционной точки зрения, однако до отвращения истеричен. Никакие саксофоны и прогрессивные навороты этого не исправляют. Чуть позже Damien T.G. всё же раскрыл своё мастерство во всей красе, а вот "Expulse" с его зашкаливающей эмоцинальностью я назову слабейшей из работ мурманского умельца.«
Доро... Не скажу, что в этом имени так много для сердца русского слилось, ибо в русских сердцах вечно будет тлеть тусклым, но негасимым светом любовь к соотечественнику Доро – хриплоголосому Диркшнайдеру. Но сердце, мозг, а также голос Warlock ни в коем случае не стоит сбрасывать со счетов. Тем более, если честно – в отличие от УДО, творческую стезю фрекен Пеш менее всего можно назвать тупиковым путем. И пусть были в истории Доро невразумительные эксперименты (а у кого, простите, их не водилось?), она давно прекратила метаться из стороны в сторону и избрала вместо этого уверенную и прямую дорогу. Куда? Вверх, разумеется.
После превосходного подведения итогов – великолепного сборника, кропотливо и бережно собравшего под одной обложкой песни, ставшие историей, Доро, обретя новое дыхание, выдала альбом, с которым вряд ли сможет потягаться любое другое произведение из собственного же богатого наследия. Что первое приходит на ум при попытке охарактеризовать "Raise Your First"? Искренность. Да, именно искренность прежде всего бьет промеж... ушей при первой же попытке познакомиться с двенадцатым сольным диском фрау Пеш. Что еще? Самозабвенность. Без сомнения. Ибо поет Доро так, словно и не и готовится она отпраздновать полтинник. И по уровню самоотдачи уверенно оставляет далеко позади не только своих, прости господи, сверстников, а и группы значительно моложе. Да и стилем побрутальней.
А если попробовать описать этот альбом, позабыв о том, что краткость – сестра таланта, то скажу следующее – сильно. Очень сильно. Прежде всего потому, что, несмотря на немалую продолжительность, среди всех полутора десятков оригинальных песен нет ни единой слабой. Это раз. А два – хороший, сытый и одновременно растрепанный звук. Записав 15 номеров, Доро удалось успешно миновать такую часто встречающуюся ловушку, как перепродюссирование. Увы, сие благо музыкальной индустрии успешно стерилизовало немало достойных проектов, лишив их самой возможности продолжения рода. Избежала она и его обратной стороны – грязного, неряшливого саунда, которым последнее время грешат не только группы, делающие первые шаги на неблагодарном музыкальном поприще, но вполне состоявшиеся маститые их коллеги. Нет, на "Raise Your Fist" представлен лохматый рок во всей красе! И три – не забывая, какими уже перечисленными качествами обладает альбом, в нем не найти не то, что днем с огнем, но даже с электронным микроскопом ни капли фальши. Уверенно, смело и ярко Доро ведет слушателя сквозь все пятнадцать (а благодаря неустанной работе неизвестных, но очень добросовестных пиратов, и шестнадцать) песен своего великолепного во всех отношениях альбома. От могучей одноименной открывашки, потусторонней "It Still Hurts", медленной – очень медленной и надрывной – "Engel" (это, конечно же, для следующего отчета... к примеру – 70 лет на сцене), психически нездоровой "Victory" и заканчивая классическим хард-роком "Strong And Proud", полного истерических ноток.
И, отдавая дань уже упомянутым пиратам – на их версии еще раз заканчивая неожиданной, и очень приятной для уха самобытной версии "Nothing Else Matter" Металлики. Превосходящей оригинал прежде всего тем, что версию Доро можно слушать очень, очень много раз. Я ведь уже упоминал о перепродюссировании? Один из сильнейших альбомов года.«
Трио Damnations Hammer было собрано в 2009 году в Ланкашире, Англия, под руководством гитариста / вокалиста Тима Престона, ранее исполнявшего преимущественно thrash и groove metal, а ныне пожелавшего воплотить в современном звучании на одном альбоме идеи динозавров Celtic Frost и Candlemass. Записав в том же году демку "Serpent's Wrath", Damnations Hammer последовательно подошли к полноформатнику "Disciples of the Hex", который сами же и издали в 2012 году, годом позже переиздание релиза оформили I Hate Records, пожалуй, чутьё не подвело шведский лейбл и на этот раз. Собственно рассматриваемая обновлённая версия альбома отличается от исходника тем, что все песни были заново смикшированы, а к перезаписанному басу ещё добавили несколько гитарных соло – всё по-честному.
Материал альбома отнесён лейблом к death doom сцене, хотя, на мой взгляд, Damnations Hammer больше тяготеют к трэшовому doom. Неудержимая ярость, хриплый вокал с нотками нечестивого гнева, скорость на границе средней и высокой, изредка размеренный, но чаще галопирующий ритм составляют основной набор величин, которыми британцы оперируют на альбоме. Если бы Sepultura и Celtic Frost решили сделать совместный проект и попробовать играть doom, возможно, что-то подобное у них бы и получилось, но... Складывается впечатление, что Damnations Hammer ставили перед собой конкретные и простые задачи, в число которых входило исполнение тяжёлой, недоброй, мрачной и техничной музыки без претензий на чрезмерную сложность. Если моя догадка верна, то эти задачи выполнены с большим успехом. Мне, как человеку, привычному к doom-музыке, это в новинку, для тех же, кто лучше меня знаком с thrash-сценой, этот материал таким свежим не покажется. Песни "Disciples of the Hex" по-своему безукоризненно хороши, они содержат в себе всё, что в них должно быть, и в них действительно нет ничего лишнего. Однако при этом бескомпромиссный подход к записи альбома сделал своё дело: пусть по ушам не елозят ненужные здесь клавишные аранжировки, но общая простота и минимализм композиций не вызывают сколько бы то ни было сильного резонанса. Кроме того, для моего уха песни Damnations Hammer звучат однообразно. Скажем, идущие подряд "Disciples of the Hex", "Serpent's Wrath" и "Impaled On the Horns of Betrayal" сливаются в один пусть и хороший, но затянутый трек. Тим Престон и молотит гитарой, и орёт очень качественно, от всей своей нечестивой души, но делает он это на одной ноте, что делает песни предсказуемыми. Пожалуй, на их фоне я выделю финальный трек – "Gates to the Necronomicon". Это самая долгая, самая думовая композиция альбома, она мрачнее и атмосфернее остальных именно за счёт смены темпа, что повлекло за собой и некоторые изменения в вокальных партиях: теперь мы слышим не просто дуболомный упрямый ор, но и злой шёпот, и торжественную декламацию лавкрафтовских откровений. Кстати, в текстах песен по идее должны чувствоваться именно влияния Лавкрафта и Говарда, но по большому счёту текстовая составляющая под стать инструментальной: ритм текстов рваный, рубленный, резкий, слог короткий и прямолинейный, как положено у тех же thrash-зубров. Всё по-мужски.
Damnations Hammer сделали честный и крепкий, с налётом олдскульщины, альбом. Запись на новом издании "Disciples of the Hex" безупречна, у меня нет сомнений, что трио получило именно тот результат, к которому стремилось. Часть песен слушается с удовольствием, но предсказуемость ходов не позволяет мне поставить релизу высокую оценку. Впрочем, послушайте Damnations Hammer и решите для себя сами, это не моя чашка чая, но я не сомневаюсь, что найдутся те, кому она придётся по вкусу.
Московская группа Anckora появилась на свет 7 лет назад. За это время на свет появилось несколько демо и один полнометражный альбом "Машина", изданный в 2011-ом году. Сегодня на повестке дня вторая пластинка "Открой Мне Дверь". Судя по информации в Сети, группа начинала с исполнения готики, но со временем музыка успешно трансформировалась в нечто альтернативно-индустриальное с намёком на Pain и Cadaveria по части именно танцевально-индустриальной составляющей. С поправкой на российскую сцену, на ум приходят группы Illidiance и Xe-None, но одно конкурентное преимущество по сравнению с этими товарищами у Anckora налицо – милая барышня Катрин Антарес за микрофонной стойкой с весьма своеобразным голосом. Отсюда и третья ассоциация в своём отечестве – Moray Eel, но здесь ассоциация крайне отрывочная и эпизодическая – Катрин предпочитает чистый вокал весьма агрессивному миксу между альтерно-скримом и намёком на гроулинг, да и музыка Anckora куда более альтернативна, нежели у Moray Eel. Нашлось место на диске и мужскому вокалу, который временами устраивает довольно интересные дуэли и распевки с Катрин. Материал на диске весьма обильно пересыпан многочисленными сэмплами, что в отдельных местах, по моему скромному мнению, несколько вредит общему восприятию – просто потому, что гитарные и вокальные партии оказываются временами погребены под мощным шквалом тех самых сэмплов. При том, что музыканты явно вполне качественно владеют своими инструментами, лавина сэмплов временами превращает музыку в не совсем отчётливую кашу, посему в более медленных и спокойных композициях группа выглядит более выигрышно. Да и вообще складывается впечатление, что на сцене группа должна смотреться куда мощнее и солиднее, чем на студийной записи, просто потому, что такая музыка явно создана для того, чтобы качать толпу в клубах и "рвать по три баяна" за выступление. Чем Anckora активно и занимается, судя по их более чем насыщенному концертному графику.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
