Вы желаете занять себя поисками альтернативного метала – ну или, проще говоря, nu metal, от которого моча била бы в голову уже за прослушивание диска в центре, тогда этой группы и этого диска не избежать... Девять больных на голову жителей Айовы слегка придушив в объятиях своей удавки локального слушателя в далеком 1996 году, через три года, зафиксировав милый и трогательный "семейный портрет" на обложке первого полноформатного и официального диска, фиксируют свой скользящий узел на пульсирующих сосудах шеи настолько крепко, что довольные и счастливые от переизбытка классической альтернативной формы с закаченной внутрь бугрящейся яркой творческой энергетикой, лица синеют в очередной попытке повеситься на музыки этой пластинки. Она цепляет и затягивается – до сих пор мотивы и ритмы с нее вызывают завихрения в моей голове, по памяти с начала нового века.
Как ни крути, кажется, никому не миновать этого альбома американцев, а в оценке уместно было бы поставить любимое некоторым "классика". К тому же при деле вечно снующий в свете славы Росс Робинсон (уж так вышло, что у меня подряд два диска из его рук и не увидеть параллелей с "Roots" на дебютнике Slipknot сложно). Собственно так и есть – полный набор высшей альтер жизни от и до: низкие скребущие гитары, безудержно срывающиеся на писки, визги и слайды; подгруженный качающий бас и вокал со всеми чертами присущими Кавалере, Дейвису, Флинну, Фафаре – истерические скороговорки и крики на выдохе, уходы в гроул, чистые надтреснутое, напряженное пение и редкие красивые вокальные партии. Кори Тейлор на самом деле богат на вокальные возможности как никто другой, но также качественно как остальные в отдельности исполняя все варианты. Но, елки-палки, девять человек же, что они все там делают? На самом деле это единственный альбом, который наиболее доходчиво в дискографии группы показывает, чем же они там занимаются. И если двум гитаристам как раз отводится меньше места для разворота со сдвоенным дроблеными копающими кач риффами, динамично примитивными, и от этого еще более злыми, то басист, барабанщик и особенно личная добавка во вкусовой букет: два перкуссиониста, ярко слышны в каждой композиции, вырисовывают свои полиритмические рисунки, совмещающиеся в пространстве сложением амплитуд (когда вы думали, что стоит начать прыгать, это было еще только начало синхронизации и энергетики – короче рано решили). Ну, конечно, свои шумовые пять копеек вносит ди-джей, загрязняющий музыкальное пространство.
За перкуссиями таятся те же трибальные ритмы, что и на работах коллег, вообще взятые под основу nu, перенесенные на новый музыкальный уровень и завешанные агрессией. Последняя, в некоторой степени избыточна, и после музыкальных проявлений непременно вываливается кучей шумов, потяжками гитарных струн, хаотичными ударами ударника, стонами и воплями вокалиста на слушателя. Во всяком случае, про засилье агрессии думалось до выхода "Iowa", который доказал, что нет предела совершенству в отдельных составляющих, и отправил дебют в разряд умеренных работ.
За кристальной четкостью практического воплощения всего задуманного на первом альбоме Slipknot стоит интригующее разнообразие, легко обобщающее разные, но схожие во многом треки. От незабываемых мелодичных хитов "Wait And Bleed" и слегка зарэпованной "Spit It Out" до сногсшибающих боевиков jump'd'fuck up "(sic)" (бывшая "Slipknot"), качающей "Eyeless", занявшими весь старт диска с легкостью переходящий в его концовку с уже своими шедеврами "Liberate", "No Life", каждый трек резко индивидуален, но узнаваем и искренне, до предела, эмоционален. Одна из самых мощных и заводных композиций "Surfacing" с концентрированным простым ритмом стоит многих альбомов целиком. Даже муторно-грязная, мучительная, тянущаяся листом железа по асфальту "Scissors" даже не пытается разубедить в своей необходимости в качестве финала диска. Там где надо вы слышите ритмику или примитивный гитарный кач, где-то выползает бас, рвущий струны под трибальный мотив, а вот набежали скретчи, а значит, вмешался пультовик. В том числе смена на европейском издании "Purity" со вступлением, "Me Inside" более чем вменяема и хороша. Те же эпитеты можно отнести к не попавшим на то же европейское издание, к большому сожалению, бонусам "Get This", "Interloper". Единственная вещь, без которой лично я бы обошелся здесь это "Only One".
Кто бы вы ни были, что бы вы не слушали, вам все равно, наверняка пришлось слышать этот альбом, и совершенно очевидно, что эта работа должна быть в фонотеке уважающегося себя любителя тяжелой музыки. Это некий идеальный итог развития первого периода существования nu metal. По поводу этого альбома группы редко можно слышать недовольство, только если от упертых фанатов метала, но на все это бессильное нытье, рекомендую ставить в наушниках "Slipknot" и с энергичным нажимом вещать в лицо собеседнику "да хоть бы на фиг их всех!".«
Совершенно очевидно, что Rage вернулись, и в этом виновата женщина. Хотя с другой стороны, Peavy никуда не уходил со своим Rage, он просто брал творческую паузу, за которую немного поэкспериментировал, прививая свой, особенный и уникальный двух умелому, но находившегося немного вне темы Смольскому. Откровенных провалов мы не видели, но раз за разом получали "что-то не то", не имея возможности об этом толком поныть. И вот, на этот раз, все вышло так, как надо, как мы заждались.
Возможно, конечно, что заполучив два альбома назад мощный бренд и немного успокоившись, Nuclear Blast потеряли свою хватку, и подвыпустили креативных демонов внутри дуэта, но самой реальной причиной следует считать именно неизвестную женщину. Кто из них двоих, сказать не берусь: при тотальном засилье песен про то, как полезно было бы полюбить, выйти на свет, и вообще, улучшить свою жизнь путем разглядывания себя под другим углом (и только для проформы пара серьезных песен о глобальной угрозе и безбоязненном фатализме) Виктор Смольский однозначно перенял нужный настрой, отмечавшийся у Пиви еще в конце девяностых. Соответственно больше половины музыки на альбоме написаны Виктором, а все тексты Вагнером – вот и думай, кто из них является инициатором эпохи возрождения, у кого искра полыхнула...
Просто возьмите и сравните написанные в совместной работе, видимо с превалированием Пиви, последнюю часть альбома, после квадрологии "Empty Hollow" и написанную за единственным исключением стартовую четверку композиции, которую ваял Виктор – они почти идентичны по настроениям и приемам, обе части написаны в классической для немцев (ох, как неудачно употребляется это слово сейчас по отношению к ним) манере за отдельными исключениями, подтверждающими правило и разнообразящими картину. Так интересный синтез неслыханно классических heavy риффов с напевным задором это "The Beggar's Last Dime" один к одному с мелодическими линиями в районе соло, по сути отсутствующего – там просто развитие риффа, а затем главной темы – необычайно "Смольские" легкие, техничные, ароматизированные вообще изысканным hard rock, перекликаются с неожиданными впечатлениями на "Connected" родственной любой из дорог в ад товарища Rea и кратенькой "Through Ages", столь не похожей на балладу Rage. Во всем остальном к нам вернулся этот трудно добываемый в последнее время дух. В "The Edge Of Darkness", "Hunter And Prey", "Into The Light" юношеский заряд энергетики с зацепистыми риффами, под внезапно проснувшееся разнообразие мелодий. Все это лишено выкрутасов Смольского с извечными завитушками технических выпендрежей на конце задиристых риффов, столь раздражавшими в неумеренных количествах без передышек. Самая витиеватая песня со гитарно-звуковыми игрищами лишь в конце, да и то, "Tomorrow Never Comes" ни коем образом не испорчена, а украшена ими. Самая большая радость альбома это "Purified": еще более неожиданный привет напрямую из такой глубины времен, на которую даже надеяться стоило перестать: это композиция, лиши ее современного звучания, идеально улеглась бы прямо в трек-лист "Trapped" или "Secrets In A Weird World". Даже неотступный призрак симфонической музыки, истерически давлений над группой последние несколько лет, вновь нашедший отражение в музыке Rage, в этот раз получился восхитительно концентрированным. Мелодии "Empty Hollow" как обычно отданной на откуп Виктору, внушительны, не страдают мелочностью, и успешно вливаются в поток гитарной мысли. Остается неясным, зачем было вообще делить на четыре трека...
Этот альбом более всего похож на "Welcome To The Other Side", когда он был самый, что ни на есть Rage, и одновременно стал уже не совсем Rage, во всяком случае, прежний – ничего не ушло тогда, а вернее даже пришло – Виктор на уже написанный материал, а в этот раз не то и не другое. Сейчас дух Rage, который витал весь последний концерт в Москве, выловился в потоке времени за скользкий хвост на фоне обнадеживающей стабильности. Необдуманно рассчитывать на открытие длительного второго дыхания у группы в возрасте 25 лет, поэтому словно рыбы, опущенные в воду, поклонники просто обязаны благодарно глотать недостающий кислород, пока техника и творчество спелись.«
Бостон, Массачусетс, Ehnahre. Оставив авангард-метал акт Kayo Dot, два здоровых мужика – Райен МакГир (голос, басс, двойной басс, перкуссия) и Джон Карчиа (гитара, вокал) с небольшой группой единомышленников, от которой остался ныне только Риккардо Доносо (ударные), соорудили музыкальный проект, виртуально стоящий по ту сторону здравого смысла. Первый диск "The Man Closing Up" вышел в 2008, через год вышел ни с того ни с сего концертный "Pipeline", что странно, если учесть небогатую дискографию группы, а в 2010 за ЕР "Alpha/Omega" появился и "Taming the Cannibals".
Я бы понял, если бы на "Taming the Cannibals" было скоростное брутальное месиво, но его там нет. Это разбитый, агрессивный на грани истерии, растерзанный и окровавленный, парадоксальный медленный death, диссонирующая основа которого возведена в культ. Кстати, пресс-релиз Crucial Blast услужливо подсказывает – это авангардный black/death/doom, как будто термины что-то объясняют. Для меня, человека, далёкого от столь тонких граней прекрасного, прослушивание релиза стало испытанием, но что-то подтолкнуло написать Райену (наверное, пачка баксов, которую прислал лейбл), и я не пожалел о том, что потратил некоторое количество времени на интервью с ним. За расхристанными атональными музицированиями Ehnahre лежит изуродованный современным обществом мир ещё высокой поэзии и музыки. Музыкальная концепция Ehnahre лежит за пределами юрисдикции рецензента метал-портала, Райен берёт курс на австрийского композитора Арнольда Шенберга и его технику двенадцати нот, таким образом, увуренно, пусть и без фамильярности, вставая в один ряд с одним из видных представителей музыкального экспрессионизма. Исследуя наследие Шенберга, группа поместила на свой ржавый, изъеденный временем щит слоган "Свобода диссонанса" и, не стараясь никому ничего доказать, проводит через весь альбом одну из основных идей своего творчества, сущность которой в том, что диссонанс не так уж плох. Между нами говоря, эта "глубина всех глубин" почти ничего не меняет – слушается такая музыка трудно, пусть и уважение к работе авторов остаётся на уровне. В подтверждение шенбергской теории Ehnahre предпочитают всем видам вокала истошный, до крови надрывный ор, и тут опять – и режет слух, и сложность восприятия. Но и это простительно – за текст берётся лирика признанных поэтов! Среди них У.Б. Йейтс, Ф.Хиггинс, Джордж Трэкл, Уолт Уитмэн и Робинсон Джефферс. Другое дело, что вы едва ли разберёте в этой какофонии звуков слова произведений этих авторов, однако сама мысль уже хороша. Что ещё интеллектуального можно вычленить из холодного, просчитанного хаоса умопомешательства Ehnahre? Пожалуй, то, как иногда эклектично, как во время и к месту звучат труба или виолончель. Да, музыка здесь не сплошное насилие – рваный темп jazz-death импровизации, если о темпе вообще можно говорить, даёт передышку ушам, и на фоне мимолётной тишины раздаётся животный рёв человечьей глотки, изрыгающей строки поэта.
Сравнивать с чем-то? Такие имена как Gnaw Their Tongues и Corrupted могут разве что отчасти передать атмосферу Ehnahre. Моё перо бессильно живописать музыкальные тонкости альбома, "Taming The Cannibals" – это исследование, а исследователи от гипотез переходят к фактам, я предлагаю вам начать с последних, с того, что я вам сказал сегодня, и на основе этого самостоятельно сделать заключение, что в этой группе может вас заинтересовать. Я же отмечу своё восхищение тем, насколько продуманной оказалась концепция группы, создающей казалось бы настолько неблагозвучную музыку. Это достойно уважения и внимания.
Отнюдь некислый подарок преподнесли своим поклонникам отвязные финские глэм-рокеры Negative, заполнив паузу между двумя полноформатными альбомами ретроспективным сборником, включающим би-сайды синглов, которых у команды набралось с дюжину, и неальбомные версии общеизвестных композиций, многие из которых исполнены в акустике.
Насколько я понял все композиции представлены на диске "как есть", то есть не подвергались ремастерингу, отчего качество записи разниться от песни к песне, с другой стороны это придает звучанию альбома определенный шарм и позволяет совершить настоящее путешествие во времени, проследив как изменилось звучание команды за десять лет существования – чем не развлечение для сердца и ума, кроме того, чтобы слушать качественный гитарный рок в сочетании с эмоциональным вокалом? Кроме композиций с синглов, среди которых, возможно и нет 100 % хитов, но нет и откровенного "порожняка", на диске, как я уже сказал, присутствует несколько акустических композиций, которые, на мой взгляд, вызовут у фанатов даже больший интерес, так как акустика это всегда особый упор на вокал, а следовательно и на эмоциональную составляющую песен.
Буклет альбома содержит емкие и интересные комментарии Йонне Аарона к каждой композиции, вошедшей на диск, в частности из них можно узнать, что сборник получил свое название по первой композиции, написанной Йонне для Negative – "God Likes Your Style" – собственно ей и открывается диск.
Художественная ценность такого сборника как цельного произведения, для простого меломана естественно, сомнительна, но фанатам несомненно согреет душу и сохранит кошелек. Куда дешевле найти и купит один диск, чем 12 синглов.«
А вот это как минимум интересно – чуваки из Флориды лабают весьма прикольный микс из мелодичного поп-панка и... мошевого хардкора! Да, вроде как эти два направления не сильно стыкуются между собой в чистом виде – ан нет, оказывается можно их слить воедино, причем сделать это достаточно изящно. Конечно, ввиду этого (или для этого) саунд ADTR звучит чуть мощнее, чем у коллег из поп-панк тусовки, ну и для полноты картины парни усиливают вокал скримингом и гроулингом, что, безусловно добавляет брутальности мошевым моментам, особенно после партий чистого вокала. Ну а остальное дело техники. В смысле композиционной техники: изящество, с которым ADTR по ходу очередного трэка преобразуют относительно спокойное риффовое течение из мажорной поп-панковской композиции в бурлящий мош-хардкоровый поток просто поражает. При этом таланта сочинять отличные мелодии ребятам не занимать – ни одной тупорылой или проходной темы я так и не услышал. Диапазон настроений весьма широк (еще бы, с таким-то жанровым инструментарием!), здесь Вам и типичные жизнерадостные трэки в мажорном ключе, и легкая грусть-печаль, и конечно же веское слово мошевого хардкора, расставляющего точки над "i" тоном, не терпящим возражений. Милости просим, как говорится – всяк тинейджер будет рад послушать "Homesick", да и всем ценителям обоих жанров будет не лишним познакомиться с релизом.«
Джунгли перуанского андеграунда с первого взгляда могут показаться необитаемыми, но, если внимательно приглядеться, то можно в них обнаруживать представителей редких в наших краях видов. Например, год назад я чуть не прошёл мимо представителей вида psychodelicus stonerus, подвид El Hijo de la Aurora, который готовился к акклиматизации в наших широтах в составе mp3-сборника Dirgenera, впоследствии вид был изучен самым пристальным образом (рецензия и интервью), и оказалось, что его прародителем был другой представитель жанра – Don Juan Matus (Перу, Лима), двое участников которого и образовали проект Сына Зари.
Музыканты Don Juan Matus ныне живы и здоровы, охотно пишут музыку, доказательством чему служит свежий релиз "Más Allá Del Sol Poniente", вышедший чуть более месяца назад. Играют примерно то же, что и прежде – stoner psychodelic rock старой школы, но высокого качества, плюс к нему идут бонусом разные навороты и улучшения, иногда эти апргейды дают на выходе чистый инструментальный space-rock ("Ectoplasma") или какую-нибудь необычную средневековую интерлюдию ("Visiones Paganas"). Но обо всём по порядку. После непродолжительного клавишного интро Don Juan Matus организовывают слушателю психоделический флэш-бэк, перемещая сознание во времени лет на 35-40 назад, и в пространственном смысле – напрочь в запредельные миры, в неизвестный Кадат. Кажется, я пишу это в каждой второй рецензии, но и в тут Лавкрафта преданно любят, так что "Kadath / Más Allá Del Sol Poniente" ("Кадат / За Заходящим Солнцем") всё о том же, лирика на испанском звучит органично в свете психоделичного излучения (и бульканья!!!), а релаксирующий, немного вязкий, средней степени тяжести, stoner неторопливо качает. Но ещё больше качает "Ectoplamsa"! Термин "эктоплазма" должен быть знаком всем, кто смотрел по крайней мере мультфильм "Охотники за приведениями", ну, я его во всяком случае узнал оттуда. Если вы пропустили одну из серий, то напомню: "Форма материи, в своём первоначальном состоянии неосязаемая и невидимая, но затем способная принимать газообразное, жидкое и твердое состояния. Она источает запах, напоминающий озоновый, и обладает очень странными свойствами". Короче это то, чем проявляются призраки в нашем мире. Как я говорил, "Эктоплазма" – это space rock, призрачный, мощный, жаль непродолжительный. После него снова возвращаемся к основной линии альбома – "Mundo Alterno", и хотя в тексте (издание снабжено английским переводов текстов) упоминается нагваль, более этого (и названия группы естественно) от Кастанеды здесь ничего нет, хотя лирический аспект Don Juan Matus посвящён оккультизму и мистики в целом. В этом же треке исполнители показывают себя превосходными инструменталистами, и финальное соло – тому доказательство. Привет от Led Zeppelin! Про "Visiones Paganas" вы уже слышали, группу вдохновил на песню старенький языческий фильм "Плетёный человек" (см.также Iron Maiden "Brave New World"). "Summerland" – добрый, крепкий, немного романтичный на припеве, hard rock, исполненный на скорости выше средней и здорово оживляющий альбом. И снова небольшое отступление – на этот раз "Espejismos", сочинённое и исполненное новым ударником группы Альфонсо психодел-надругательство над ударной установкой, кастанедовский транс и оккультные галлюцинации гарантированы. Альбом закрывается ещё одной великолепной – с превалирующей акустикой – инструменталкой, которая немного выбиваясь из общего ряда, добавляет к общей картине "Más Allá Del Sol Poniente" ещё несколько изящных штрихов, завершая пластинку.
На новом альбоме Don Juan Matus я услышал примерно то, что и ожидал: современный psychedelic stoner rock очень высокого качества. Единственное, на что я не рассчитывал, это такое разнообразие музыкальных тем. Да, как и все талантливые музыканты, Don Juan Matus держатся стилистических рамок конкретного формата, но они умеют выходить за них, держась на приличном расстоянии от лишнего, от того, что их музыке не пошло бы на пользу. Стоит ли говорить о том, что для группы этот альбом стал шагом вперёд, так держать!
Первое на что обращаешь внимание, когда в руки попадает последний на сегодняшний день альбом Тома Шира и его Assemblage 23, это простенькое, но очень стильное оформление буклета. На обложке "Compass" красуется собственно "устройство, облегчающее ориентирование на местности", на фоне карты мира. Я не смог удержаться, чтобы не рассмотреть очертания континентов и прочитать названия городов, выведенные крайне мелким шрифтом. Что еще сказать, было совершенно неожиданно обнаружить на севере Европы чуть ниже Скандинавского полуострова, аккурат после цифры 3 название города в котором я родился, теперь я живу в другом, хотя это один и тот же город.
Примерно этими словами – "родился в одном городе, живу в другом, хотя это один и тот же город" – можно характеризовать и новый диск проекта. В музыке Тома заметны кое-какие изменения, но это все тот же любимы многими Assemblage 23, а любить такую музыку есть за что. Данные проект постоянно балансирует на грани разделяющей коммерчески успешную, а следовательно, следующую всем последним трендам сцены; и идущую от сердца, а следовательно не подверженную никаким посторонним влияниям кроме воли автора музыку. В итоге получается крепкий сплав из музыкальной мелодики поэзии чувств и самых современных "фишек" краем глаза подсмотренных у разных маститых авторов, среди которых въедчивый слушатель может найти и Depeche Mode и все что угодно, но в конечном итоге звучание Assemblage 23 достаточно самобытно, чтобы отличаться от массы подобных исполнителей и достаточно хорошо, чтобы нравиться широким массам слушателей.
В композициях с "Compass" среднетемповый танцевальный бит идеально соединяется с клавишными мелодиями, некоторые из которых западут к вам в голову основательно и надолго, например проигрыши в припевах с "Collapse" и "Alive", другие, возможно, пройдут менее ярко, но тоже понравятся
Особого внимания заслуживают и тексты композиций альбома. В отличие от многих команд электро-индустриальной сцены комбинирующих так и эдак простенькие фразы до степени полной бессмыслицы, в своих текстах Том все больше раскрывает мир внутренних человеческих проблем и переживаний, может возраст артиста тому виной, может моя сентиментальность, но это покоряет.
Хороший альбом созданный с чувством в сердце и мыслью в голове, надеюсь именно так осмысленно и с чувством вы и будете его слушать.«
Мои аплодисменты, господа: вот как надо делать финты ушами, чтобы нелюбимая мной группа, на длительное время оставалась в текущем плейлисте любимых композиций и уже второй альбом подряд заставляла себя слушать с увлечением и интересом. Именно ##### вместе с внезапно почившими после отличного альбома БеZумными Усилиями смело развернули российскую альтернативу на путь становления некоего микса стилистик, вырулив почти омертвевшую сцену на уровень, в данном случае даже более высокий, чем западные аналоги. Все гениальное, как обычно оказалось проще простого – надо всего лишь соединить в нужных пропорциях стили, обретшие популярность в молодежных кругах тяжелой музыки.
И если предыдущий "Один В Поле Воин" добивался своего, добавляя в классические альтернативные сентенции рэгги и панк, при этом иногда теряя упорядоченные привлекательность и смещая акценты с игривых, зацепистых мелодий и драйвовых риффов в менее симпатичную мясорубку, то новый альбом воплотил в жизнь все самые привлекательные родственные metalcore и groove черты, ни капли не убавив задиристого конструктивизма. Во всем этом очень-очень важное участие принял датский мастер продюсирования современной музыки Jacob Hansen, без которого две гитары, бас, программированные штучки и ударные с разнообразными вокалами, еще более насыщенными по отдельности и вместе, чем прежде, смешались бы в монструозную звуковую кашу. А так, там где идейно должны быть брейкдауны металкора, диезы смело вставляют многослойные вокальные аранжировки под шикарные, запоминающиеся мелодии с креативными ритмическими рисунками, внедряющими в текущий альбом все тот же веселоватый оттенок панка и отвязные мотивы рэгги. Все песни, отчаявшись убежать от творческого подъема своих создателей, преследуемы шикарными мелодиями, вплетенными в гитарную работу, и даже мощные риффовые песни, как стартовая "Искра" и куски других ("Каждую Ночь" – на первый взгляд не самая интересная песня, что ложно), словно по мановению волшебной палочки обрели не шуточный драйв, равно делящий себя с мелодически-увлекательными ходами. Такие вещи выдают сейчас только лидеры жанра, вроде As I Lay Dying или Devildriver, но пишут их даже менее душевно. Никто не забыл вставить в конструкцию семплы и электронные фишечки, а все уложил на свои места, рассортировал и сделал слушабельным именно Hansen – у нас так не умеют.
Тем удивительней держать в руках, качественно оформленный, в виде становящегося приятно типичным для России, digipack с красивым буклетом, мощной обложкой, хорошими фотографиями группы и дополнительным отделением с постером, содержащий один из лучших альбомов стиля. В прошлом альбоме песни шли партиями – пара хитов чередовалась с парой проходных или просто не слишком увлекательных песен, а вся харизма заключалась в игровой подаче некоторых моментов. В "Пандемии" кроме единственной песни с наркотическим трип-хоповым мотивом, принципиально не привлекающей меня как типаж, и непритязательно-тяжелой "Монстры" каждая следующая четко индивидуальна, и это театрально-панковское веселье никуда не делось. Мощные атакующие композиции "Искра", трешевая "Fire Machine", наравне с тяжелым хитом "Мертвые Тела" вполне могут соперничать с изобретательно омелодиченной "Моя Весна" в конце первой минуты начинающей потрясающе заводную альтернативную круговерть основного мотива переходящего в плотный напевный рефрен условного припева. Простая, но эффектная ритмика, наблюдающаяся по всему диску это много очков в пользу ударника. Вступительный и основной рифф "Каждую Ночь" как раз напоминает лучшие работы упомянутой выше артели Фафары и компании, с поправкой на брейк-коровый ритм и чистый вокал. Последний, кстати, (вокал в смысле) приобрел большую, чем прежде вариативность от хардкоровых надсадных криков и российско-альтернативного "нытья", до читки в духе nu metal и удачного скрима и гроула. Припевы, одно из самых сильных мест альбома, выделены в каждой песне, запоминаются и напеваются после прослушивания. Концовка диска это почти дэт-коровая "Великая Артерия" с неловким, но уместным соло под флажолеты и где-то затерявшейся флейтой, да гнусавым голосом спетая, эмоциональная баллада "Дождь". Обе просто хорошие.
Отдельный разговор вновь стоит завести про тексты, через которые тонкой красной нитью проходит вступление про общество потребления. Хочется их похвалить! Они отлично написаны, осмыслены, ни в коем разе не являясь набором слов, даже зарифмованы и внедрены в структуру песен гармонично и расчетливо. Редкий случай использования мата по месту и для выражения необходимого акцента в конкретном случае, вызывает только удовлетворение и поддержку. На месте писательский парадокс людей, проживающих в кострах пороков общества, но старающихся нести духовную возвышенность в массы. А позиционирование мнения наводит на размышление, что лучше: искреннее анархическое общество или толерантная терпимость рассудительности. Первое чисто юношеское, второй взрослое, и нигде как обычно нет истины...
Стабильность это признак класса. Являются ли диезы однозначно стабильной группой, нам предстоит узнать по прошествии трех альбомов – ждем следующего – и при удаче, мы сможем уверенно заменять в наших проигрывателях толпы зарубежных исполнителей, на русскоязычную группу, пробивающуюся к свету, прогрессирующую и легкую на подъем. В таких условиях ничто не мешает мне рекомендовать текущий альбом самому широкому кругу слушателей.«
Британия, всегда склонявшаяся к модным, но по-неформатному душевным вариациям стилей скоро будет под осадой post всячины, растущей и развивающейся словно юные деревца – с каждым годом прибавка. Inertia Blooms это прибавка, возникшая в Бирмингеме то ли в 2006-ом то ли в 2005 году и с тех пор, творящая в расслаблено дозированном режиме: два ep с тремя песнями каждый за все это время, но готовая на минимализм только в своей изобразительно-художественной деятельности: в отличие от сайта, состоящего из разных фотографий при каждом новом входе на него и названия, картонного конверта с диском, вместо коробки, вразрез с типизмом внушаемой необходимости к выражению малыми средствами здесь полный набор инструментов в две гитары, бас и барабаны, да к тому же не столь частый по нынешним временам вокал.
Три композиции до восьми минут это красивые, насыщенные зарисовки в духе progressive post rock, где первого, в составе неровных партий ударных, сбивчивых мелодий и нетривиального их развития, а также стыкующегося с основными партиями инструментов артистической самостоятельной избирательностью баса, значительно больше, чем текучих, повисающих на одной тональности и капающих одинаковыми переборами акустических гитар, да логических недовершенных кульминаций, от второго. В паре мест можно услышать программированные кусочки ритмики, однозначно смещающие стилистические рамки с progressive, и в то же время, настроение, имидж и ощущение музыки работает чисто по старинке. Сама группа, взяв ориентирами Deftones и Tool в частности, набрала от них очень мало, уступив позитивной растянутости высоких частот и мягкому арт-роковому подходу. Вокал с некоторых пор даже разнообразит действо, частенько отсутствуя у коллег вовсе, но местами смущает своей юношеской высотой и плаксивостью отдельными моментами – а ведь мне казалось, что музыка отнюдь не располагает к минору... Стоит отметить высокое исполнительское мастерство отменяющее торжество монотонного гипноза в пользу техничных пассажей и еще раз подчеркнуть отсутствие нарочитого примитивизма, хотя и технико-звуковых извращений британцы тоже не используют. Все это складывается в очень приятные ощущения от прослушивания трех не самых длинных песен (третья композиция самое оно), но уж слишком мимолетные: если альбом был бы длинней, реально появилась бы возможность воплотить атмосферное настроение.«
Наверное, groove metal возвращается – подумалось мне после того, как на российских прилавках появилось сразу два релиза в этом стиле – от тульской команды HIDDEN TIME и арзамасских HEADROLL, при этом, старый добрый грув был представлен в самом своем выгодном свете – сочетании олдскульного, типажного звука и модерновой обработки, придающей саунду современную технологичность. Что касаемо тульского варианта грув-ренессанса, то впечатление от альбома можно высказать одним словом – забористо! Первое, что реально порадовало, это не просто динамичный, а драматический вокал, наполненный непередаваемой гаммой эмоций, выразительных форм и мастерских переходов от ядовитого скрима к тягучему, томному полушепоту, от которого мурашки по спине дружным маршем...
Вокалисты, коих в группе двое, подошли к вопросу со всей серьезностью, разыграв перед слушателем исключительно одиозную пьесу по ролям, каждое слово было не просто наполнено смыслом, но передано с ювелирной четкостью эмоциональной огранки. И это, наверное, было самое первое и самое сильное впечатление. Однозначные хиты альбома – "Face My Hate" и "SFO", качающие, мелодичные, ударные – хотя, весь остальной материал, естественно, нельзя назвать менее выдающимся, пластинка на удивление однородна и отлажена. Просто отмечаю композиции, на которые стоит сделать некую виртуальную ставку.
Композиционная часть также нареканий не вызвала – написано и записано все вполне в духе жанра, очень вкусно и изысканно, с наворотами и красотами, тонкими переломами рифов и хорошо сформулированным вИдением звукового микса. Все динамические изощрения, отраженные в альбоме, от меланхоличности до сумасбродства, расставлены по местам и выверены чуть ли не математически. Если бы в нашей стране не было столь яркого различия отношений к своим и импортным, думаю, мои слова подтвердила бы уйма народа – в исполнении фирмачей подобный материал заслужил бы самые похвальные отзывы, а так я немного рискую нарваться на подозрения в ангажировнности, но, тем не менее, скажу честно, несмотря на все страхи – этот материал действительно чертовски хорош!«
Новости
Группы
Статьи
Команда
Магазин
