Так мало осталось на планете трутней, которые работают не ради славы, а ради дружбы на Земле. Людей, простых как три с половиной копейки. Крестьянского формата – словно этот дядька из Огайо. Он скромными шажками распахивает первую милю музыкальной земли, ещё только обживается в виртуальном пространстве, где, видимо, пропишется на долгое время. Демонстрирует удивительную щедрость, выложив на своей странице в MySpace все полторы пластинки для скачки в битрейте VBR 224, и одновременно удивительную скупость, не сообщая о себе практически ничего. Город Коламбус, штат ... ну да, тот самый, который кормит всю Америку. А та в свою очередь не слишком образованных своих представителей одаривает вопросом с прищуром: "Ты что, из Огайо?" Судя по анкете в блогах Cloudkicker – это женщина в возрасте 109 лет, рождённая под знаком козерога. А официальный сайт группы, если кликнуть по ссылке, представляет собой атлас Вселенной, который, как следует из аннотации, призван рассказать посетителям, как на самом деле выглядит космос. И обращение к слушателям достойно всего остального: "На диск мы не потратили ни копейки. Если ты заплатил деньги, значит ты идиот". Таков он Бен Шарп, ответственный за гитары, бас, ударные, сэмплы, синтезаторы и программирование. Помогали ему два гитариста, два басиста и драммер. Отличное начало, не правда ли?
Практика показывает, что за океаном, как бы эту территорию не переносили на дух, талантливых музыкантов пруд пруди. Любой торговец хот-догами в Нью-Йорке или конторский служащий из Сакраменто может оказаться виртуозным гитаристом или профессиональным ударников. Участники Cloudkicker с лёгкостью уже на первой своей работе выколачивают из нас дурь гипертехничным, но при этом очень атмосферным и органичным мат-металом, свитым из прогрессив-метала, пост-метала и эмбьентовых фишек. В них слышится алгебраическая отточенность движений и пылкое сердце, но нет голоса, будто ответственные за "The Discovery" шифруются и пытаются вызвать своих слушателей на какую-то абстрактную игру, к которой нет правил. Длинных композиций на дебюте нет, словно "пинающие небо" боятся надоесть до смерти, ещё как следует не родившись. И понимая, что эти десять вещей – на любителя. Даже слишком. Кинуть кубик – пять, три, один? Пойдёт – не пойдёт. Они в меру тяжелы, не пытаясь соревноваться с брутальными мат-металлистами вроде Meshuggah, до крайности мелодичны, но за эту крайность не выходят. Пластинка, если воскресить её в памяти спустя пару минут после финальной точки, представляется саундтреком – к фильму о большом городе, спектаклю об аритмии человеческого сердца в постмодернистском мире, к самой жизни, которая, как это ни банально звучит, так бежит и несётся незнамо куда, что хочется обхватить голову руками и заткнуть уши.
Это с виду они меряют движениями пальцев метры струн и шахматные доски клавиш, но внутри этой математики есть литература – проза, поэзия, драма, комедия. Полный спектр чувств и ощущений, иногда саркастических, местами грустных, а зачастую грубых в своей заботе. Тридцать девять минут, которые пытаются рассказать нам о космосе. Две трети часа, чтобы убедиться, что даже такой выверенный и структурированный до скрипа зубов стиль может быть изящным и проникновенным. Он живёт и пульсирует, а не крутится как шестерёнка по заданной траектории. Человек побеждает машину.«
Лебединая песня у классических охотников за черепушками получилась на загляденье. Шмир, прославленная физиономия Destruction, на тот момент изгнанник из родных пенатов, не раз признавался, что "Rebirth" – его любимая работа в составе Headhunter. Понять, почему так, а не иначе, легко. В 1994 году, будто чуя близость финала, троица выдала всё, на что была способна в новом формате. В результате получилась примерная солянка из обеих предшествующих работ, вобравшая в себя как энергичность и вящую драйвовость первой, так и юмор плюс разнообразие второй. Классическим трэшем на "Rebirth" по-прежнему не пахнет, но застарелый стиль в хэви-обработке с кучей не столь очевидных элементов смотрится шикарно.
Вначале по древнему обычаю, практикуемому с первого диска, – интро с фолковым ароматом, на который был падок гитарист Уве Хоффман, в металлической тусовке известный более как Шмуддель. Дальше – целый набор первоклассных тем, где заметны не слишком оригинальные, зато плотно упакованные идеи, запоминающиеся риффы и выверенные мелодии, которые наконец-то западают в голову. Пластинка выглядит более целостно и полновесно, чем предыдущие. Отличное продюсирование Руди Кроненбергера, которого порекомендовал ударник Йорг Михаэль. Маэстро справился со своей задачей на ура, заострив саунд до немного техногенного звучания, при этом сохранив аромат классического хэви-метала в соло и ритмике. А музыканты, прежде чем разойтись, получили целый фонтан хороших рецензий. Достаточно сказать, что они успели разогреть в туре грандов Saxon. "Я считают этот диск нашим лучшим творением", вторит Шмиру Йорг. Но тут же добавляет: "Но наши поклонники тогда думали иначе".
Когда в 2007 году прославленный ударник, успевший за свою жизнь поиграть почти в двадцати командах, вспоминал свои впечатления для ремастированного переиздания, он недвусмысленно намекал на будущую запись. Надеялся, что она окажется не хуже "Rebirth". Впрочем, его неосуществившиеся мечты никак не влияют на ценность последнего опуса Headhunter 90-х. Несомненно лучшего из трёх.«
Несерьёзное отношение к жизни, и разбитной стёб внесли в атмосферу Headhunter невыносимую лёгкость бытия, сделали пластинки воздушными, полными светлых пятен и незаполненного пространства. Марсель Ширмер, вовремя турнутый из Destruction, не нашёл ничего лучше кроме как жить, не оглядываясь назад и не думая о будущем. Из его неумения спланировать материал и логичного непонимания будущего проекта родилась вполне жизнеспособная, хотя и временная команда. И два года, растянувшие удовольствие между первой и второй, Шмир с удовольствием и в компании Шмудделя (Уве Хоффман) и Йорга Михаэля провёл в гастрольных загулах по Европе и благословенной Японии, которая своим редким фанатизмом позволила охотникам за головами ещё некоторое время продержаться на плаву. Пару лет.
Новая попытка продемонстрировать наплевательское отношение к окружающему миру привела к появлению "A Bizarre Gardening Accident", диска, к которому даже название горе-музыканты придумать не могли. Им помогла бывшая жена Михаэля, вспомнившая о "Spinal Tap", псевдодокументальном фильме, якобы рассказывавшем о настоящей рок-группе из Британии. Вся троица души не чаяла в этой 82-минутной пародии, вышедшей на экраны в 1984 году, и прицепилась к одной из цитат вымышленного интервью. "Наш ударник погиб во время работы в саду в результате странного несчастного случая", отмечает один из "участников" Spinal Tap. "Власти намекнули нам, что не хотели бы заниматься расследованием", дополняет второй. И вся пластинка в итоге получилась настолько же разгильдяйской – вроде какого-то своеобразного хэви-трэша, в некотором роде более сложного, чем двумя годами раньше. На диске появилось больше совсем непрофильных вставок – на манер очередного кантри-интро, фолкового и фортепьянного кусков. Ориентировались парни, по совету своего британского продюсера Джона МакГована, на старую версию Metallica, что местами проскакивает в мелодиях и риффах. Достаточно взять, к примеру, балладу "Pangs Of Remorse", чтобы не задавать больше кучи вопросов.
В целом работа получилась ещё более прозрачной, чем предшественник, который и так не особо оказался обременённым тяжестью и агрессией. Это скорее переосмысление своей жизни, хоть и подсознательное, неосознанное. Желание сделать нечто, отличное от бывших коллег по Destruction, которые не очень по-спортивному избавились от Шмира. И, разумеется, большая ориентация не на драйв, мощь, скорость, а попытка вцепиться в динамику, аритмию, мелодии. Для Ширмера, по его собственным словам, главной задачей было разнообразить вокал, сделать его не столь однородным как раньше, до некоторой степени усовершенствовать манеру пения. И ему это удалось. Хотя на "A Bizarre Gardening Accident" очень не хватает былой мощи и задора. Но чтобы купить что-нибудь ненужное, надо продать что-нибудь ненужное. Закон этого мира.«
Немцы Scream Silence на своем, далеко уже не последнем, на данный момент альбоме, спели свою коронную песню – в смысле, те кто знаю эту группу могут смело покупать альбом: ничего нового и выдающегося там нет, но все сделано качественно и красиво, уровень держат. Как обычно, с трудом найдя издателя в России (а новому альбому еще и не нашли) альбом дошел и до моих ушей, которые после гениального "Seven Tears", решили, что стоит любить и слушать эту группу.
Пусть вас не пугают возможные расшифровки сложносочиненного названия альбома – в нем ничего не связано с мочой, а стиль и смысл музыки остаются авторизированным синт-готик-роком. Основы, заложенные Dreadful Shadows, продолжение в виде HIM (ну или ближе The 69 Eyes) с включениями электронных фишечек и гасящими все тяжеловесные поползновения пушистыми клавишами по прежнему звучат мягко, нежно и совсем чуть-чуть печально, но очень искренне. Голос вокалиста, варьирующийся от высокого до более низкого типичного готик-рокового вокала с неизбывным страданием в нем, ласкает уши и отстреливает сердца девушек стрелами Амура. Кое-где гитарки потяжелели, но они все равно остаются аккуратно приглушенными, словно из-за стены, чему очень способствует выведенные вперед басы и бас-бочки, забирающие звук в такую глубину. Самыми яркими звучит пианино, которое как обычно одиночными нотами, аккуратными редкими аккордами и тонкими намеками вместе со всем остальным создает романтическую красивую картину.
Практически все песни примерно одного уровня, не достаточно хитовые, чтобы застревать в голове, но вполне годные для наслаждения красивой музыкой. В нескольких песнях звучит скрипка, делающая композиции еще более чувственными (хотя уж куда там...). Песня "Nonentity" очень похожа на известную композицию Делайла, а "The Void" отличается повышенно эстрадной мелодикой, которую хоть сейчас под клип. Альбом начинается с длинной песни, и заканчивается длинной песней, а в середине есть песня с жутко длинным названием для готик-рока, уместившееся лишь на трех строчках задней стороны буклета и на первый взгляд кажется равным ее тексту (сама она, кстати, одна из самых пронзительных). Композиционно и тематически материал предсказуем, но это лишь прибавляет ему приятного уюта при прослушивании. Песни о любви состоявшейся и почившей, продолжают трогать сердце, пусть и не так, как на пресловутом "Seven Tears". Тексты усложнены (лично я такой лексики не помню, много новых слов вижу), но в целом понятны и симпатичны, а оформление скромное, радующее глаз.
В общем, без боязни и сомнений, любители готик-рока и лав-метала могут знакомиться с этим релизом, не понравиться он не сможет, может только не осесть печальными нотами в душе, не запомниться.«
У всякого коллектива имеющего за плечами солидную историю найдется в пыльном чулане, сыром подвале, либо на заваленном хламом чердаке некоторое количество музыкальных записей, сделанных на ранних этапах карьеры. Не являются в этом плане исключением и мрачные немецкие романтики Александр Вельянов и Эрнст Хорн, составляющие культовый дуэт Deine Lakaien, история которого насчитывает вот уже более двух десятков лет. В 2003 году, музыканты поскребли по сусекам и извлекли на свет божий ранних записи одиннадцати своих композиций, в том числе те, что входили в неизданный студийный альбом 1987 года "Silver Tape". Все треки были ремастированы, так что, несмотря на солидный возраст переиздания, диск звучит кристально чисто и вполне современно.
Итак, что же представляют из себя Deine Lakaien образца 1987 года? Собственно тоже самое что и всегда. Музыка берлинского дуэта это уникальное смешение классической музыки и darkwave эстетики с неподражаемым вокалом Александра Вельянова, с той лишь разницей, что данные композиции исполнены лишь с использованием синтезаторов и всевозможных семплов, отчего треки альбома кажутся сюрреалистическими, словно пейзаж чужой планеты. На фоне удивительных музыкальных ландшафтов во всей красе раскрывается вокал Александра Вельянова, примеряющего на себе десятки разных масок, словно в театре одного актера. Такое надо слышать! "1987 The Lost And Early Works" – по истине, настоящая находка для всех любителей электронной готической сцены.«
"Live" – это первая, но далеко не последняя концертная работа немецких темных романтиков. "Живой" альбом был записан в ходе европейского тура музыкантов в поддержку их альбома "Dark Star" (1991). Как мне видеться, популярность концертных записей Deine Lakaien объясняется тем фактом, что их звучание в корне отлично от того, что мы слышим на альбомах. Т.е. одни и те же композиции на студийном релизе и в живом исполнении могут звучать совершенно по-разному, это не считая особого драйва концертных выступлений немцев, который мне удалось испытать на себе во время потрясающего концерта группы в Петербурге летом 2006 года.
На "Live" композиции с "Dark Star" и более ранние хиты группы звучат более цельно и полновесно, чему способствуют использование наряду с традиционной для Эрнста Хорна и Александра Вельянова электроникой звучания органа, скрипок, виолончели и гитары. "Пение" живых инструментов раскрашивает новыми красками знакомые мелодии и переплетается в странном, страстном танце с неподражаемым вокалом Александра, который буквально гипнотизирует слушателя, погружая в мир ирреальных аудиовизуальных образов. Одним словом – эстетическое удовольствие крайней степени восторга.«
Очередной посетитель моей музыкальной коллекции, подобранный, даже без предварительного прослушивания за шикарную атмосферную обложку. На проверку оказались немецкими мелодик блек-металистами, с единственным альбомом после пары демок, старательно установившими свои паруса на курс одного из лидеров норвежской сцены. А точнее – Immortal с мелодическими инспирациями шведского блека и редкими мелодик-дэтовым риффами в обойме (например, в заглавной "Thy Kingdom") и еще менее заметными напоминаниями о Bathory. Отмечу что, настроив гитары на норвежцев времен "At The Heart Of Winter", музыканты решили избавиться от излишней эпичности, сделать скорость стабильной, чуть выше средней, иногда замедляясь для вырисовывания очередной удачной мелодии, а, местами срываясь в скоростную дробь, и значительно увеличить количество мелодий в песнях. Гитары работают в спектре от мелодик-блековых гармоний, до аккордных гармонических надстроек-переборов собственно от Immortal. Вокалист с приличным скримом, почему-то напомнил мне Blackheim'а.
По содержанию это игровой блек – в смысле, музыканты не поют эйфорические гимны сатане, а создают свой темный мир, который наступит, когда придет зло. Что-то вроде Setherial, Old Man's Child и прочих, напоминающих тематический фэнтези с уклоном в сатанизм. Соответственно этому выведена и обложка с таинственным "тем королевством" скрывающемся в тумане, к которому гребет мертвый нарушитель границ. Небольшое количество накопленного материала приводит к отсутствию откровенно слабых песен – не успели написать. Практически в каждой вы найдете необходимый набор жестких риффов, красивых мелодий и достойного вокала.
Малозаметный, к сожалению, релиз на сугубо местной сцене, который вполне может быть оценен по достоинству, несмотря на некоторую вторичность и множественные заимствования, хотя музыканты очень стараются создать свое лицо. Богатство мелодических элементов в сочетании с хорошо продуманной (или скорее проверенной опытом других) конструкцией материала, симпатичный вокал, приятные тексты и отличное оформление поднимают оценку релиза на максимально возможную высоту.«
Эмпирическое восприятие окружающего мира, которое не даёт логике и мрачной математике структурированного сознания ни шанса, всегда было важной чертой северной музыкальной культуры. Апогей, случайно найденный норвежцам и исландцами, во многом превратил их творения в гимн хмурым, но морозно красивым лесам, ледяным пустошам, северному сиянию, противопоставляемым каменным джунглям. И в этом вряд ли есть несостыковки. Жить в такой нереальной, иррациональной атмосфере изрядной отчуждённости и чураться её – совсем не по-людски. Андреасу Хедлунду, творящему свои работы под маркой Vintersorg в избушке посреди моря деревьев, чуткое восприятие чувств и эмоций природы помогло стать менестрелем Скандинавии. Его внедрение в ряды и так нестандартных викинг-прогрессивщиков от блэк-метала автоматически повлияло на смещение акцентов. Именно с "Empiricism" началось движение Оустейна Бруна в сторону большей эмоциональности и проникновенности, обретшей сольное исполнение на "Origin" (2006) и представившей команду во всей её unplugged красоте.
На "Empiricism" изменилось многое. Не только Винтесорг подсидел на вокальном мостике Вортекса, который отправился поднимать свой семейный бюджет к блэк-метал олигархам из Dimmu Borgir. Аранжировки этого прогрессивного материала стали сложнее, точнее, чётче, авангарднее, а звук со сменой продюсера перестал наконец попахивать рачительной шведятиной, удалившись в классическую норвежскую симфо-ипостась. Стало больше проникновенных акустических элементов, добавились фортепьянные пересмешки, а один запоминающийся голос уступил место второму, не менее интересному. Засилье синтезов избавило стиль Borknagar от классической атмосферы холодного космоса; страха и отчаяния вдруг не стало совсем. Одновременно куда-то делась некоторая натянутость музыкального повествования, сменившаяся гармонией. Не сразу, лишь по прошествии некоторого времени. При этом структурированный хаос никуда не пропал – без него группу представить невозможно, а мощь и энергетика застыли в камне.
При всём обилии элементов, инструментальном и композиторском умении музыкантов "Empiricism" – отнюдь не идеал. Это практически максимально успешное воплощение задумок, идей, планов. Но настолько разноплановая музыка смотрится особняком, норвежцев распирает от желания засунуть на пластинку и то, и это. Но идиома "места хватит всем", пожалуй, здесь не властна.«
Большое и эпическое полотно, богато разукрашенное симфоническими аранжировками, героическими мотивами, торжественными и печальными мелодиями и аккуратными меланхоличными отступлениями пролегло передо мной при прослушивание первого альбома молодой немецкой группы Fjoergyn. Организовавшись в 2003 году, группа на данный момент имеет на счету лидера в виде участника Die Saat и два альбома. Уроженцы Тюрингии пополнили собой обойму симфонического эпического блека, будучи наиболее похожи на сильно симфонический Himinbjorg, или менее агрессивный Thyrfing смешанный с Haggard.
Не совру, если скажу, что основной вклад в музыку приносят именно симфонические аранжировки, иногда столь изощренные, что становиться удивительно их исполнение по средствам всего лишь одного клавишника, а не полноценного оркестра с набором инструментов от мелких духовых до массы струнных. Здесь можно уловить и фортепьянные партии, словно взятые у классических композиторов и массивные оркестровые кульминации посреди ведущей мелодии, влияющей между средневековыми европейскими мотивами и типичными скандинавскими настроениями. Металическая составляющая же, является бетонной основой для всех воспаренных мелодических надстроек с немного приглушенной гитарой в отдельных частях песен, дающей о себе знать быстрыми блековыми проходами, угрожающими напористыми викинговскими боевыми риффами и протяжными вольными аккордами. Вне доминирования гитары послушно становятся фоновым инструментом, а риффы немного сбавляют в выразительности. Вокал соответственно музыке колеблется от чистоголосых распевок, в том числе в несколько голосов, приятным тенором, до блекового скрима, но оба варианта не идеально выведены по громкости, оставляя впереди себя инструментальную часть. В связи с такой умеренной приглушенностью, музыка становиться словно высветленной, приобретая контрасты лишь на акустической гитаре или лиричных симфонических моментах, и, пожалуй, это ее единственный заметный недостаток.
Композиции альбома многогранны и объемны, почти все приближаются к семи, восьми минутам звучания, сочетая в себе перечисленные качества и особенности. Первая композиция и шестая – инструментальные симфонические вещи, которые среди остальных кашалотов являются простыми интерлюдиями. Своим ровным и всеобъемлющим наполнением композиции могут, как понравиться все, так и оставить слушателя слушать музыку фоном, зависит от ситуации, правда, не теряя при этом своей фигуристости и солидности. Последняя композиция с прописанными девятнадцатью минутами длины и фактическими шестью – мало того, что содержит "Ode To Joy" авторства Бетховена, так в начале прямо ассоциируется с неожиданным в данном контексте именем Lacrimosa, а в конце присваивает скрытый трек. Выходил альбом с двумя вариантами обложек: как я понял, другая обложка у дигипачного релиза, обе достаточно минималистичны и симпатичны. Все тексты группы написаны на немецком языке, поэтому максимум, на который я способен это перевести пару названий песен, но справиться со смысловой нагрузкой релиза, мне уже не под силу, к сожалению.
Достаточно сильный для дебютного, альбом Fjoergyn придется по душе любителям эпического симфонического викинга и блека. В дальнейшем, несмотря на использование классических симфонических аранжировок (примененные в удачном ракурсе со знанием дела они заменяют своеобразие группы), музыкантам стоит поискать собственное "я" и вынести его ближе к слушателю, чтобы не стать похожими на...«
Кто-то продолжает считать Тарью обладательницей неповторимого голоса? Тогда новое явление из той же Финляндии, постарается разрушить этот уже по-настоящему сложившийся стереотип, ведь очаровательная вокалистка Катра Солопуро из группы своего имени, способна удивить вас очень схожими и ни капли не худшими вокальными данными. А вот репертуар, тут уж товарищи извините, но сольные песни Тарьи совсем не кажутся впечатляющими на фоне альбома "Beast Within". Что ж, у бывшей вокалистки Nightwish появился серьёзнейший конкурент, который, как мне видится, одним только дебютом способен разрушить всё что она сейчас пытается построить.
Если две первые композиции покажуться вам не столь сногсшибательными, то начиная с одноимённой "Beast Within" идут сильнейшие хиты, разнообразные и наредкость цепляющие, хотя вспоминая многочисленные холостые попытки повторить успех Nightwish, доносившиеся из всевозможных уголоков Европы, в появление чего-то выразительного верилось уже с трудом. Но не спешите воспринимать группу как копию Nightwish, во многом они звучат иначе, имеют свой характер, а в отдельных песнях такой горячий драйв, что можно посоревноваться и с главной группой Финляндии, параллели здесь преимущественно в голосе, в бывшем голосе. Песни своим развитием целиком поглащают внимание, иногда ими так заслушиваешься, что не хочется знать когда альбом закончится, не хочется тобы он заканчивался вообще. Музыкантам удалось сделать все необходимые для такого эффекта находки и правильно их сконструировать. "Beast Within" представляет собой пример, когда теряешься в возможности определить лучшие песни альбома, я лишь назову те, по которым вы сможете понять – Катра не хуже Тарьи, это композиции "Mist Of Dawn" и "Scars In My Heart", а по душевности исполнения тут ещё стоит подумать кто лучше. Несомненное открытие 2008 года в своём жанре.«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
